Бычков М.Н. Популярный справочник. Творческие портреты композиторов
Подождите немного. Документ загружается.
Советского Союза, он представил музыку _Гимна партии большевиков_ с текстом
С. Михалкова и Г. Эль-Регистана. В ночь под 1944 год все радиостанции страны
впервые передали в исполнении Краснознаменного ансамбля новый Гимн
Советского Союза.
Выполняя огромную работу по обслуживанию частей Советской Армии, как в
годы войны, так и в мирное время, Александров также проявлял заботу об
эстетическом воспитании советских людей. Он был убежден, что Краснознаменный
ансамбль красноармейской песни и пляски может и должен служить примером для
создания ансамблей при рабочих клубах. При этом Александров не только давал
советы по созданию хоровых и танцевальных коллективов, но и оказывал им
практическую помощь. До конца своих дней Александров работал с присущей ему
огромной творческой энергией - он умер в Берлине, во время гастролей
ансамбля. В одном из последних писем, как бы подводя итог своей жизни,
Александр Васильевич писал: ...Сколько пережито и какой пройден путь от того
времени, когда я был мальчиком в лаптях, до настоящего момента... Много было
хорошего и плохого. А жизнь была сплошной борьбой, полная труда, забот... Но
я не сетую ни на что. Я благодарю судьбу за то, что моя жизнь, мой труд
принесли какие-то плоды дорогой Отчизне и народу. В этом большое счастье...
/М. Комиссарская/
АЛЕКСАНДРОВ Анатолий Николаевич (25 V 1888, Москва - 16 V 1982, там же)
Душа моя тиха. В натянутых
струнах
Звучит один порыв, здоровый
и прекрасный,
И льется голос мой задумчиво
и страстно.
А. Блок
Выдающийся советский композитор, пианист, педагог, критик и публицист,
редактор целого ряда произведений русской музыкальной классики, АН.
Александров вписал яркую страницу в историю русской и советской музыки.
Выходец из музыкальной семьи - мать была талантливой пианисткой, ученицей К.
Клиндворта (фортепиано) и П. Чайковского (гармония),- он окончил в 1916 г. с
золотой медалью Московскую консерваторию по классам фортепиано (К. Игумнов)
и композиции (С. Василенко).
Творческая деятельность Александрова поражает своим временным размахом
(свыше 70 лет) и высокой продуктивностью (более 100 опусов). Он завоевал
признание еще в дореволюционные годы как автор светлых и жизнеутверждающих
_Александрийских песен_ (ст. М. Кузмина), оперы _Два мира_ (дипломной
работы, удостоенной золотой медали), ряда симфонических и фортепианных
произведений.
В 20-е гг. Александров в числе зачинателей советской музыки - плеяды
талантливых молодых советских композиторов, таких, как Ю. Шапорин, В.
Шебалин, А. Давиденко, Б. Шехтер, Л. Книппер, Д. Шостакович. Душевная
молодость сопутствовала Александрову на протяжении всей жизни.
Художественный облик Александрова многогранен, трудно назвать жанры, которые
не нашли бы воплощения в его творчестве: 5 опер - _Тень Филлиды_ (либр. М.
Кузмина, не законч.), _Два мира_ (по А. Майкову), Сорок первый (по Б.
Лавреневу, не законч.), _Бэла_ (по М. Лермонтову), _Дикая Бара_ (либр. Б.
Немцовой), _Левша_ (по Н. Лескову); 2 симфонии, 6 сюит; ряд
вокально-симфонических произведений (_Ариана и Синяя Борода_ по М.
Метерлинку, _Память сердца_ по К. Паустовскому и др.); Концерт для
фортепиано с оркестром; 14 фортепианных сонат; произведения вокальной лирики
(циклы романсов на стихи А. Пушкина, _Три кубка_ на ст. Н. Тихонова,
_Двенадцать стихотворений советских поэтов_ и др.); 4 струнных квартета;
серии программных фортепианных миниатюр; музыка для драматического театра и
кино; многочисленные сочинения для детей (Александров был одним из первых
композиторов, писавших музыку для спектаклей Московского детского театра,
основанного Н. Сац в 1921 г.).
Наиболее ярко дарование Александрова проявилось в вокальной и
камерно-инструментальной музыке. Его романсам присущ тонкий просветленный
лиризм, изящество и изысканность мелодики, гармонии и формы. Те же черты - в
фортепианных произведениях и в квартетах, входящих в концертный репертуар
многих исполнителей у нас в стране и за рубежом. Живая _общительность_ и
глубина содержания характерна для Второго квартета, замечательны по своей
тонкой образности циклы фортепианных миниатюр (_Четыре повествования,
Романтические эпизоды, Страницы из дневника_ и др.); глубоки и поэтичны
фортепианные сонаты, развивающие традиции пианизма С. Рахманинова, А.
