Бычков М.Н. Популярный справочник. Творческие портреты композиторов
Подождите немного. Документ загружается.
оперу _Граф Ори_; и наконец, в августе 1829 г. ставит на сцене Grand Opera
свой последний шедевр - оперу _Вильгельм Телль_, оказавшую огромное влияние
на последующее развитие жанра итальянской героической оперы в творчестве В.
Беллини, Г. Доницетти и Дж. Верди.
_Вильгельм Телль_ завершил музыкально-сценическое творчество Россини.
Последовавшее за ним оперное молчание гениального маэстро, имевшего за
плечами около 40 опер, современники называли загадкой века, окружая это
обстоятельство всевозможными домыслами. Сам же композитор впоследствии
писал: _Насколько рано, едва созревшим юношей, я начал сочинять, настолько
же рано раньше, чем кто-либо мог это предвидеть, я бросил писать. Так всегда
бывает в жизни: кто рано начинает, должен, согласно законам природы, рано
кончить_.
Однако и перестав писать оперы, Россини продолжал оставаться в центре
внимания европейской музыкальной общественности. Весь Париж прислушивался к
меткому критическому слову композитора, его личность как магнит притягивала
музыкантов, поэтов, художников. С ним встречался Р. Вагнер, общением с
Россини гордился К. Сен-Санс, Лист показывал итальянскому маэстро свои
сочинения, восторженно отзывался о встрече с ним В. Стасов.
В последующие за _Вильгельмом Теллем_ годы Россини создал
величественное духовное произведение _Stabat mater_, Маленькую торжественную
мессу и _Песню титанов_, оригинальное собрание вокальных произведений под
названием _Музыкальные вечера_ и цикл пьес для фортепиано, носящий шутливый
заголовок _Грехи старости_. С 1836 по 1856 гг. Россини, окруженный славой и
почестями, жил в Италии. Там он руководил Болонским музыкальным лицеем и
занимался педагогической деятельностью. Возвратившись затем в Париж, он
остался там до конца своих дней.
Спустя 12 лет после смерти композитора его прах был перенесен на родину
и захоронен в пантеоне церкви Санта-Кроче во Флоренции рядом с останками
Микеланджело и Галилея.
Все свое состояние Россини завещал на благо культуры и искусства
родного города Пезаро. В наши дни здесь регулярно проходят россиниевские
оперные фестивали, среди участников которых можно встретить имена крупнейших
современных музыкантов. /И. Ветлицына/
РУБИНШТЕЙН Антон Григорьевич (28 XI 1829, дер. Выхватинцы, ныне Молд.
ССР - 20 XI 1894, Петергоф, близ Петербурга)
Меня всегда интересовало исследовать, - м_о_ж_е_т л_и и в к_а_к_о_й
с_т_е_п_е_н_и музыка не только передавать индивидуальность и душевное
настроение того или иного сочинителя, но быть также отзвуком или отголоском
времени, исторических событий, состояния общественной культуры и т. д. И я
пришел к убеждению, что она может быть таким отзвуком до мельчайших
подробностей...
А. Рубинштейн
А. Рубинштейн - одна из центральных фигур русской музыкальной жизни
второй половины XIX в. В его лице сочетались гениальный пианист, крупнейший
организатор музыкальной жизни и композитор, работавший в разных жанрах и
создавший ряд прекрасных произведений, сохраняющих значение и ценность до
наших дней. О том, какое место деятельность и облик Рубинштейна занимали в
отечественной культуре, свидетельствуют многие источники и факты. Его
портреты написали B. Перов, И. Репин, И. Крамской, M. Врубель. Ему посвящено
множество стихотворений - больше, чем какому-либо другому музыканту той
эпохи. Он упоминается в переписке А. Герцена с Н. Огаревым. О нем с
восхищением отзывались Л. Толстой и И. Тургенев...
Понять и оценить Рубинштейна-композитора невозможно в отрыве от других
сторон его деятельности и, не в меньшей мере, от особенностей биографии. Он
начал как многие вундеркинды середины века, совершив со своим учителем А.
Виллуаном концертное турне по крупным городам Европы в 1840-43 гг. Однако
весьма скоро он приобрел полную самостоятельность: из-за разорения и смерти
отца младший брат Николай с матерью покинули Берлин, где мальчики занимались
теорией композиции с З. Деном, и вернулись в Москву. Антон же переехал в
Вену и всей своей дальнейшей карьерой обязан исключительно самому себе.
Выработавшиеся в детстве и юности трудолюбие, независимость и твердость
характера, гордое артистическое самосознание, демократизм
музыканта-профессионала, для которого искусство является единственным
источником материального существования, - все эти черты остались
характерными для музыканта до конца его дней.
