Бычков М.Н. Популярный справочник. Творческие портреты композиторов
Подождите немного. Документ загружается.
маршах. Тогда же началась педагогическая деятельность Сметаны в открытой им
школе. Однако поражение революции привело к усилению реакции в политике
Австрийской империи, душившей все чешское. Преследование передовых деятелей
создало огромные трудности на пути патриотических начинаний Сметаны и
заставило его эмигрировать в Швецию. Он поселился в Гетеборге (1856-61).
Подобно Шопену, запечатлевшему образ далекой родины в своих мазурках,
Сметана пишет _Воспоминания о Чехии в форме полек_ для фортепиано. Тогда же
он обращается к жанру симфонической поэмы. Вслед за Листом Сметана
использует сюжеты из европейской литературной классики - В. Шекспира
(_Ричард III_), Ф. Шиллера (_Лагерь Валленштейна_), датского писателя А.
Эленшлегера (_Гакон Ярл_). В Гетеборге Сметана выступает как дирижер
Общества классической музыки, пианист, занимается педагогической
деятельностью. 60-е гг. - время нового подъема национального движения в
Чехии, и возвратившийся на родину композитор активно включается в
общественную жизнь. Сметана стал создателем чешской классической оперы. Даже
за открытие театра, где певцы могли бы петь на родном языке, пришлось
выдержать упорную борьбу. В 1862 г. по инициативе Сметаны был открыт
Временный театр, где в течение многих лет он работал дирижером (1866-74) и
ставил свои оперы. Оперное творчество Сметаны исключительно разнообразно по
тематике и жанрам. В первой опере - _Бранденбуржцы в Чехии_ (1863) -
рассказывается о борьбе с немецкими завоевателями в XIII в., события далекой
старины здесь прямо перекликались с современностью. Вслед за
историко-героической оперой Сметана пишет веселую комедию Проданная невеста
(1866) - свое самое известное, пользующееся огромной популярностью
произведение. Неистощимый юмор, жизнелюбие, песенно танцевальный характер
музыки выделяют ее даже среди комических опер второй половины XIX в.
Следующая опера - _Далибор_ (1868) - героическая трагедия, написанная на
сюжет старинной легенды о рыцаре, заточенном в башню за сочувствие и
покровительство восставшему народу, и его возлюбленной Миладе, которая
погибает, пытаясь спасти Далибора.
По инициативе Сметаны был проведен всенародный сбор средств на
постройку Национального театра, который в 1881 г. открылся премьерой его
новой оперы _Либуше_ (1872). Это эпопея о легендарной основательнице Праги
Либуше, о чешском народе. Композитор назвал ее _торжественной картиной_. И
сейчас в Чехословакии существует традиция исполнения этой оперы в дни
национальных праздников, особо знаменательных событий. После _Либуше_
Сметана пишет главным образом комические оперы: _Две вдовы. Поцелуй, Тайна_.
Будучи дирижером оперного театра, он пропагандирует не только чешскую, но и
зарубежную музыку - в особенности новых славянских школ (М. Глинка, С.
Монюшко). Для постановки опер Глинки в Праге из России был приглашен М.
Балакирев.
Сметана стал создателем не только национальной классической оперы, но и
симфонизма. Больше чем симфония его привлекает программная симфоническая
поэма. Высшее достижение Сметаны в оркестровой музыке - создававшийся в 70-е
гг. цикл симфонических поэм _Моя родина_ - эпопея о чешской земле, ее
народе, истории. Поэма _Вышеград_ (Вышеград - старинная часть Праги,
_стольный город князей и королей чешских_) - сказание о героическом прошлом
и былом величии родины.
Романтически красочная музыка в поэмах _Влтава, Из чешских полей и
лесов_ рисует картины природы, привольные просторы родной земли, по которой
разносятся звуки песен и танцев. В _Шарке_ оживают старинные предания и
легенды. _Табор_ и _Бланик_ рассказывают о гуситских героях, воспевают
_славу земли Чешской_.
Тема родины воплощается и в камерной фортепианной музыке: _Чешские
танцы_ - собрание картинок народного быта, заключающее все многообразие
танцевальных жанров Чехии (полька, скочна, фуриант, coyседка и т. п.).
Сочинение музыки у Сметаны всегда сочеталось с интенсивной и
разносторонней общественной деятельностью - особенно в период жизни в Праге
(60-е - первая половина 70-х гг.). Так, руководство хоровым обществом
_Глагол Пражский_ способствовало созданию множества произведений для хора (в
том числе драматической поэмы о Яне Гусе _Три всадника_). Сметана входит в
товарищество передовых деятелей чешской культуры _Умелецка беседа_ и
возглавляет его музыкальную секцию.