Скрябина и Н. Метнера.
Александров известен и как замечательный педагог; будучи профессором
Московской консерватории (с 1923 г.), он воспитал не одно поколение
советских музыкантов (В. Бунин, Г. Егиазарян, Л. Мазель, Р. Леденев, К.
Молчанов, Ю. Слонов и др.).
Значительное место в творческом наследии Александрова занимает его
музыкально-критическая деятельность, охватывающая самые различные явления
русского и советского музыкального искусства. Это талантливо написанные
воспоминания и статьи о С. Танееве, Скрябине, Метнере, Рахманинове;
художнике и композиторе В. Поленове; о сочинениях Шостаковича, Василенко, Н.
Мясковского, Молчанова и др. Творчество АН. Александрова стало своеобразным
связующим звеном между русской классикой XIX в. и молодой советской
музыкальной культурой. Оставаясь верным традициям горячо любимого им
Чайковского, Александров был художником, находящимся в постоянном творческом
поиске. /О. Томпакова/
АЛИЗАДЕ Акшин Аликули оглы (р. 22 V 1937, Баку) А. Ализаде вошел в
музыкальную культуру Азербайджана в 60-е гг. насяду с другими композиторами
республики, сказавшими свое слово в искусстве в отношении к народной музыке.
Азербайджанская народная, ашугская и традиционная музыка (мугам), ставшая
источником вдохновения для многих композиторов, питает и творчество Ализаде,
в котором своеобразно преломляются и переосмысливаются ее ладоинтонационные
и метроритмические особенности в сочетании с современными приемами
композиции, лаконизмом и отточенностью деталей музыкальной формы.
Ализаде окончил Азербайджанскую государственную консерваторию по классу
композиции Д. Гаджиева (1962) и аспирантуру под руководством этого видного
азербайджанского композитора (1971). Значительное влияние на творческое
становление Ализаде, как и на творчество многих представителей национальной
композиторской школы, оказала музыка У. Гаджибекова, К. Караева, Ф. Амирова.
Ализаде воспринял также искусство корифеев музыки XX в. - И. Стравинского,
Б. Бартока, К. Орфа, С. Прокофьева, Г. Свиридова.
Яркая самобытность стиля, самостоятельность музыкального мы: шления
Ализаде проявилась уже в студенческие годы, в частности в Сонате для
фортепиано (1959), отмеченной дипломом первой степени на Всесоюзном смотре
творчества молодых композиторов. В этом произведении, органично
вписывающемся в традицию национальной фортепианной сонаты, Ализаде
претворяет новый взгляд на классическую композицию, используя национальный
по характеру тематизм, приемы народного инструментального музицирования.
Творческой удачей молодого композитора стала его дипломная работа.
Первая симфония (1962). В последовавшей за ней Камерной симфонии (Второй,
1966), отмеченной зрелостью и мастерством, воплотился характерный для
советской, и в том числе азербайджанской, музыки 60-х гг. элемент
неоклассицизма. Немаловажную роль сыграла в этом произведении
неоклассическая традиция музыки К. Караева. В терпком музыкальном языке,
сочетающемся с прозрачностью и графичностью оркестрового письма, своеобразно
претворено мугамное искусство (во 2 части симфонии используется материал
мугама Рост). Синтез неоклассического элемента с интонациями народной музыки
отличает стиль двух контрастных по характеру пьес для камерного оркестра
_Пасторали_ (1969) и _Ашугской_ (1971), образующих, несмотря на свою
самостоятельность, диптих. Нежно-лирическая Пастораль воссоздает стиль
народной песенности. Отчетливо ощущается связь с народным искусством и в
_Ашугской_, где композитор обращается к древнему пласту музыки ашугов -
странствующих певцов, музыкантов, которые сами сочиняли песни, стихи,
дастаны и щедро дарили их народу, бережно сохраняли исполнительские
традиции. Ализаде воплощает характер вокального и инструментального
интонирования, свойственный ашугской музыке, имитируя, в частности, звучание
тара, саза, ударного инструмента дэфа, пастушеской свирели тутека. В пьесе
для гобоя и струнного оркестра _Джанги_ (1978) композитор обращается к
другой сфере народной музыки, претворяя стихию героической пляски воинов.