Рубинштейн был первым русским музыкантом, слава которого была поистине
всесветной: в разные годы он многократно концертировал во всех странах
Европы и в США. И почти всегда он включал в программы собственные
фортепианные либо дирижировал своими оркестровыми сочинениями. Но и без того
рубинштейновская музыка звучала в странах Европы очень много. Так, Ф. Лист
продирижировал в 1854 г. в Веймаре его оперой _Сибирские охотники_, а спустя
несколько лет там же - ораторией _Потерянный рай_. Но основное приложение
многогранное дарование и поистине гигантская энергия Рубинштейна нашли,
конечно, в России. Он вошел в историю отечественной культуры как инициатор и
один из основателей Русского музыкального общества - ведущей концертной
организации, способствовавшей развитию регулярной концертной жизни и
музыкального образования в русских городах. По его же инициативе была
создана первая в стране Петербургская консерватория - он стал ее директором
и профессором. В первом же выпуске его учеников был П. Чайковский. Все виды,
все отрасли творческой деятельности Рубинштейна объединяются идеей
просветительства. И композиторская - тоже.
Творческое наследие Рубинштейна огромно. Вероятно, он - самый
плодовитый композитор во всей второй половине XIX в. Он написал 13 опер и 4
духовные оперы-оратории, 6 симфоний и ок. 10 других сочинений для оркестра,
ок. 20 камерно-инструментальных ансамблей. Число фортепианных пьес
превосходит 200; на тексты русских, немецких, сербских и др. поэтов создано
ок. 180 романсов и вокальных ансамблей... Большая часть этих сочинений
сохраняет интерес чисто исторический. _Многописание_, быстрота процесса
сочинения весьма вредили качеству, отделанности произведений. Нередко
возникало внутреннее противоречие между импровизационностью изложения
музыкальных мыслей и достаточно жесткими схемами их развития.
Но среди сотен по справедливости забытых опусов есть в наследии Антона
Рубинштейна замечательные создания, в которых сказались его богато
одаренная, мощная личность, чуткий слух, щедрый мелодический дар,
композиторское мастерство. Особенно удавались композитору музыкальные образы
Востока, что было, начиная с М. Глинки, коренной традицией русской музыки.
Художественные завоевания в этой сфере признавали даже критики, резко
отрицательно относившиеся к творчеству Рубинштейна, - а таких, весьма
влиятельных, как, например, Ц. Кюи, было немало.
Среди лучших рубинштейновских восточных воплощений - опера _Демон_ и
_Персидские песни_ (и незабываемый голос Шаляпина, со сдержанной, тихой
страстью выводящий _О если б вовеки так было_...) В _Демоне_ сложился жанр
русской лирической оперы, вскоре получивший воплощение в _Евгении Онегине_.
Русская литература или портретная живопись тех лет показывают, что
стремление отразить душевный мир, психологию современника были свойством
всей художественной культуры. Музыка Рубинштейна передала это через
интонационный строй оперы. Мятущегося, неудовлетворенного, стремящегося к
счастью и не могущего его достигнуть, - Демона Рубинштейна слушатель тех лет
отождествлял с собой, и такое отождествление происходило в русском оперном
театре, кажется, впервые. И, как это бывает в истории искусств, отразив и
выразив свое время, лучшая опера Рубинштейна тем самым сохраняет волнующий
интерес для нас. Живут и звучат романсы (_Ночь - Мой голос для тебя и
ласковый и нежный_ - эти стихи А. Пушкина были положены композитором на свою
раннюю фортепианную пьесу - _Романс_ фа мажор), и Эпиталама из оперы
_Нерон_, и Четвертый концерт для фортепиано с оркестром... /Л.
Корабельникова/
РУССЕЛЬ (Roussel) Альбер (Шарль Поль Мари) (5 IV 1869, Туркуэн, деп.
Нор - 23 VIII 1937, Руайан, деп. Приморская Шаранта)
Необычна биография А. Русселя - одного из видных французских
композиторов первой половины XX в. Свои молодые годы он провел в плаваниях
по Индийскому и Тихому океанам, как и Н. Римский-Корсаков, посетил
экзотические страны. Морской офицер Руссель и не помышлял о музыке как о
профессии. Только в возрасте 25 лет он решает полностью посвятить себя
музыке. Пройдя период колебаний и сомнений, Руссель просит об отставке,
поселяется в небольшом городе Рубэ. Здесь он начинает занятия по гармонии с
директором местной музыкальной школы. С октября 1894г. Руссель живет в
Париже, где берет уроки композиции у Э. Жиго. Через 4 года он поступает в
Schola cantorum в класс композиции В. д'Энди, куда уже в 1902 г. его
приглашают на пост профессора контрапункта. Там он преподает до начала
первой мировой войны. В классе Русселя занимаются композиторы, занявшие
впоследствии видное место в музыкальной культуре Франции,Э. Сати, Э. Варез,
П. Ле Флем, А. Ролан-Манюэль.