Композитор был одним из основателей Филармонического общества,
способствовавшего музыкальному просвещению народа, знакомству с классикой и
новинками отечественной музыки, а также чешской вокальной школы, в которой
он сам занимался с певцами. Наконец, Сметана работает как музыкальный критик
и продолжает выступления в качестве пианиста-виртуоза. Только тяжелая
нервная болезнь и потеря слуха (1874) заставили композитора отказаться от
работы в оперном театре и ограничили размах его общественной деятельности.
Сметана оставил Прагу и поселился в деревне Ябкенице. Однако он продолжает
много сочинять (завершает цикл _Моя родина_, пишет последние оперы). Как и
раньше (еще в годы шведской эмиграции скорбь о смерти жены и дочери вылилась
в фортепианное трио) свои личные переживания Сметана воплощает в
камерно-инструментальных жанрах. Создается квартет _Из моей жизни_ (1876) -
рассказ о собственной судьбе, неотделимой от судьбы чешского искусства.
Каждая часть квартета имеет программное пояснение автора. Полная надежд
молодость, готовность _к бою в жизни_, воспоминания о веселых днях, танцах и
музыкальных импровизациях в салонах, поэтическое чувство первой любви и,
наконец, _радость при взгляде на путь, пройденный в национальном искусстве_.
Но все заглушает монотонный высокий звук - словно зловещее предостережение.
Кроме уже названных произведений последнего десятилетия Сметана пишет оперу
_Чертова стена_, симфоническую сюиту _Пражский карнавал_ начинает работу над
оперой _Виола_ (по комедии Шекспира _Двенадцатая ночь_), закончить которую
помешала усиливающаяся болезнь. Тяжелое состояние композитора в последние
годы было скрашено признанием его творчества чешским народом, которому он
посвятил свое творчество. /К. Зенкин/
СОЛОВЬЕВ-СЕДОЙ (наст. фам. Соловьев) Василий Павлович (25 IV 1907,
Петербург - 2 XII 1979, Ленинград)
_Жизнь наша всегда богата событиями, богата людскими чувствами. В ней
есть, что прославить, и есть, что сопережить - глубоко и вдохновенно_. В
этих словах заключено кредо замечательного советского композитора В.
Соловьева-Седого, которому он следовал на протяжении всего творческого пути.
Автор огромного количества песен (свыше 400), 3 балетов, 10 оперетт, 7
произведений для симфонического оркестра, музыки к 24 драматическим
спектаклям и 8 радиопостановкам, к 44 кинофильмам, Соловьев-Седой воспел в
своих произведениях героику наших дней, запечатлел чувства и мысли
советского человека.
В. Соловьев родился в семье рабочего. Музыка с детства влекла к себе
одаренного мальчика. Обучаясь игре на фортепиано, он обнаружил незаурядный
дар импровизации, однако композицию стал изучать лишь в 22 года. В ту пору
он работал пианистом-импровизатором в студии художественной гимнастики.
Однажды его музыку услышал композитор А. Животов, одобрил ее и посоветовал
юноше поступить в недавно открывшийся музыкальный техникум (ныне Музыкальное
училище им. М. П. Мусоргского).
Спустя 2 года Соловьев продолжил занятия по классу композиции П.
Рязанова в Ленинградской консерватории, которую окончил в 1936 г. В качестве
дипломной работы он представил часть Концерта для фортепиано с оркестром. В
студенческие годы Соловьев пробует свои силы в разных жанрах: пишет песни и
романсы, фортепианные пьесы, музыку к театральным спектаклям, работает над
оперой _Мать_ (по М. Горькому). Большой радостью для молодого композитора
было услышать в 1934 г. по Ленинградскому радио свою симфоническую картину
_Партизанщина_. Тогда же под псевдонимом В. Седой {Происхождение псевдонима
имеет чисто семейный характер. Отец называл сына с детства _седым_ за
светлый цвет волос.} вышли из печати его _Лирические песни_. Отныне Соловьев
слил свою фамилию с псевдонимом и стал подписываться _Соловьев-Седой_.
В 1936 г. на конкурсе песни, организованном Ленинградским отделением
Союза советских композиторов, Соловьеву-Седому были присуждены сразу 2
первые премии: за песню _Парад_ (ст. А. Гитовича) и Песню о _Ленинграде_
(ст. Е. Рывиной). Окрыленный успехом, он стал активно работать в песенном
жанре.
Песни Соловьева-Седого отличаются ярко выраженной патриотической
направленностью. В предвоенные годы выделились _Казачья кавалерийская_,
часто звучавшая в исполнении Леонида Утесова, _Едем, братцы, призываться_
(обе на ст. А. Чуркина). Его героическую балладу _Гибель Чапаева_ (ст. З.