Важную роль в творчестве Ализаде играет хоровая и
вокально-симфоническая музыка. Цикл хоров a cappella _Баяты_ написан на
тексты старинных народных четверостиший, сконцентрировавших в себе народную
мудрость, остроумие, лиризм (1969). В этом хоровом цикле Ализаде использует
баяты любовного содержания. Раскрывая тончайшие оттенки чувства, композитор
сочетает психологические картины с пейзажными и бытовыми зарисовками по
принципу эмоционального и темпового контраста, интонационно-тематических
связей. Национальный стиль вокального интонирования преломлен в этом цикле,
словно написанном прозрачными акварельными красками, сквозь призму
восприятия современного художника. Здесь Ализаде опосредованно претворяет
манеру интонирования, присущую не только ашугам, но также певцам-ханенде -
исполнителям мугамов.
Иной образно-эмоциональный мир предстает в кантате _Двадцать шесть_,
насыщенной ораторским пафосом, патетикой (1976). Сочинение носит характер
эпико-героического реквиема, посвященного памяти героев Бакинской коммуны.
Произведение открыло дорогу двум следующим кантатам: _Празднество_ (1977) и
_Песня о благословенном труде_ (1982), воспевающим радость жизни, красоту
родной земли. Свойственная Ализаде лирическая интерпретация народной музыки
проявилась в _Старинной колыбельной_ для хора a cappella (1984), в которой
воскрешается древняя национальная музыкальная традиция.
Композитор также активно и плодотворно работает в области оркестровой
музыки. Им написаны жанрово-живописные полотна _Сельская сюита_ (1973),
_Апшеронские картины_ (1982), _Ширванские картины_ (1984), _Азербайджанский
танец_ (1986). Эти произведения находятся в русле традиций национального
симфонизма. В 1982 г. появляется Третья, а в 1984 - Четвертая (Мугамная)
симфония Ализаде. В этих сочинениях своеобразно преломляется традиция
мугамного искусства, питавшая творчество многих азербайджанских
композиторов, начиная с У. Гаджибекова. Наряду с традицией мугамного
инструментализма в Третьей и Четвертой симфониях композитор использует
средства современного музыкального языка. Неторопливость эпического
повествования, присущая предыдущим оркестровым сочинениям Ализаде,
соединяется в Третьей и Четвертой симфониях с драматургическими принципами,
свойственными драматически-конфликтному симфонизму. После телевизионной
премьеры Третьей симфонии газета _Баку_ писала: _Это трагический,
исполненный внутренних противоречий монолог, насыщенный размышлениями о
добре и зле. Музыкальная драматургия и интонационное развитие одночастной
симфонии направляются мышлением, глубинные истоки которого восходят к
древним мугамам Азербайджана_.
Образным строем и стилистикой Третья симфония связана с
героико-трагическим балетом _Бабек_, (1979) по трагедии И. Сельвинского
_Орла на плече носящий_, повествующим о народном восстании IX в. под
предводительством легендарного Бабека. Этот балет был поставлен на сцене
Азербайджанского академического театра оперы и балета им. М. Ф. Ахундова
(1986).
В сфере творческих интересов Ализаде находится также музыка к
кинофильмам, драматическим спектаклям, камерно-инструментальные сочинения
(среди них выделяется соната Дастан-1986). Творческий поиск композитора
продолжается. /Н. Алексенко/
АЛЬБЕНИС (Albeniz) Исаак (Мануэль Франсиско) (29 V 1860, Кампродон,
Каталония - 16 VI 1909, Камбо ле Бен)
Возвышенную и необычайную музыкальную интуицию Альбениса можно было
сравнить с чашей, до краев наполненной чистым вином, согретым
средиземноморским солнцем.
Ф. Педрель
Имя И. Альбениса неразрывно с новым направлением испанской музыки
Ренасимьенто, возникшего на рубеже XIX-XX вв. Вдохновителем этого движения
был Ф. Педрель, ратовавший за возрождение испанской национальной культуры.
Первые классические образцы новой испанской музыки создали Альбенис и Э.
Гранадос, а творчество М. де Фальи стало вершиной этого направления.
Ренасимьенто охватило всю художественную жизнь страны. В нем участвовали
писатели, поэты, художники: Р. Валье-Инклан, X. Хименес, А. Мачадо, Р.
Пидаль, М. Унамуно. Альбенис родился в 10 километрах от границы с Францией.
Исключительные музыкальные способности позволили ему уже в четырехлетнем
возрасте выступать вместе со старшей сестрой Клементиной в публичном
концерте в Барселоне. Именно от сестры мальчик получил первые сведения о
музыке. В 6 лет Альбенис едет в сопровождении матери в Париж, где берет
уроки фортепиано у профессора А. Мармонтеля. В 1868 г. в Мадриде было
опубликовано первое сочинение юного музыканта - _Военный марш_ для
фортепиано.