Первые сочинения Русселя, исполненные под его управлением в 1898г. и
получившие премию на конкурсе Общества композиторов, не сохранились. В 1903
г. в концерте Национального музыкального общества было исполнено
симфоническое произведение _Воскресение_, вдохновленное романом Л. Толстого
(дирижировал А. Корто). А еще до этого события имя Русселя становится
известным в музыкальных кругах благодаря его камерным и вокальным сочинениям
(Трио для фортепиано, скрипки и виолончели, Четыре поэмы для голоса и
фортепиано на стихи А. Ренье, _Проходят часы_ для фортепиано).
Интерес к Востоку заставляет Русселя вновь предпринять большое
путешествие в Индию, Камбоджу и на Цейлон. Композитор вновь любуется
величественными храмами, посещает представления театра теней, слушает
оркестр гамелана. Большое впечатление производят на него руины древнего
индийского города Читора, где когда-то царствовала Падмавати. Восток, с
музыкальным искусством которого Руссель познакомился еще в юности,
существенно обогатил его музыкальный язык, В произведениях ранних лет
композитор использует характерные интонационные особенности индийской,
камбоджийской, индонезийской музыки. Особенно ярко образы Востока
представлены в опере-балете _Падмавати_, поставленной в Grand Opera (1923) и
имевшей большой успех. Позже, в 30-х гг. Руссель одним из первых начинает
использовать в своем творчестве так называемые экзотические лады -
древнегреческие, китайские, индийские (Соната для скрипки и фортепиано).
Руссель не избежал влияния импрессионизма. В одноактном балете _Пир
паука_ (1912) он создал партитуру, отмеченную изысканной красотой образов,
изящной, изобретательной оркестровкой.
Участие в первой мировой войне стало переломным временем в жизни
Русселя. Вернувшись с фронта, композитор меняет свою творческую манеру. Он
примыкает к новому течению неоклассицизма. _Альбер Руссель нас покидает_, -
писал критик Э. Вийермоз, приверженец импрессионизма, - _покидает не
попрощавшись, молчаливо, сосредоточенно, сдержанно... Он уйдет, он уходит,
он ушел. Но куда_? Отход от импрессионизма виден уже во Второй симфонии
(1919-22). В Третьей (1930) и Четвертой симфониях (1934-35) композитор все
больше утверждается на новом пути, создавая произведения, в которых
конструктивное начало все больше выдвигается на первый план.
В конце 20-х гг. сочинения Русселя становятся известными за рубежом. В
1930 г. он посещает США и присутствует на исполнении своей Третьей симфонии
Бостонским симфоническим оркестром под управлением С. Кусевицкого, по заказу
которого она и была написана. Руссель имел большой авторитет педагога. Среди
его учеников многие известные композиторы XX века: наряду с упоминавшимися
выше это Б. Мартину, К. Рисагер, П. Петридис. С 1935 г. и до конца жизни
(1937) Руссель был председателем Народной музыкальной федерации Франции.
Определяя свой идеал, композитор говорил: _Культ духовных ценностей -
основа всякого общества, претендующего на цивилизованность, а среди других
искусств музыка - наиболее чуткое и возвышенное выражение этих ценностей_.
/В. Ильева/
РЯЭТС Яан Петрович (р. 15 X 1932, Тарту)
Ярок и безошибочно узнаваем в хоре многонациональной советской музыки
голос эстонского композитора Я. Ряэтса - художника, вслушивающегося в эпоху,
стремящегося к созданию собственного, глубоко индивидуального ее образа,
_приучившего_ слушателя за многие годы своей творческой деятельности к
смелости замыслов, к неожиданности композиционных решений.
Закончив Таллиннскую консерваторию по классу М. Саара и X. Эллера
(1957), в начале своего творческого пути Ряэтс сочетал композиторскую
деятельность с работой звукорежиссера Эстонского радио (195566), а затем -
музыкального руководителя республиканского телевидения. Со студенческих лет
основные интересы Ряэтса сосредоточились в камерно-симфонической сфере.
Оттолкнувшись от национальной романтической традиции (ранние фортепианные
сонаты, Первая и Третья симфонии), он, как и его ровесники Э. Тамберг, В.
Тормис, начал активный поиск собственного творческого метода. Мерилом для
молодого композитора являлись оказавшие на него заметное влияние классики XX
в. - Д. Шостакович, С. Прокофьев, И. Стравинский, П. Хиндемит. Волевой
темперамент, тонкий артистизм, отточенность музыкальной мысли, _земная,
осязаемая, мускулистая плоть музыки_ (М. Арановский), новый взгляд на
традиционную структуру жанра... Так заявил о себе создатель Концерта для
камерного оркестра (1961) - произведения, сразу поставившего Ряэтса в ряды
ведущих мастеров советского музыкального искусства.