Александровой) пели бойцы интернациональных бригад в республиканской
Испании. Известный певец-антифашист Эрнст Буш включил ее в свой репертуар. В
1940 г. Соловьев-Седой завершил балет _Тарас Бульба_ (по Н. Гоголю). Много
лет спустя (1955) композитор вернулся к нему. Заново пересмотрев партитуру,
он и автор сценария С. Каплан изменили не только отдельные сцены, но и всю
драматургию балета в целом. В результате возник новый спектакль, приобретший
героическое звучание, близкое гениальной повести Гоголя.
Когда началась Великая Отечественная война, Соловьев-Седой сразу же
отложил в сторону все задуманные или начатые им работы и целиком посвятил
себя песням. Осенью 1941 г. с небольшой группой ленинградских музыкантов
композитор приехал в Оренбург. Здесь он организовал эстрадный театр
_Ястребок_, вместе с которым был направлен на Калининский фронт, в район
Ржева. За первые полтора месяца, проведенных на фронте, композитор хорошо
узнал жизнь советских солдат, их думы и чувства. Здесь он понял, что
_задушевность и даже грусть могут быть не менее мобилизующими и не менее
нужными бойцам_. Постоянно звучали на фронте _Вечер на рейде_ (ст. А.
Чуркина), О чем ты тоскуешь, товарищ моряк (ст. В. Лебедева-Кумача),
_Соловьи_ (ст. А. Фатьянова) и др. Не менее популярными были и шуточные
песни - _На солнечной поляночке_ (ст. А. Фатьянова), _Как за Камой за рекой_
(ст. В. Гусева).
Отгремела военная гроза. Соловьев-Седой вернулся в свой родной
Ленинград. Но, как и в годы войны, композитор не мог долго оставаться в тиши
своего кабинета. Его тянуло к новым местам, к новым людям. Василий Павлович
много ездил по стране и за рубеж. Эти поездки давали богатый материал для
его творческой фантазии. Так, будучи в 1961 г. в ГДР, он написал вместе с
поэтом Е. Долматовским волнующую _Балладу об отце и сыне_. В основе
_Баллады_ лежит действительный случай, происшедший у могилы солдат и
офицеров на территории Западного Берлина. Поездка в Италию дала материал
сразу для двух крупных произведений: оперетты _Олимпийские звезды_ (1962) и
балета _В порт вошла "Россия"_ (1963).
В послевоенные годы Соловьев-Седой по-прежнему уделял основное внимание
песням. Широкое признание завоевали _Солдат - всегда солдат_ и _Баллада о
солдате_ (ст. М. Матусовского), _Марш нахимовцев_ (ст. Н. Глейзарова), _Если
бы парни всей земли_ (ст. Е. Долматовского). Но, пожалуй, наибольший успех
выпал на долю песен _Где же вы теперь, друзья-однополчане_ из цикла _Сказ о
солдате_ (ст. А. Фатьянова) и _Подмосковные вечера_ (ст. М. Матусовского) из
кинофильма _В дни спартакиады_. Эта песня, получившая первую премию и
Большую золотую медаль на Международном конкурсе VI Всемирного фестиваля
молодежи и студентов в 1957 г. в Москве, приобрела широчайшую известность.
Немало превосходных песен написал Соловьев-Седой для кинофильмов. Сойдя
с экрана, они сразу же были подхвачены народом. Таковы _Пора в путь-дорогу,
Потому что мы пилоты_, задушевная лирическая _На лодке_, мужественная,
полная энергии _В путь_. Ярким песенным мелодизмом проникнуты также оперетты
композитора. Лучшие из них - _Самое заветное_ (1951), _Восемнадцать лет_
(1967), _У родного причала_ (1970) - были с успехом поставлены во многих
городах нашей страны и за рубежом.
Приветствуя Василия Павловича в день его 70-летия, композитор Д.
Покрасс сказал: _Соловьев-Седой - это советская песня нашего времени. Это
подвиг военного времени, выраженный чутким сердцем... Это борьба за мир. Это
нежная любовь к Родине, родному городу. Это, как часто говорят про песни
Василия Павловича, эмоциональная летопись поколения советских людей, которое
закаливалось в огне Великой Отечественной_... /М. Комиссарская/
СПЕНДИАРОВ (Спендиарян) Александр Афанасьевич (1 XI 1871, Каховка - 7 V
1928, Ереван)
А. А. Спендиаров был мне всегда близок и дорог как высоко талантливый
самобытный композитор и как музыкант с безупречной, широко разносторонней
техникой.
...В музыке А. А. чувствуется свежесть вдохновения, благоухание
колорита, искренность и изящество мысли и совершенство отделки.