В 1869 г. семья переезжает в Мадрид, и мальчик поступает в
консерваторию в класс М. Мендисабаля. В 10 лет в поисках приключений
Альбенис убегает из дома. В Кадисе его арестовывают и отправляют к
родителям, но Альбенису удается попасть на пароход, идущий в Южную Америку.
В Буэнос-Айресе он ведет полную лишений жизнь, пока один из его земляков не
организует ему несколько концертов в Аргентине, Уругвае и Бразилии.
После путешествий на Кубу и в США, где Альбенис, чтобы не умереть с
голоду, работает в порту, юноша приезжает в Лейпциг, где занимается в
консерватории в классе С. Ядассона (композиция) и в классе К. Рейнеке
(фортепиано). В дальнейшем он совершенствуется в Брюссельской консерватории
- одной из лучших в Европе, по классу фортепиано у Л. Брассена, а по
композиции - у Ф. Геварта.
Огромное влияние на Альбениса оказала его встреча с Ф. Листом в
Будапеште, куда приехал испанский музыкант. Лист согласился руководить
Альбенисом, и одно это являлось высокой оценкой его дарования. В 80 - начале
90-х гг. Альбенис ведет активную и успешную концертную деятельность,
гастролирует во многих странах Европы (Германия, Англия, Франция) и Америки
(Мексика, Куба). Его блестящий пианизм привлекает современников красочностью
и виртуозным размахом. Испанская пресса в один голос называла его _испанским
Рубинштейном. Исполняя собственные сочинения, Альбенис напоминал
Рубинштейна_, - писал Педрель.
Начиная с 1894 г. композитор живет в Париже, где совершенствуется в
области композиции у таких известных французских композиторов, как П. Дюка и
В. д'Энди. У него складываются тесные контакты с К. Дебюсси, творческая
личность которого сильно повлияла на Альбениса, на его музыку последних лет.
В последние годы жизни Альбенис возглавил движение Ренасимьенто, реализуя в
своем творчестве эстетические принципы Педреля. Лучшие сочинения композитора
- образцы подлинно национального и в то же время самобытного стиля. Альбенис
обращается к популярным песенно-танцевальным жанрам (малагенья, севильяна),
воссоздавая в музыке характерные особенности различных областей Испании. Его
музыка вся пропитана народными вокально-речевыми интонациями.
Из большого композиторского наследия Альбениса (комическая и лирическая
оперы, сарсуэла, произведения для оркестра, голоса) наибольшую ценность
представляет фортепианная музыка. Обращение к испанскому музыкальному
фольклору, этим _золотым россыпям народного искусства_, по выражению
композитоpa, оказало решающее влияние на его творческое развитие. В
сочинениях для фортепиано Альбенис широко использует элементы народной
музыки, сочетая их с современными приемами композиторского письма. В
фортепианной фактуре часто слышно звучание народных инструментов -
тамбурина, волынки, особенно гитары. Используя ритмы песенно-танцевальных
жанров Кастилии, Арагона, Басконии и особенно часто Андалусии, Альбенис
редко ограничивается прямым цитированием народных тем. Лучшие его сочинения:
_Испанская сюита_, сюита _Испания_ ор. 165, цикл _Испанские напевы_ ор. 232,
цикл из 12 пьес Иберия (1905-07) - образцы профессиональной музыки нового
направления, где национальная основа органично соединяется с достижениями
современного музыкального искусства. /В. Ильева/
АЛЬБИНОНИ (Albinoni) Томазо (8 VI 1671, Венеция - 17 I 1750, там же)
О жизни Т. Альбинони - итальянского скрипача и композитора - известны
лишь отдельные факты. Родился он в Венеции в обеспеченной бюргерской семье
и, видимо, мог спокойно заниматься музыкой, не особенно тревожась о своем
материальном положении. С 1711 г. он перестает подписывать свои сочинения
_венецианский дилетант_ (delettanta venete) и называет себя musico de
violino, тем самым подчеркивая свой переход в статус профессионала. Где и у
кого учился Альбинони - неизвестно. Предполагают, что у Дж. Легренци. После
женитьбы композитор переезжает в Верону. Видимо, некоторое время он жил во
Флоренции - по крайней мере, там, в 1703г. исполняется одна из его опер
(_Гризельда_, на либр. А. Дзено). Альбинони бывал в Германии и, очевидно,
показал себя там как незаурядный мастер, так как именно ему была
предоставлена честь написать и исполнить в Мюнхене (1722) оперу к свадьбе
курпринца Карла Альберта. Больше об Альбинони ничего не известно, кроме
того, что умер он в Венеции.
Немногочисленны и дошедшие до нас сочинения композитора - в основном
инструментальные концерты и сонаты. Однако, будучи современником А.