Сегодня в активе композитора около 80 опусов самых различных жанров: 8
симфоний, 2 концерта для камерного оркестра, 2 концерта для скрипки, Концерт
для виолончели, 6 квартетов, 5 фортепианных трио, фортепианные Квинтет и
Секстет, Аллегро для фортепиано, виолончели и оркестра, 4 фортепианных
концерта (один из них - для двух фортепиано). Фортепиано занимает особое
место в творчестве Ряэтса. Кроме названных сочинений для чего написаны 9
сонат, 6 циклов по 24 пьесы (2 цикла прелюдий - один из них с камерным
хором; цикл багателей, 2 цикла _Маргиналий, Путевые тетради_). Фортепианные
опусы Ряэтса прочно вошли в репертуар как учащейся молодежи, так и зрелых
исполнителей. Показательно, что его Токката была избрана обязательной пьесой
в программе IV Международного конкурса им. П. И. Чайковского (1970). _Яан
Ряэтс - не только интересный музыкант_, - говорит К. Рандалу. - ..._каждый
раз талант композитора преподносит нам что-то новое, требующее обдумывания,
даже разгадки. Таковы, например, "Маргиналии" - своего рода фантазии в духе
музыки различных стилей от барокко до бытовых жанров современности_. Было бы
неверно ограничивать представление о Ряэтсе как о композиторе исключительно
камерно-симфоническом. Не менее плодотворны, хотя и не многочисленны
_выходы_ в другие сферы. Им созданы такие вокально-инструментальные полотна,
как декламатория _Карл Маркс; Школьная кантата_, посвященная 110-летию со
дня рождения В. И. Ленина; _Маленькая оратория_ (все на ст. Э. Ветемаа).
Хорошо известна музыка Ряэтса для кино, где он постоянно сотрудничает с
режиссером В. Кяспера. Их имена соседствуют в титрах многих фильмов (в т. ч.
_Девушка в черном; Время жить, время любить; Опасные игры; Рябиновые
ворота_).
Широкому жанровому диапазону отвечает стилистически разнообразная
языковая палитра эстонского мастера. Художник, постоянно вслушивающийся в
мир окружающих его звуков, Ряэтс смело соединяет даже в рамках одного
сочинения _старое и новое, серьезное и легкое. Сейчас в музыке сложное
время_, - сказал Ряэтс в одной из бесед. - _При множестве течений перед
композитором открываются широкие возможности в выборе того или иного способа
самовыражения. Но есть и некая общая тенденции: композиторы ищут пути к
слушателю, хотят быть ближе, понятнее ему_... Творчество самого Ряэтса
насквозь пронизано таким стремлением. Не случайно его произведения
пользуются неизменным успехом как у нас в стране, так и за ее пределами - на
Кубе, в Чехословакии, Англии, США, Японии, Франции, Финляндии и др.
Наш современник, Яан Ряэтс - в неустанном движении, поиске новых форм
существования любимого искусства. Это забота не только Ряэтса-композитора,
но Ряэтса-педагога (с 1981 г. он доцент Таллиннской консерватории), Ряэтса -
музыкально-общественного деятеля.
Находясь в гуще жизни, Ряэтс черпает вдохновение в самой жизни. В этом
залог неувядающей новизны творчества замечательного композитора, встречи с
которым всегда ждут и исполнитель, и слушатель. /Т. Фрумкис/
САЛМАНОВ Вадим Николаевич (4 XI 1912, Петербург - 27 II 1978,
Ленинград)
В. Салманов - выдающийся советский композитор, автор многих
симфонических, хоровых, камерных инструментальных и вокальных произведений.
Его оратория-поэма _Двенадцать_ (по А. Блоку) и хоровой цикл _Лебедушка_,
симфонии и квартеты стали подлинными завоеваниями советской музыки.
Салманов рос в интеллигентной семье, где постоянно звучала музыка. Его
отец, инженер-металлург по профессии, был хорошим пианистом и в свободные
часы играл дома сочинения широкого круга композиторов: от И. С. Баха до Ф.
Листа и Ф. Шопена, от М. Глинки до С. Рахманинова. Заметив способности сына,
отец начал приобщать его с 6 лет к систематическим занятиям музыкой, и
мальчик не без сопротивления подчинился воле отца. Незадолго до поступления
молодого, подававшего большие надежды музыканта в консерваторию скончался
отец, и семнадцатилетний Вадим пошел работать на завод, а позднее занялся
гидрогеологией. Но однажды, побывав на концерте Э. Гилельса, взволнованный
услышанным, он принял решение посвятить себя музыке. Встреча с композитором
А. Гладковским укрепила в нем это решение: в 1936 г. Салманов поступил в
Ленинградскую консерваторию в класс сочинения М. Гнесина и инструментовки -
М. Штейнберга.