А. Глазунов
А. Спендиаров вошел в историю как классик армянской музыки, заложивший
основы национального симфонизма и создавший одну из лучших национальных
опер. Он сыграл также выдающуюся роль в становлении армянской композиторской
школы. Органически претворив традиции русского эпического симфонизма (А.
Бородин, Н. Римский-Корсаков, А. Лядов) на национальной почве, он расширил
идейно-образный, тематический, жанровый диапазон армянской музыки, обогатил
ее выразительные средства.
_Из музыкальных влияний в период моего младенчества и отрочества_, -
вспоминает Спендиаров, - _самым сильным была игра на фортепиано моей матери,
которую я очень любил слушать и которая несомненно пробудила во мне раннюю
любовь к музыке_. Несмотря на рано проявившиеся творческие способности,
заниматься музыкой он начал сравнительно поздно - в девятилетнем возрасте.
Обучение игре на фортепиано вскоре сменилось занятиями на скрипке. К годам
учения в симферопольской гимназии относятся первые творческие опыты
Спендиарова: он пробует сочинять танцы, марши, романсы.
В 1880 г. Спендиаров поступает в Московский университет, учится на
юридическом факультете и параллельно продолжает заниматься на скрипке,
играет в студенческом оркестре. У дирижера этого оркестра Н. Кленовского
Спендиаров берет уроки теории, композиции, а после окончания университета
(1896) едет в Петербург и в течение четырех лет осваивает курс композиции у
Н. Римского-Корсакова.
Уже в период учебы Спендиаров пишет ряд вокальных и инструментальных
пьес, сразу же получивших широкую популярность. Среди них романсы _Восточная
мелодия (К розе)_ и _Восточная колыбельная песнь, Концертная увертюра_
(1900). В эти годы Спендиаров знакомится с А. Глазуновым, А. Лядовым, Н.
Тиграняном. Знакомство перерастает в большую дружбу, сохранившуюся до конца
жизни. С 1900 г. Спендиаров в основном живет в Крыму (Ялта, Феодосия,
Судак). Здесь он общается с выдающимися представителями русской
художественной культуры: М. Горьким, А. Чеховым, Л. Толстым, И. Буниным, Ф.
Шаляпиным, С. Рахманиновым. Гостями Спендиарова бывали А. Глазунов, Ф.
Блюменфельд, оперные певицы Е. Збруева и Е. Мравина.
В 1902 г., находясь в Ялте, Горький познакомил Спендиарова со своей
поэмой _Рыбак и фея_ и предложил ее в качестве сюжета. Вскоре на ее основе
было сочинено одно из лучших вокальных произведений композитора - баллада
для баса с оркестром, исполненная Шаляпиным летом того же года на одном из
музыкальных вечеров. К творчеству Горького Спендиаров обратился еще раз в
1910 г., он сочинил мелодекламацию _Эдельвейс_ на текст из пьесы _Дачники_,
выразив тем самым свои передовые политические взгляды. В этом плане
характерно и то, что в 1905 г. Спендиаров выступил в печати с открытым
письмом в знак протеста по поводу увольнения Н. Римского-Корсакова из
состава профессоров Петербургской консерватории. Памяти дорогого учителя
посвящена _Траурная прелюдия_ (1908).
По инициативе Ц. Кюи летом 1903г. в Ялте состоялся дирижерский дебют
Спендиарова, с успехом исполнившего первую серию _Крымских эскизов_. Будучи
прекрасным интерпретатором собственных сочинений, он впоследствии
неоднократно выступает как дирижер в городах России и Закавказья, в Москве и
Петербурге.
Интерес к музыке народов, населявших Крым, особенно армян и крымских
татар, получил у Спендиарова воплощение в целом ряде вокальных и
симфонических произведений. Подлинные мелодии крымских татар использованы в
одном из лучших и репертуарных сочинений композитора в двух сериях _Крымских
эскизов_ для оркестра (1903, 1912). По мотивам романа X. Абовяна _Раны
Армении_ в начале первой мировой войны была сочинена героическая песнь
_Туда, туда, на поле чести_. Обложку для издаваемого сочинения оформил М.
Сарьян, что послужило поводом для личного знакомства двух славных
представителей армянской культуры. Средства с этого издания они передали
комитету помощи жертвам войны в Турции. Мотив трагедии армянского народа
(геноцида) Спендиаров воплотил в героико-патриотической арии для баритона с
оркестром _К Армении_ на стихи И. Ионисяна. Эти произведения имели этапное
значение в творчестве Спендиарова и подготовили почву для создания
героико-патриотической оперы _Алмаст_ на сюжет поэмы О. Туманяна _Взятие
Тмкаберта_, повествующей об освободительной борьбе армянского народа в XVIII
в. против персидских завоевателей. В поиске либретто Спендиарову помог М.