Вивальди, И. С. Баха и Г. Ф. Генделя, Альбинони не остался в рядах
композиторов, имена которых известны только историкам музыки. В эпоху
расцвета итальянского инструментального искусства барокко, на фоне
творчества выдающихся мастеров концерта XVII - первой половины XVIII в. - Т.
Мартини, Ф. Верачини, Дж. Тартини, А. Корелли, Дж. Торелли, А. Вивальди и
др. - Альбинони сказал свое значительное художественное слово, которое с
течением времени заметили и оценили потомки. Концерты Альбинони широко
исполняются, записываются на пластинки. Но есть свидетельства признания его
творчества и при жизни. В 1718 г. в Амстердаме издается сборник, включающий
12 концертов наиболее известных в то время итальянских композиторов. Среди
них - концерт соль мажор Альбинони, лучший в этом собрании. Великий Бах,
тщательно изучавший музыку своих современников, выделил сонаты Альбинони,
пластичную красоту их мелодий и на две из них он написал свои клавирные
фуги. Сохранилась также корректура, сделанная рукой Баха и к 6 сонатам
Альбинони (ор. 6). Следовательно, Бах учился на сочинениях Альбинони.
Нам известны 9 опусов Альбинони - среди них циклы трио-сонат (ор. I, 3,
4, 6, 8) и циклы _симфоний_ и концертов (ор. 2, 5, 7, 9). Разрабатывая тот
тип concerto grosso, каким он сложился у Корелли и Торелли, Альбинони
достигает в нем исключительного художественного совершенства - в пластике
переходов от tutti к solo (которых обычно у него 3), в тончайшем лиризме,
благородной чистоте стиля. Концерты ор. 7 и ор. 9, в некоторые из которых
введен гобой (ор. 7 Э 2, 3, 5, 6, 8, 11), отличаются особой мелодической
красотой сольной партии. Их часто называют концертами для гобоя.
В сравнении с концертами Вивальди, их размахом, блестящими виртуозными
партиями solo, контрастами, динамикой и страстностью, концерты Альбинони
выделяются сдержанной строгостью, изысканной проработанностью оркестровой
ткани, мелодизмом, мастерством контрапунктической техники (отсюда и внимание
к ним Баха) и, главное, - той почти зримой конкретностью художественных
образов, за которой угадывается влияние оперы. Альбинони написал около 50
опер (больше, чем оперный композитор Гендель), над которыми работал на
протяжении всей жизни. Судя по названиям (_Ценобия_ - 1694, _Тигран_ - 1697,
_Радамисто_ - 1698, _Родриго_ - 1702, _Гризельда_ - 1703, _Покинутая Дидона_
- 1725 и др.), а также по именам либреттистов (Ф. Сильвани, Н. Минато, А.
Аурели, А. Дзено, П. Метастазио) развитие оперы в творчестве Альбинони шло
по направлению от барочной оперы к классицистской опере-seria и,
соответственно, к той отшлифованности оперных характеров, аффектов,
драматургической кристалличности, ясности, которые составляли суть концепции
оперы-seria. В музыке инструментальных концертов Альбинони ясно ощущается
присутствие оперных образов. Приподнятые в своем упругом ритмическом тонусе
мажорные allegri первых частей соответствуют героике, открывающей оперное
действие. Интересно, что заглавный оркестровый мотив вступительного tutti,
характерный для Альбинони, стал потом повторяться у многих итальянских
композиторов. Мажорные финалы концертов по характеру и типу материала
перекликаются со счастливой развязкой оперного действия (ор. 7 Э 3).
Минорные части концертов, великолепные по мелодической красоте, созвучны
оперным ариям lаmento и стоят в одном ряду с шедеврами ламентозной лирики
опер А. Скарлатти и Генделя. Как известно, связь инструментального концерта
с оперой в истории музыки второй половины XVII - начала XVIII в. была
особенно тесной и многозначительной. Главный принцип концерта - чередование
tutti и solo - был подсказан построением оперных арий (вокальная часть -
инструментальный ритурнель). И в дальнейшем взаимообогащение оперы и
инструментального концерта плодотворно сказывалось на развитии обоих жанров,
усиливаясь по мере формирования сонатно-симфонического цикла.
Драматургия концертов Альбинони отточенно совершенна: 3 части (Allegro
- Andante - Allegro) с лирической вершиной в центре. В четырехчастных циклах
его сонат (Grave - Allegro - Andante - Allegro) лирическим центром выступает
3 часть. Тонкая, пластичная, в каждом своем голосе мелодичная ткань
инструментальных концертов Альбинони привлекательна для современного
слушателя той совершенной, строгой, лишенной всяких преувеличений красотой,
которая является всегда приметой высокого искусства. /Ю. Евдокимова/
АЛЯБЬЕВ Александр Александрович (15 VIII 1787, Тобольск - 6 III 1851,
Москва)
...Все родное к сердцу ближе.