Салманов воспитывался в традициях славной петербургской школы (что
наложило отпечаток на его ранние сочинения), но вместе с тем жадно
интересовался современной ему музыкой. Из студенческих работ выделяются 3
романса на ст. А, Блока - любимого поэта Салманова, Сюита для струнного
оркестра и Маленькая симфония, в которых уже проявляются индивидуальные
черты стиля композитора.
С началом Великой Отечественной войны Салманов уходит на фронт. Его
творческая деятельность возобновляется по окончании войны. С 1951 г.
начинается и длится вплоть до последних лет жизни педагогическая работа в
Ленинградской консерватории. За полтора десятилетия сочинены 3 струнных
квартета и 2 трио, симфоническая картина _Лес_, вокально-симфоническая поэма
_Зоя_, 2 симфонии (1952, 1959), симфоническая сюита _Поэтические картинки_
(по новеллам Г. X. Андерсена), оратория-поэма _Двенадцать_ (1957), хоровой
цикл ..._Но бьется сердце_ (на ст. Н. Хикмета), несколько тетрадей романсов
и др. В творчестве этих лет уточняется концепция художника - высокоэтическая
и оптимистическая в своей основе. Ее суть в утверждении глубоких духовных
ценностей, помогающих человеку преодолевать мучительные искания и
переживания. Параллельно определяются и оттачиваются индивидуальные черты
стиля: происходит отказ от традиционной трактовки сонатного аллегро в
сонатно-симфоническом цикле и переосмысление самого цикла; усиливается роль
полифонического, линеарно самостоятельного движения голосов в развитии тем
(что приводит автора в будущем к органичному претворению серийной техники) и
т. д. Ярко звучит русская тема в бородинской, эпической по замыслу Первой
симфонии и др. сочинениях. Гражданственная позиция отчетливо проявляется в
оратории-поэме _Двенадцать_.
Начиная с 1961 г. Салманов сочиняет целый ряд произведений с
использованием серийной техники. Это квартеты с Третьего по Шестой
(1961-1971), Третья симфония (1963), Соната для струнного оркестра и
фортепиано и др. Однако эти сочинения не провели резкой грани в творческой
эволюции Салманова: он сумел использовать новые приемы композиторской
техники не как самоцель, а органично включив их в систему средств
собственного музыкального языка, подчинив их идейно-образному и
композиционному замыслу своих произведений. Такова, к примеру, Третья,
драматическая симфония - наиболее сложное симфоническое произведение
композитора.
С середины 60-х гг. начинается новая полоса, вершинный период в
творчестве композитора. Как никогда ранее он работает интенсивно и
плодотворно, сочиняя хоры, романсы, камерно-инструментальную музыку,
Четвертую симфонию (1976). Его индивидуальный стиль достигает наибольшей
цельности, обобщающей искания многих предшествующих лет. Вновь появляется
_русская тема_, но уже в ином качестве. Композитор обращается к народным
поэтическим текстам и, отталкиваясь от них, создает собственные мелодии,
проникнутые народной песенностью. Таковы хоровые концерты _Лебедушка_ (1967)
и _Добрый молодец_ (1972). Четвертая симфония стала итогом в развитии
симфонической музыки Салманова; вместе с тем это его новый творческий взлет.
В трехчастном цикле преобладают светлые лирико-философские образы.
В середине 70-х гг. Салманов пишет романсы на слова талантливого
вологодского поэта Н. Рубцова. Это одни из последних сочинений композитора,
передающие и стремление человека к общению с природой, и философские
раздумья о жизни.
Произведения Салманова являют нам большого, серьезного и искреннего
художника, который принимает близко к сердцу и выражает в своей музыке
различные жизненные коллизии, неизменно оставаясь верным высокой
морально-этической позиции. /Т. Ершова/
САЛЬЕРИ (Salieri) Антонио (18 VIII 1750, Леньяго, близ Вероны - 7 V
1825, Вена)
Сальери... большой композитор, гордость школы Глюка, усвоивший стиль
великого маэстро, от природы получил утонченное чувство, ясный разум,
драматический талант и исключительную плодовитость.