Сарьян, познакомивший композитора в Тбилиси с поэтом О. Туманяном. Совместно
был составлен сценарий, а либретто написала поэтесса С. Парнок.
Прежде чем приступить к сочинению оперы, Спендиаров принялся
накапливать материал: собирал армянские и персидские народные и ашугские
напевы, знакомился с обработками различных образцов восточной музыки.
Непосредственная работа над оперой началась позднее и была закончена уже
после переезда Спендиарова в 1924 г. в Ереван по приглашению правительства
Советской Армении.
Последний период творческой деятельности Спендиарова связан с активным
участием в строительстве молодой советской музыкальной культуры. В Крыму (в
Судаке) он работает в отделе народного образования и преподает в музыкальной
студии, руководит самодеятельными хорами и оркестрами, обрабатывает русские
и украинские народные песни. Возобновляется его деятельность в качестве
дирижера авторских концертов, организуемых в городах Крыма, в Москве и
Ленинграде. В концерте, состоявшемся в Большом зале Ленинградской филармонии
5 декабря 1923 г. наряду с симфонической картиной _Три пальмы_, второй
серией _Крымских эскизов_ и _Колыбельной_ была в первый раз исполнена первая
сюита из оперы _Алмаст_, вызвавшая благожелательные отклики критики.
Переезд в Армению (Ереван) оказал значительное влияние на дальнейшее
направление творческой деятельности Спендиарова. Он преподает в
консерватории, участвует в организации первого в Армении симфонического
оркестра, продолжает выступать в качестве дирижера. С прежним энтузиазмом
композитор записывает и изучает армянскую народную музыку, выступает в
печати.
Спендиаров воспитал немало учеников, ставших впоследствии известными
советскими композиторами. Это Н. Чемберджи, Л. Ходжа-Эйнатов, С. Баласанян и
др. Он одним из первых оценил и поддержал талант А. Хачатуряна. Плодотворная
педагогическая и музыкально-общественная деятельность Спендиарова не
помешала дальнейшему расцвету его композиторского творчества. Именно в
последние годы он создал ряд своих лучших произведений, среди которых
замечательный образец национального симфонизма _Эриванские этюды_ (1925) и
опера _Алмаст_ (1928). Спендиаров был полон творческих планов: зрел замысел
симфонии _Севан_, симфонии-кантаты _Армения_, в которой композитор хотел
отразить историческую судьбу родного народа. Но планам этим не суждено было
сбыться. В апреле 1928 г. Спендиаров сильно простудился, заболел воспалением
легких, и 7 мая его не стало. Прах композитора захоронен в саду перед
Ереванским оперным театром его имени.
Творчеству Спендиарова присуща тяга к воплощению национально
характерных жанровых картин природы, народного быта. Его музыка пленяет
настроением мягкого светлого лиризма. Вместе с тем мотивы социального
протеста, непреклонной веры в грядущее освобождение и счастье своего
многострадального народа пронизывают целый ряд замечательных творений
композитора. Своим творчеством Спендиаров поднял армянскую музыку на более
высокую ступень профессионализма, углубил армяно-русские музыкальные связи,
обогатил национальную музыкальную культуру художественным опытом русской
классики. /Д. Арутюнов/
СТАНКОВИЧ Евгений Федорович (р. 19 IX 1942, г. Свалява Закарпатской
обл.)
В плеяде украинских композиторов 70-х гг. Е. Станкович - один из
лидеров. Его своеобразие заключается прежде всего в масштабноети - замыслов,
идей, охвате проблем бытия, их музыкальном воплощении, наконец в гражданской
позиции, в последовательном отстаивании идеалов, в борьбе (не фигуральной -
подлинной!) с чиновниками от музыки.
Станкевича относят к _новой фольклорной волне_. Вероятно, это не совсем
верно, ибо к фольклору он относится не как к средству воплощения того или
иного образа. Для него это форма существования, жизненный атрибут. Отсюда
щедрое использование народных тем и образов, преломленное сквозь призму
современного видения мира во всей его сложности, многогранности,
противоречивости.
Станкович родился в маленьком закарпатском городке Сваляве. Музыкальная
школа, музыкальное училище, служба в рядах Советской Армии. После
демобилизации он становится студентом Киевской консерватории (1965). За 3
года занятий в классе Б. Лятошинского Станкович сумел проникнуться его
высоконравственным принципом: быть честным и в искусстве, и в поступках.
После смерти учителя Станкович перешел в класс М. Скорика, давшего
прекрасную школу профессионализма.