Сердце чувствует живей,
Ну пропой же, ну начни же:
Соловей мой, соловей!..
В. Домонтович
Любопытное было это дарование по душевной чуткости и соответствию
запросам множества людских сердец, бившихся в тон алябьевским мелодиям... В
нем уживались пестрота наблюдений ума, едва ли не "фельетониста от музыки",
с вниканием в запросы сердца своих современников...
Б. Асафьев
Бывают композиторы, обретающие славу и бессмертие благодаря
единственному произведению. Таков А. Алябьев - автор знаменитого романса
_Соловей_ на стихи А. Дельвига. Этот романс поют во всем мире, ему посвящают
стихи и рассказы, он существует в концертных обработках М. Глинки, А.
Дюбюка, Ф. Листа, А. Вьетана, а количество безымянных его переложений
безгранично. Однако помимо _Соловья_ Алябьев оставил большое наследие: 6
опер, балет, водевили, музыку к спектаклям, Симфонию, увертюры, сочинения
для духового оркестра, многочисленные хоровые, камерные инструментальные
произведения, более 180 романсов, обработки народных песен. Многие из этих
сочинений исполнялись при жизни композитора, пользовались успехом, хотя
издано было немногое - романсы, несколько фортепианных пьес, мелодрама
_Кавказский пленник_ по А. Пушкину.
Судьба Алябьева драматична. Долгие годы он был оторван от музыкальной
жизни столичных городов, жил и умер под гнетом тяжкого, несправедливого
обвинения в убийстве, которое сломало его жизнь на пороге сорокалетия,
разделив биографию на два контрастных периода. Первый складывался удачно.
Детские годы прошли в Тобольске, губернатором которого был отец Алябьева,
человек просвещенный, либеральный, большой любитель музыки. В 1796 г. семья
переехала в Петербург, где Александр в 14 лет был зачислен на службу по
горному ведомству. Одновременно начались серьезные занятия музыкой у И.
Миллера - _знаменитого контрапунктиста_ (М. Глинка), у которого обучались
композиции многие русские и иностранные музыканты. С 1804 г. Алябьев живет в
Москве, и здесь в 1810-х гг. были изданы его первые сочинения - романсы,
фортепианные пьесы, написан Первый струнный квартет (впервые издан в 1952
г.). Эти сочинения являются едва ли не самыми ранними образцами русской
камерной инструментальной и вокальной музыки. В романтической душе молодого
композитора особый отклик находила тогда сентиментальная поэзия В.
Жуковского, позже уступившая место стихам Пушкина, Дельвига,
поэтов-декабристов, а в конце жизни - Н. Огарева.
Отечественная война 1812 г. отодвинула музыкальные интересы на второй
план. Алябьев пошел добровольцем в армию, сражался вместе с легендарным
Денисом Давыдовым, был ранен, награжден двумя орденами и медалью. Перед ним
открывалась перспектива блестящей военной карьеры, но, не испытывая рвения к
ней, Алябьев в 1823 г. вышел в отставку. Живя попеременно в Москве и
Петербурге, он сблизился с артистическим миром обеих столиц. В доме
драматурга А. Шаховского он встречался с Н. Всеволожским - организатором
литературного общества Зеленая лампа; с И. Гнедичем, И. Крыловым, А.
Бестужевым. В Москве на вечерах у А. Грибоедова музицировал с А.
Верстовским, братьями Виельгорскими, В. Одоевским. Алябьев участвовал в
концертах как пианист и певец (прелестный тенор), много сочинял и все больше
завоевывал авторитет у музыкантов и любителей музыки. В 20-е гг. на сценах
московских и петербургских театров появляются водевили М. Загоскина, П.
Арапова, А. Писарева с музыкой Алябьева, а в 1823 г. в Петербурге и Москве с
большим успехом состоялась постановка его первой оперы _Лунная ночь, или
Домовые_ (либр. П. Муханова и П. Арапова). ...Оперы Алябьева ничем не хуже
французских комических опер, - писал Одоевский в одной из своих статей. 24
февраля 1825 г. случилась беда: во время карточной игры в доме Алябьева
произошла крупная ссора, один из ее участников вскоре скоропостижно
скончался. Странным образом в этой смерти обвинили Алябьева и после
трехлетнего судебного разбирательства сослали в Сибирь. Начались многолетние
скитания: Тобольск, Кавказ, Оренбург, Коломна...
...Твоя воля отнята,
Крепко клетка заперта,
Ах, прости, наш соловей,
Голосистый соловей...
- писал Дельвиг.
