Бычков М.Н. Популярный справочник. Творческие портреты композиторов
Подождите немного. Документ загружается.
концертной деятельности ради композиторского творчества, женитьба на
Фелисите Демуссо, дочери актеров театра французской комедии. Интересно, что
последнее событие совпадает с революционными событиями 22 февраля -
свадебный кортеж вынужден перелезть через баррикады, в чем им помогли
повстанцы. Не до конца понимавший события Франк считал себя республиканцем и
откликнулся на революцию сочинением песни и хора.
Необходимость обеспечивать семью заставляет композитора постоянно
заниматься частными уроками (из объявления в газете: _Г-н Сезар Франк...
возобновляет частные уроки...: фортепиано, теоретическая и практическая
гармония, контрапункт и фуга_...). Он не смог позволить себе отказаться от
этой ежедневной мдогочасовой изнуряющей работы до конца дней и даже получил
травму от толчка омнибуса на пути к одному из своих учеников, приведшую его
впоследствии к смерти.
Поздно пришло к Франку признание его композиторского творчества -
основного дела его жизни. Первый успех ему довелось испытать лишь в 68 лет,
мировое же признание его музыка заслужила лишь после смерти творца.
Однако любые жизненные невзгоды не поколебали здоровой силы духа,
наивного оптимизма, доброжелательности композитора, вызывавших симпатии
современников и потомков. Он находил, что ходьба на уроки полезна для
здоровья и умел получать удовольствие даже от посредственного исполнения
своих произведений, нередко принимая равнодушие публики за радушный прием.
Видимо, в этом сказалось и национальное своеобразие его фламандского
темперамента.
Ответствен, точен, спокойно суров, благороден был Франк в своей работе.
Подвижнически однообразен был образ жизни композитора - подъем в 4 ч. 30
мин., 2 часа работы для себя, как он называл сочинение, в 7 утра он уже
отправлялся на уроки, возвращаясь домой лишь к ужину, и, если к нему не
приходили в этот день его ученики по классу органа и композиции, у него
оставалась еще пара часов на доработку своих произведений. Это без
преувеличения можно назвать подвигом самоотверженной работы не ради денег
или успеха, но ради верности себе, делу своей жизни, своему призванию,
высшему мастерству.
Франком создано 3 оперы, 4 оратории, 5 симфонических поэм (в т. ч.
Поэма для фортепиано с оркестром), часто исполняемые Симфонические вариации
для фортепиано с оркестром, великолепная Симфония, камерно-инструментальные
произведения (в частности, нашедшие продолжателей и подражателей во Франции
Квартет и Квинтет), любимая исполнителями и слушателями Соната для скрипки и
фортепиано, романсы, фортепианные произведения (особое признание публики
заслужили крупные одночастные композиции - Прелюдия, хорал и фуга и
Прелюдия, ария и финал), около 130 пьес для органа.
Музыка Франка всегда значительна и благородна, одушевлена высокой
идеей, совершенна по конструкции и при этом полна звукового очарования,
красочности и выразительности, земной красоты и возвышенной
одухотворенности. Франк явился одним из создателей французской симфонической
музыки, открыв вместе с Сен-Сансом эпоху крупных по масштабу, серьезных и
значительных по мысли симфонических и камерных произведений. В его Симфонии
сочетание романтически мятущегося духа с классической стройностью и
соразмерностью формы, органной густотой звучания создает неповторимый облик
сочинения самобытного и оригинального.
Удивительным было у Франка чувство _материала_. Он владел ремеслом в
высшем смысле этого слова. Несмотря на работу урывками, в его произведениях
нет разрывов и клочковатости, музыкальная мысль течет непрерывно и
естественно. Он обладал редкой способностью продолжать сочинение с любого
места, на котором он вынужден был прерваться, ему не нужно было _входить в
этот процесс, видимо, он постоянно носил в себе свое вдохновение. При этом
он мог работать одновременно над несколькими произведениями, причем никогда
не повторял дважды однажды найденной формы, приходя в каждом сочинении к
принципиально новому решению.
Великолепное владение высшим композиторским мастерством проявилось в
органных импровизациях Франка, в этом почти забытом со времен великого И. С.