П. Бомарше
Итальянский композитор, педагог и дирижер А. Сальери был одним из
наиболее знаменитых деятелей европейской музыкальной культуры рубежа
XVIII-XIX вв. Как художник он разделил судьбу тех прославленных в свое время
мастеров, чье творчество с наступлением новой эпохи отодвинулось в тень
истории. Исследователя отмечают, что известность Сальери тогда превосходила
славу В. А. Моцарта, и в жанре оперы-seria он сумел достичь такого
качественного уровня, который ставит его лучшие произведения выше большей
части современных ему опер.
Игре на скрипке Сальери учился у своего брата Франческо, на клавесине у
соборного органиста Дж. Симони. С 1765 г. пел в хоре собора Св. Марка в
Венеции, изучал гармонию и овладевал вокальным искусством под руководством
Ф. Пачини.
С 1766 г. и до конца своих дней творческая деятельность Сальери была
связана с Веной. Начав службу с должности клавесиниста-концертмейстера
придворного оперного театра, Сальери за достаточно короткий срок сделал
головокружительную карьеру. В 1774 г. он, автор уже 10 опер, стал
императорским камерным композитором и дирижером итальянской оперной труппы в
Вене.
_Музыкальный фаворит_ Иосифа II Сальери на протяжении длительного
времени находился в центре музыкальной жизни австрийской столицы. Он не
только осуществлял постановки и дирижировал спектаклями, но и управлял
придворной певческой капеллой. В его обязанности входило наблюдение за
музыкальным обучением в казенных учебных заведениях Вены. Многие годы
Сальери руководил Обществом музыкантов и пенсионным фондом для вдов и сирот
венских музыкантов. С 1813 г. композитор возглавлял также хоровое училище
венского Общества друзей музыки и был первым директором Венской
консерватории, основанной этим обществом в 1817 г.
С именем Сальери связана большая глава в истории оперного театра
Австрии, немало сделал он для музыкально-театрального искусства Италии, внес
вклад и в музыкальную жизнь Парижа. Уже с первой оперой _Образованные
женщины_ (1770) к молодому композитору пришла слава. Одна за другой
последовали _Армида_ (1771), _Венецианская ярмарка_ (1772), _Похищенная
бадья_ (1772), _Трактирщица_ (1773) и др. Крупнейшие итальянские театры
заказывали оперы своему прославленному соотечественнику. Для Мюнхена Сальери
написал _Семирамиду_ (1782). _Школа ревнивых_ (1778) после венецианской
премьеры обошла оперные театры практически всех столиц Европы, в том числе
ставилась в Москве и в Петербурге. Оперы Сальери были восторженно приняты в
Париже. Успех премьеры _Тарара_ (либр. П. Бомарше) превзошел все ожидания.
Бомарше писал в посвящении текста оперы композитору: _Если наш труд будет
иметь успех, я буду обязан почти исключительно Вам. И хотя Ваша скромность
заставляет Вас всюду говорить, что Вы только мой композитор, я горжусь тем,
что я Ваш поэт, Ваш слуга и Ваш друг_. Единомышленниками Бомарше в оценке
творчества Сальери были К. В. Глюк. В. Богуславский, К. Кройцер, Г. Берлиоз,
Дж. Россини, Ф. Шуберт и др.
В период острой идеологической борьбы между передовыми деятелями
искусства эпохи Просвещения и апологетами рутинной итальянской оперы Сальери
уверенно встал на сторону новаторских завоеваний Глюка. Уже в зрелые годы
Сальери совершенствовался у него в композиции, и Глюк выделял итальянского
маэстро среди своих последователей. Наиболее ярко влияние великого
реформатора оперы на творчество Сальери проявилось в большой мифологической
опере _Данаиды_, упрочившей европейскую славу композитора.
Композитор с европейской известностью, Сальери пользовался большим
авторитетом и как педагог. Он обучил свыше 60 музыкантов. Из композиторов
его школу прошли Л. Бетховен, Ф. Шуберт, И. Гуммель, Ф. К. В. Моцарт (сын В.
А. Моцарта), И. Мошелес, Ф. Лист и другие мастера. Уроки пения у Сальери
брали певицы К. Кавальери, А. Мильдер-Хауптман, Ф. Франкетти, М. А. и Т.
Гасман.
Еще одна грань дарования Сальери связана с его дирижерской
деятельностью. Под руководством композитора было исполнено огромное число
оперных, хоровых и оркестровых сочинений старых мастеров и
композиторов-современников. Имя Сальери связано с легендой об отравлении
Моцарта. Однако исторически этот факт не находит подтверждения. Мнения же о
Сальери как о человеке разноречивы. Среди прочих современники и историки
отмечали большой дипломатический дар композитора, называя его _Талейраном в
музыке_. Однако помимо этого Сальери также были свойственны
благожелательность и всегдашняя готовность к благодеянию. В середине XX в.
интерес к оперному творчеству композитора начал возрождаться. На различных
оперных сценах Европы и США возобновлены некоторые из его опер. /И.