Станковичу в музыке подвластно все. Он владеет всеми современными
видами композиторской техники. Додекафония, алеаторика, сонорные эффекты,
коллаж органично используются композитором, но нигде не переходят в
самодовлеющую цель.
Начиная со студенческих лет Станкович пишет много и в самых различных
областях, но наиболее значительные произведения созданы в симфоническом и
музыкально-театральных жанрах: Симфониетта, 5 симфоний, балеты _Ольга_ и
_Прометей_, фольк-опера _Когда цветет папоротник_ - эти и другие сочинения
отмечены самобытными, своеобразными чертами.
Первая симфония (_Sinfonia larga_) для 15 струнных инструментов (1973)
- редкий случай одночастного цикла в медленном темпе. Это глубокие
философско-лирические размышления, где ярко проявился дар
Станковича-полифониста. Совсем иные, конфликтные образы пронизывают Вторую
(_Героическую_) симфонию (1975), осененную, по выражению композитора,
_огненным знаком_ Великой Отечественной войны.
В 1976 г. появляется Третья симфония (_Я утверждаюсь_) -
эпико-философское широкомасштабное шестичастное симфоническое полотно, в
которое введен хор. Огромное богатство образов, композиционных решений,
насыщенная музыкальная драматургия отличают это кульминационное для эволюции
творчества Станковича сочинение. Контрастом Третьей является созданная годом
позже Четвертая симфония (_Sinfonia liriса_) - трепетное лирическое
высказывание художника. Наконец, последняя, Пятая (_Симфония пасторалей_)-
это поэтичнейшая лирическая исповедь, размышления о природе и месте человека
в ней (1980). Отсюда короткие мотивы-попевки и редкие для Станковича прямые
фольклорные знаки.
Наряду с крупными замыслами Станкевич часто обращается к камерным
высказываниям. Миниатюры, рассчитанные на небольшой состав исполнителей,
дают возможность композитору передать мгновенные смены настроений,
проработать мельчайшие детали структур, с разных сторон осветить образы и
благодаря подлинному мастерству создать совершенные сочинения, может быть, о
самом сокровенном. (Об уровне совершенства свидетельствует и тот факт, что в
1985 г. музыкальная комиссия ЮНЕСКО назвала Третью камерную симфонию
Станковича (1982) среди 10 лучших сочинений во всем мире.)
Станковича влечет и музыкальный театр, прежде всего возможностью
прикоснуться к истории. Необычна по своему замыслу фольк-опера _Когда цветет
папоротник_ (1979). Это ряд жанрово-бытовых и обрядовых сцен,
предназначенных для концертного исполнения известным во всем мире
Государственным украинским народным хором им. Г. Веревки. В органичном
сочетании подлинных фольклорных образцов и авторской музыки: рождается
своеобразная музыкальная драматургия - без сквозного сюжета, близкая
сюитности.
Иные системы организации материала найдены в балетах _Ольга_ (1982) и
_Прометей_ (1985). Крупные исторические события, разноплановые образы и
сюжетные линии питают почву для претворения грандиозных музыкальных действ.
В музыке балета _Ольга_ различные сюжетные линии порождают и разнообразие
идей: здесь и героико-драматические сцены, и нежно-любовные, и
народно-обрядовые. Это, пожалуй, наиболее демократичное сочинение
Станковича, ибо, как нигде, здесь широко использовано мелодическое начало.
Иное в _Прометее_. В отличие от сквозного сюжета _Ольги_ здесь 2 плана:
реальный и символический. Композитор взялся за решение труднейшей задачи:
воплотить музыкальными средствами тему Великой Октябрьской социалистической
революции.
Избежать банальности, прямолинейности, штампов ему помогла не только
романтическая трактовка образов-символов (Прометея, его дочери Искры), но в
первую очередь неординарная разработка тем, современный язык без скидок на
законы жанра. Музыкальное решение оказалось значительно глубже внешнего
ряда. Особенно близок композитору образ Прометея, принесшего человечеству
добро и обреченного вечно страдать за этот поступок. Сюжет балета благодатен
еще и тем, что дал возможность столкнуть 2 полярных мира. Благодаря этому
возникло сочинение остроконфликтное, с мощными взлетами драматического и
лирического, сарказма и подлинной трагедийности.
_Заострить "человеческое в человеке", сделать так, чтобы его
эмоциональный мир, разум легко откликались на "позывные" других людей. Тогда
механизм соучастия, сопереживания не только позволит воспринять суть
произведения, но точно нацелит слушателя на проблемы сегодняшнего дня_. Это
высказывание Станковича точно обозначает его гражданскую позицию и
раскрывает смысл его активной общественной деятельности (секретарь Союза
композиторов СССР и первый секретарь Союза композиторов УССР, депутат
Верховного Совета УССР, народный депутат СССР), цель которой - творить
добро. /С. Фильштейн/
СТАНЧИНСКИЙ Алексей Владимирович (21 III 1888, пос. Оболсуново
Владимирской губ. - X 1914, близ дер. Логачево Смоленской губ.)