..._Не так живи, как хочется, а как бог велит; никто столько не
испытал, как, я, грешный_... Только сестра Екатерина, добровольно
последовавшая за братом в ссылку, да любимая музыка спасали от отчаяния. В
ссылке Алябьев организовал хор, выступал в концертах. Переезжая с одного
места на другое, он записывал песни народов России - кавказские, башкирские,
киргизские, туркменские, татарские, использовал их напевы и интонации в
своих романсах. Совместно с украинским историком и фольклористам М.
Максимовичем Алябьев составил сборник _Голоса украинских песен_ (1834) и
постоянно сочинял. Он писал музыку даже в тюрьме: находясь под следствием,
создал один из лучших своих квартетов - Третий, с вариациями на тему
_Соловья_ в медленной части, а также балет _Волшебный барабан_, долгие годы
не сходивший со сцен русских театров.
С годами в творчестве Алябьева все явственнее проступали
автобиографические черты. Мотивы страдания и сострадания, одиночество, тоска
по родине, стремление к свободе - вот характерный круг образов периода
изгнанничества (романсы _Иртыш_ на ст. И. Веттера - 1828, _Вечерний звон_,
на ст. И. Козлова (из Т. Мура) - 1828, _Зимняя дорога_ на ст. Пушкина -
1831). Сильное душевное смятение вызвала нечаянная встреча с бывшей
возлюбленной Е. Офросимовой (в девичестве Римской-Корсаковой). Ее образ
вдохновил композитора на создание одного из лучших лирических романсов _Я
вас любил_ на ст. Пушкина. В 1840 г., овдовев, Офросимова стала женой
Алябьева. В 40-х гг. Алябьев сблизился с Н. Огаревым. В романсах, созданных
на его стихи - _Кабак, Изба, Деревенский сторож_, - впервые зазвучала тема
социального неравенства, предвосхищая искания А. Даргомыжского и М.
Мусоргского. Бунтарские настроения характерны и для сюжетов трех последних
опер Алябьева: _Буря_ по В. Шекспиру, _Аммалат-бек_ по повести А.
Бестужева-Марлинского, _Эдвин и Оскар_ по древним кельтским сказаниям. Так
что хотя, по словам И. Аксакова, _лета, болезни и несчастья остепенили его_,
мятежный дух эпохи декабристов до конца дней не угасал в произведениях
композитора. /О. Аверьянова/
АМИРОВ Фикрет (Мешади Джамиль оглы) (22 XI 1922. Гянджа, ныне Кировабад
- 20 II 1984, Баку)
Я видел родник. Чистый и свежий, звонко журча, бежал он по родным
полям.
Свежестью и чистотой дышат амировские песни.
Я видел чинар. Врастая корнями глубоко в землю, он кроной своей
вознесся высоко в небо. Сродни этому чинару искусство Фикрета Амирова,
возвысившееся именно благодаря тому, что укоренилось в родной почве.
Наби Хазри
Музыка Ф. Амирова обладает огромной притягательной силой и обаянием.
Обширно и многогранно творческое наследие композитора, органично связанное с
азербайджанской народной музыкой, с национальной культурой. Одной из самых
привлекательных черт музыкального языка Амирова является мелодизм: _Богатым
мелодическим даром обладает Фикрет Амиров_, - писал Д. Шостакович. -
_Мелодия - душа его творчества_.
Стихия народной музыки окружала Амирова с детства. Он родился в семье
известного таркста и пезцаханенде (исполнителя мугамов) Мешади Джамиля
Амирова. _Шуша, откуда родом был мой отец, по праву считается консерваторией
Закавказья_, - вспоминал Амиров. - ..._Именно отец раскрыл мне мир звуков и
тайну мугамов. Еще будучи ребенком, я стремился подражать его игре на таре.
Иногда это мне хорошо удавалось и доставляло большую радость_. Огромную роль
в формировании композиторской личности Амирова сыграли корифеи
азербайджанской музыки - композитор У. Гаджибеков и певец Бюль-Бюль. В 1949
г. Амиров окончил консерваторию, где занимался в классе композиции Б.
Зейдмана. В годы учебы в консерватории молодой композитор работал в кабинете
народной музыки (НИКМУЗ), теоретически постигая фольклор и искусство мугама.
В это время формируется горячая приверженность молодого музыканта творческим
принципам У. Гаджибекова - основоположника азербайджанской профессиональной
музыки и, в частности, национальной оперы. _Меня называют одним из
продолжателей дела Узеира Гаджибекова, и я горжусь этим_, - писал Амиров.