Ветлицына/
САРАСАТЕ, Сарасате-и-Наваскуэс (Sarasate-y-Navascues) Пабло де (Пабло
Мартин Мелитон) (10 III 1844, Памплона - 20 IX 1908, Биарриц)
Сарасате - феноменальное явление. Так, как звучит его скрипка, так она
никогда и ни у кого не звучала.
Л. Ауэр
Испанский скрипач и композитор П. Сарасате был блестящим представителем
вечно живого, виртуозного искусства. _Паганини конца века, король искусства
каденцирования, солнечно светлый художник_, - так называли Сарасате
современники. Перед его замечательным инструментализмом преклонялись даже
принципиальные противники виртуозности в искусстве - И. Иоахим и Л. Ауэр.
Сарасате родился в семье военного капельмейстера. Слава сопутствовала ему
поистине с первых шагов артистической карьеры. Уже в возрасте 8 лет он дал
своя первые концерты в Ла-Корунье, а затем в Мадриде. Испанская королева
Изабелла, восхищенная талантом маленького музыканта, наградила Сарасате
скрипкой А. Страдивари и предоставила ему стипендию для обучения в Парижской
консерватории.
Лишь одного года занятий в классе Д. Алара было достаточно, чтобы
тринадцатилетний скрипач окончил одну из лучших консерваторий мира с золотой
медалью. Однако чувствуя потребность в углублении музыкально-теоретических
знаний, он еще 2 года занимался в классе композиции. Завершив образование,
Сарасате совершает множество концертных поездок по странам Европы и Азии.
Дважды (1867-70, 1889-90) он предпринял большое концертное турне по странам
Северной и Южной Америки. Сарасате неоднократно посещал Россию. Тесные
творческие и дружеские узы связывали его с русскими музыкантами: П.
Чайковским, Л. Ауэром, К. Давыдовым, А. Вержбиловичем, А. Рубинштейном. О
совместном концерте с последним в 1881 г. русская музыкальная пресса писала:
_Сарасате столь же бесподобен в игре на скрипке, сколько Рубинштейн не имеет
себе соперников на поприще фортепианной игры_...
Секрет творческого и личностного обаяния Сарасате современники видели в
почти детской непосредственности его мировосприятия. По воспоминаниям
друзей, Сарасате, был простодушным человеком, страстно увлекался
коллекционированием тростей, табакерок, прочих антикварных вещиц.
Впоследствии всю собранную им коллекцию музыкант передал своему родному
городу Памплрне. Ясное, жизнерадостное искусство испанского виртуоза почти в
течение полувека пленяло слушателей. Его игра привлекала особым
певуче-серебристым звучанием скрипки, исключительным виртуозным
совершенством, феерической легкостью и, кроме того, романтической
приподнятостью, поэтичностью, благородством фразировки. Репертуар скрипача
был исключительно обширен. Но с наибольшим успехом он исполнял собственные
сочинения: _Испанские танцы, Баскское каприччио, Арагонскую охоту,
Андалусскую серенаду, Наварру, Хабанеру, Сапатеадо, Малагуэнью_, знаменитые
_Цыганские напевы_. В этих сочинениях особенно рельефно проявились
национальные черты композиторского и исполнительского стиля Сарасате:
ритмическое своеобразие, колористическое звукоизвлечение, тонкое претворение
традиций народного искусства. Все эти сочинения, как и две большие
концертные фантазии _Фауст_ и _Кармен_ (на темы одноименных опер Ш. Гуно и
Ж. Визе), до сих пор остаются в репертуаре скрипачей. Произведения Сарасате
оставили значительный след в истории испанской инструментальной музыки,
оказав заметное влияние на творчество И. Альбениса, М. де Фальи, Э.
Гранадоса.
Многие крупные композиторы того времени посвящали Сарасате свои
произведения. Именно в расчете на его исполнение были созданы такие шедевры
скрипичной музыки, как Интродукция и рондо-каприччиозо, _Хаванез_ и Третий
скрипичный концерт К. Сен-Санса, _Испанская симфония_ Э. Лало, Второй
скрипичный концерт и _Шотландская фантазия_ М. Бруха, концертная сюита И.
Раффа. Выдающемуся испанскому музыканту посвятили свои сочинения Г.
Венявский (Второй скрипичный концерт), А. Дворжак (_Мазурек_), К. Гольдмарк
и А. Макензи. _Величайшее значение Сарасате_, - отмечал в связи с этим Ауэр,
- _основывается на том широком признании, которое он снискал своим
исполнением выдающихся скрипичных произведений своей эпохи_. В этом -
громадная заслуга Сарасате, одна из самых прогрессивных сторон
исполнительской деятельности великого испанского виртуоза. /И. Ветлицына/
САРТИ (Sarti) Джузеппе (1 XII 1729, Фаэнца - 28 VII, 1802, Берлин)
Известный итальянский композитор, дирижер и педагог Дж. Сарти внес
заметный вклад в развитие русской музыкальной культуры.