А. Станчинский - талантливый русский композитор и пианист. Он прожил 26
лет, но оставил яркий след в истории русской музыки. Станчинский родился в
интеллигентной семье, его отец был инженером-химиком, мать -
преподавательницей музыки.
Музыкальная одаренность Станчинского проявилась необычайно рано: в
пятилетнем возрасте он создает свои первые импровизации. Регулярные занятия
музыкой начались в 9 лет - сначала с матерью, затем в музыкальных классах
Мейера (Ревель) и Боркуса (Смоленск). В Смоленске состоялись первые
публичные выступления Станчинского на открытых ученических вечерах (1902,
1903, 1904).
Наиболее значительная часть жизни композитора связана со Смоленском и
Москвой. С 1899 г. семья Станчинских живет в имении Логачево Ельнинского
уезда Смоленской губернии. Зимой Станчинский учится в Смоленской гимназии,
летом в Логачеве создает ряд фортепианных пьес и романс _Мне снилось
вечернее небо_ (на ст. С. Надсона).
С 1903 г. Станчинский регулярно бывает в Москве и берет уроки
фортепианной игры у И. Левина и К. Игумнова, теории музыки и сочинения у А.
Гречанинова. С 1905 г. постоянным наставником композитора становится, по
совету С. Танеева, Н. Жиляев, с которым Станчинский был дружен до конца
своей короткой жизни. В 1907 г. Станчинский поступил в Московскую
консерваторию по классу фортепиано к профессору Игумнову, одновременно он
берет уроки по фортепиано у К. Эйгеса. Музыкально-теоретические предметы и
композицию Станчинский изучает под руководством Танеева. Быть учениками
Танеева могли лишь наиболее музыкально одаренные люди. В связи с событиями
1905 г. Танеев демонстративно ушел из Московской консерватории, но продолжал
заниматься с учениками безвозмездно частным образом.
Годы учения в Московской консерватории были наиболее плодотворными для
Станчинского. Композитор жадно впитывает музыкальные впечатления, находится
в курсе всех литературно-художественных событий. Жиляев познакомил его с А.
Скрябиным, которому Станчинский неоднократно играл свои сочинения. Большая
личная и творческая дружба связывала его и с выдающимся пианистом и
композитором Н. Метнером.
В 1907-10 гг. Станчинский написал ряд прелюдий, этюдов для фортепиано,
цикл из 10 шотландских песен на ст. Р. Бернса и фортепианное Трио.
В 1910 г. Станчинский перенес тяжелое нервное заболевание, вызванное
смертью отца. После болезни он оставляет консерваторию, но продолжает
занятия с Танеевым, работает с удвоенной энергией и создает цикл
прелюдий-канонов, вариации, цикл _Эскизов_, 2 фортепианные сонаты, сонатное
Allegro. П. Юргенсон издает отдельные выпуски _Эскизов_, которые были
доброжелательно встречены музыкальной критикой. 2 марта 1914 г. Станчинский
выступает в концерте московских композиторов в Малом зале консерватории с
большой программой из собственных произведений.
Критика единодушно выделила Станчинского как наиболее _талантливого и
оригинального композитора_, представляющего _интерес несомненный и крупный_.
Успех концерта окрылил композитора, в его творческих планах намечалось
создание балета (предполагалось содружество с балетмейстером М. Мордкиным),
оперы на сюжет русской народной сказки (в архиве сохранились наброски
либретто) и оркестровой сюиты на испанские или итальянские темы.
Однако безвременная и трагическая смерть композитора в селе Логачеве не
позволила осуществиться этим интересным замыслам. Памяти Станчинского
посвятили свои фортепианные циклы Метнер (_Импровизация_) и Ан. Александров
(_Былая одержимость_).
Творчество Станчинского связано с музыкой русских композиторов (от
Глинки и Мусоргского до Скрябина и Метнера) и отмечено чертами новаторства,
сближающими его с музыкой И. Стравинского, С. Прокофьева, Д. Шостаковича, Г.
Свиридова.
Его произведения отличаются отточенностью формы, оригинальностью
ладотонального мышления, яркой полифоничностью, изощренной и прихотливой
ритмикой, экономной фортепианной фактурой. Одна из главных особенностей
музыкального языка Станчинского заключается в предвидении ритмоинтонаций
современной музыки. /И. Лопатина/
СТРАВИНСКИЙ Игорь Федорович (17 VI 1882, Ораниенбаум, ныне г. Ломоносов
- 6 VI 1971, Нью-Йорк, похоронен в Венеции)
...Я был рожден не вовремя. По темпераменту и склонностям мне
надлежало, как и Баху, хотя и иного масштаба, жить в безвестности и
регулярно творить для установленной службы и Бога. Я устоял в мире, в
котором был рожден... я выжил... несмотря на торгашества издателей,
музыкальные фестивали, рекламу...