Подтверждением этих слов стала поэма _Посвящение Узеиру Гаджибекову_ (для
унисона скрипок и виолончелей с фортепиано, 1949). Под воздействием оперетт
Гаджибекова (среди которых особой популярностью пользуется _Аршин мал алан_)
у Амирова_ возникла идея написать собственную музыкальную комедию
_Похитители сердец (пост. 1943). Работа протекала под руководством У.
Гаджибекова. Он способствовал и постановке этого произведения в открывшемся
в те тяжелые военные годы Государственном театре музыкальной комедии. Вскоре
Амиров пишет вторую музыкальную комедию - _Радостная весть_ (пост. 1946). В
этот период появляются также опера _Улдиз_ (_Звезда_, 1948), симфоническая
поэма _Памяти героев Великой Отечественной войны_ (1943), двойной Концерт
для скрипки и фортепиано с оркестром (1946). В 1947 г. композитор пишет
симфонию Низами - первую в азербайджанской музыке симфонию для струнного
оркестра. И наконец, в 1948 г. Амиров создает свои знаменитые симфонические
мугамы _Шур_ и _Кюрд-овшары_, представляющие новый жанр, суть которого
заключается в синтезе традиций азербайджанских народных певцов-ханенде с
принципами европейской симфонической музыки.
_Создание симфонических мугамов "Шур" и "Кюрд-овшары" - инициатива
Бюль-Бюля_, - отмечал Амиров, Бюль-Бюль являлся _самым близким наперсником,
советчиком и помощником произведений, написанных мною доныне_. Оба сочинения
составляют диптих, будучи самостоятельными и в то же время соединенными друг
с другом ладово-интонационным родством, наличием мелодических связей и
единым лейтмотивом. Главная роль в диптихе принадлежит мугаму Шур. Оба
произведения стали выдающимся событием в музыкальной жизни Азербайджана. Они
получили поистине международное признание и положили начало появлению
симфонических макомов в Таджикистане и Узбекистане.
Амиров проявил себя новатором и в написанной по мотивам одноименной
драмы Дж. Джабарлы опере _Севиль_ (пост. 1953) - первой национальной
лирико-психологической опере. _Драма Дж. Джабарлы знакома мне со школьной
скамьи_, - писал Амиров. - _В начале 30-х годов в городском драмтеатре г.
Гяндж мне пришлось сыграть роль сына Севиль - маленького Гюндюза. ...Я
постарался сохранить в своей опере основную идею драмы - идею борьбы женщины
Востока за свои человеческие права, пафос борьбы новой пролетарской культуры
с буржуазным мещанством. В процессе работы над сочинением меня не оставляла
мысль о сходстве между характерами героев драмы Дж. Джабарлы и опер
Чайковского. Севиль и Татьяна, Балаш и Герман были близки своим внутренним
складом_. Горячо приветствовал появление оперы народный поэт Азербайджана
Самед Вургун: ..._"Севиль" богата чарующими мелодиями, почерпнутыми из
неиссякаемой сокровищницы мугамного искусства и искусно преломленными в
опере_.
Важное место в творчестве Амирова 50-60-х гг. занимают произведения для
симфонического оркестра: ярко красочная сюита _Азербайджан_ (1950),
_Азербайджанское каприччио_ (1961), _Симфонические танцы_ (1963),
пронизанные национальным мелосом. Линию симфонических мугамов _Шур_ и
_Кюрд-овшары_ спустя 20 лет продолжает третий симфонический мугам Амирова -
_Гюлистан Баяты-шираз_ (1968), навеянный поэзией двух великих поэтов Востока
- Хафиза и Сзади. В 1964 г. композитор делает вторую редакцию симфонии для
струнного оркестра _Низами_. (Поэзия великого азербайджанского поэта и
мыслителя вдохновила его позднее на создание балета _Низами_.) По случаю
600-летия другого выдающегося азербайджанского поэта - Насими - Амиров пишет
хореографическую поэму для симфонического оркестра, женского хора, тенора,
чтецов и балетной труппы _Сказание о Насими_, а позже делает оркестровую
редакцию этого балета.
Новой вершиной в творчестве Амирова стал балет _Тысяча и одна ночь_
(пост. 1979) - красочная хореографическая феерия, словно излучающая
волшебство арабских сказок. _По приглашению Министерства культуры Ирака я с
Н. Назаровой_ (балетмейстер-постановщик балета. - Н. А.) _посетил эту
страну. Я стремился глубоко проникнуть в музыкальную культуру арабского
народа, его пластику, красоту музыкальных обрядов, изучал исторические и
архитектурные памятники. Передо мною стояла задача синтезировать
национальное и общечеловеческое_... - писал Амиров. Ярко колористична
партитура балета, основанная на игре тембров, имитирующих звучание народных
инструментов. Важную роль в ней играют ударные, они несут важную смысловую