Он родился в семье ювелира - скрипача-любителя. Начальное музыкальное
образование получил в церковно-певческой школе, а в дальнейшем брал уроки у
профессиональных музыкантов (у Ф. Валлотти в Падуе и у знаменитого падре
Мартини в Болонье). К 13 годам Сарти уже неплохо играл на клавишных
инструментах, это позволило ему занять должность органиста в родном городе.
С 1752 г. Сарти начал работать и в оперном театре. Его первая опера -
_Помпей в Армении_ - была встречена с большим энтузиазмом, а вторая,
написанная для Венеции, - _Король-пастух_ - принесла ему настоящий триумф и
славу. В том же 1753 г. Сарти был приглашен в Копенгаген капельмейстером
итальянской оперной труппы и начал сочинять наряду с итальянскими операми
зингшпили на датском языке. (Примечательно, что, прожив в Дании около 20
лет, композитор так и не научился датскому языку, используя при сочинении
подстрочный перевод.) За годы пребывания в Копенгагене Сарти создал 24
оперы. Считается, что своим творчеством Сарти во многом положил начало
датской опере.
Наряду с сочинением Сарти занимался педагогической деятельностью. Одно
время он давал уроки пения даже датскому королю. В 1772 г. итальянская
антреприза потерпела крах, у композитора оказался крупный долг и в 1775 г.
по приговору
суда он вынужден был покинуть Данию. В следующее десятилетие жизнь
Сарти была связана в основном с двумя городами Италии: с Венецией (1775-79),
где он являлся директором женской консерватории, и с Миланом (1779-84), где
Сартн был капельмейстером собора. Творчество композитора в этот период
достигает европейской славы - его оперы ставятся на сценах Вены, Парижа,
Лондона (среди них - _Деревенская ревность_ - 1776, _Ахилл на Скиросе_-1779,
_Двое ссорятся - третий радуется_ - 1782). В 1784 г. по приглашению
Екатерины II Сарти прибыл в Россию. По дороге в Петербург, в Вене, он
встретился с В. А. Моцартом, который внимательно познакомился с его
сочинениями. Впоследствии Моцарт использовал одну из оперных тем Сарти в
сцене бала _Дон-Жуана_. Со своей стороны, не оценив гения композитора или,
может быть, испытывая тайную зависть к таланту Моцарта, Сарти год спустя
опубликовал критическую статью о его квартетах.
Занимая в России должность придворного капельмейстера, Сарти создал 8
опер, балет и около 30 произведений вокально-хорового жанра. Композиторские
успехи Сарти в России сопровождались успехами и его придворной карьеры.
Первые годи после своего приезда (1786-90) он провел на юге страны, находясь
на службе у Г. Потемкина. У князя были замыслы об устройстве музыкальной
академии в городе Екатеринославе, и Сарти тогда получил титул директора
академии. В московском архиве сохранилось любопытное прошение Сарти о
высылке ему денег для устройства академии, а также о пожаловании обещанной
деревни, так как его _личное хозяйство находится в крайне шатком состоянии_.
Из этого же письма можно судить и о дальнейших планах композитора: _Если бы
у меня были военный чин и деньги, я бы стал просить правительство дать мне
земельные участки, я бы вызвал итальянских крестьян и понастроил бы на этой
земле дома_. Замыслам Потемкина не суждено было осуществиться, и в 1790 г.
Сарти вернулся в Петербург к обязанностям придворного капельмейстера. По
заказу Екатерины II вместе с К. Каноббио и В. Пашкевичем он принял участие в
создании и постановке грандиозного спектакля на текст императрицы с вольно
истолкованным сюжетом из русской истории - _Начальное управление Олега_
(1790). После смерти Екатерины Сарти написал к коронации Павла I
торжественный хор, сохранив таким образом и при новом дворе свое
привилегированное положение.
Последние годы жизни композитор занимался теоретическими исследованиями
по акустике и, среди прочего, установил частоту так наз. _петербургского
камертона_ (а1 = 436 гц). Петербургская Академия наук высоко оценила научные
труды Сарти и избрала его своим почетным членом (1796). Акустические
исследования Сарти сохраняли свое значение в течение почти 100 лет (лишь в
1885 г. в Вене был утвержден международный эталон а1 = 435 гц). В 1802 г.
Сарти решил вернуться на родину, но по дороге заболел и скончался в Берлине.
Творчество Сарти в России как бы завершает собой целую эпоху творчества