И. Стравинский
...Стравинский - истинно русский композитор... Русский дух неистребим в
сердце этого настоящего подлинно большого, многогранного таланта, рожденного
землей русской и кровно с ней связанного...
Д. Шостакович
Творческая жизнь И. Стравинского - это живая история музыки XX в. В
ней, как в зеркале, отразились процессы развития современного искусства,
пытливо ищущего новые пути. Стравинский снискал репутацию дерзкого
ниспровергателя традиций. В его музыке возникает множественность стилей,
постоянно пересекающихся и подчас трудно поддающихся классификации, за что
композитор заслужил от современников прозвище _человек с тысячью лиц_. Он
подобен Фокуснику из своего балета _Петрушка_: свободно перемещает жанры,
формы, стили на своей творческой сцене, как бы подчиняя их правилам
собственной игры. Утверждая, что _музыка способна выражать лишь самое себя_,
Стравинский тем не менее стремился жить _con Tempo_ (т. е. вместе со
временем). В _Диалогах_, изданных в 1959-63 гг., он вспоминает уличные шумы
в Петербурге, масленичные гулянья на Марсовом поле, которые, по его словам,
помогли ему увидеть своего Петрушку. А о _Симфонии в трех движениях_ (1945)
композитор говорил как о произведении, связанном с конкретными впечатлениями
о войне, с воспоминаниями о бесчинствах коричневорубашечников в Мюнхене,
жертвой которых едва не стал он сам.
Поразителен универсализм Стравинского. Он проявляется в широте охвата
явлений мировой музыкальной культуры, в многообразии творческих исканий, в
интенсивности исполнительской - пианистической и дирижерской - деятельности,
продолжавшейся более 40 лет. Беспрецедентны масштабы его личных контактов с
выдающимися людьми. Н. Римский-Корсаков, А. Лядов, А. Глазунов, В. Стасов,
С. Дягилев, художники _Мира искусства_, А. Матисс, П. Пикассо, Р. Роллан. Т.
Манн, А. Жид, Ч. Чаплин, К. Дебюсси, М. Равель, А. Шенберг, П. Хиндемит, М.
де Фалья, Г. Форе, Э. Сати, французские композиторы группы _Шести_ - вот
имена некоторых из них. Всю жизнь Стравинский находился в центре
общественного внимания, на перекрестке важнейших художественных путей.
География его жизни охватывает множество стран.
Детство Стравинского прошло в Петербурге, жить в котором, по его
словам, _было захватывающе интересно_. Родители не стремились дать ему
профессию музыканта, но вся обстановка благоприятствовала музыкальному
развитию. В доме постоянно звучала музыка (отец композитора Ф. Стравинский
был известным певцом Мариинского театра), имелась большая художественная и
музыкальная библиотека. С детского возраста Стравинского увлекала русская
музыка. Десятилетним мальчиком ему посчастливилось увидеть П. Чайковского,
которого он боготворил, посвятив ему много лет спустя оперу _Мавра_ (1922) и
балет _Поцелуй феи_ (1928). _Героем моего детства_ называл Стравинский М.
Глинку. Высоко ценил М. Мусоргского, считал его _самым правдивым_ и
утверждал, что в его собственных сочинениях есть влияния _Бориса Годунова_.
Дружеские отношения возникли с членами Беляевского кружка, особенно с
Римским-Корсаковым и Глазуновым.
Рано сформировались литературные интересы Стравинского. Первым
настоящим событием стала для него книга Л. Толстого _Детство, отрочество,
юность_, кумирами в течение всей жизни оставались А. Пушкин и Ф.
Достоевский.
Занятия музыкой начались с 9 лет. Это были уроки фортепианной игры.
Однако к серьезной профессиональной учебе Стравинский приступил лишь после
1902 г., когда, будучи студентом юридического факультета Петербургского
университета, он начал заниматься с Римским-Корсаковым. В это же время он
сблизился с С. Дягилевым, художниками _Мира искусства_, посещал _Вечера
современной музыки_, концерты новой музыки, устраивавшиеся А. Зилоти. Все
это послужило толчком к быстрому художественному взрослению. Первые
композиторские опыты Стравинского - Соната для фортепиано (1904),
вокально-симфоническая сюита _Фавн и пастушка_ (1906), Симфония ми-бемоль