Баха жанре. Франка - известного органиста - приглашали на торжественные
церемонии открытия новых органов, такой чести удостаивались только
крупнейшие органисты. До конца дней не реже двух-трех раз в неделю Франк
играл в церкви Св. Клотильды, поражая своим искусством не только прихожан.
Современники вспоминают: ..._он приходил, чтобы возжечь пламя своих
гениальных импровизаций, зачастую более ценных, чем многие старательно
обработанные образцы, мы... забывали обо всем на свете, созерцая
напряженно-внимательный профиль и в особенности мощный лоб, вокруг которого
как бы вились вдохновенные мелодии и изысканные гармонии, отраженные
пилястрами собора: наполняя его, они затем терялись наверху в его сводах_.
Импровизации Франка слышал Лист. Ученик Франка В. д'Энди пишет: _Лист вышел
из церкви... искренне взволнованный и восхищенный, произнося имя И. С. Баха,
сопоставление с которым само собою возникало в его сознании... "Этим поэмам
предназначено место рядом с шедеврами Себастьяна Баха!", - воскликнул он_.
Велико влияние органного звучания на стиль фортепианных и оркестровых
произведений композитора. Так, одно из самых популярных его произведений -
Прелюдия, хорал и фуга для фортепиано - вдохновлено органными звучаниями и
жанрами - взволнованное токкатное прелюдирование с охватом всего диапазона,
спокойная поступь хорала с ощущением непрерывно тянущегося органного звука,
масштабная фуга с баховскими интонациями вздоха-жалобы, да и сам пафос
музыки, широта и возвышенность темы как бы привнесли в фортепианное
искусство речь истового проповедника, убеждающего человечество в высоте,
скорбной жертвенности и этической ценности его предназначения.
Истинной любовью к музыке и к своим ученикам была пронизана
педагогическая деятельность Франка в Парижской консерватории, где его класс
органа стал центром изучения композиции. Поиски новых гармонических красок и
форм, интерес к современной музыке, удивительное знание огромного количества
произведений различных композиторов привлекало к Франку молодых музыкантов.
Среди его учеников были такие интересные композиторы, как Э. Шоссон или В.
д'Энди, открывший в память учителя Schola cantorum, призванную развивать
традиции великого мастера.
Всеобщим было посмертное признание композитора. Один из прозорливых его
современников писал: _Г-н Сезар Франк... будет считаться в XX веке одним из
самых великих музыкантов XIX-го_. Произведения Франка украшали репертуар
таких крупнейших исполнителей, как М. Лонг, А. Корто, Р. Казадезюс. Э. Изаи
исполнял Скрипичную сонату Франка в мастерской скульптора О. Родена, лицо
его в момент исполнения этого удивительного произведения было особенно
вдохновенно, и известный бельгийский скульптор К. Менье воспользовался этим
при создании портрета знаменитого скрипача. Традиции музыкального мышления
композитора преломились в творчестве А. Онеггера, частично отразились в
произведениях русских композиторов Н. Метнера и Г. Катуара. Вдохновенная и
строгая музыка Франка убеждает в ценности этических идеалов композитора,
которые позволили ему стать примером высокого служения искусству,
беззаветной преданности своему делу и человеческому долгу. /В. Базарнова/
ФРЕСКОБАЛЬДИ (Frescobaldi) Джироламо (12 IX 1583(?), Феррара - 1 III
1643, Рим)
Дж. Фрескобальди - один из выдающихся мастеров эпохи барокко,
основоположник итальянской органной и клавирной школы. Он родился в Ферраре,
в то время - одном из крупнейших музыкальных центров Европы. Ранние годы
жизни связаны со службой у герцога Альфонсо II д'Эсте, известного на всю
Италию меломана (по свидетельству современников, герцог слушал музыку по 4
часа в день!). При этом же дворе работал Л. Лудзаски, который был первым
учителем Фрескобальди. Со смертью герцога Фрескобальди покидает родной город
и переезжает в Рим.
В Риме он работал в разных церквах в качестве органиста и при дворах
местной знати - клавесинистом. Выдвижению композитора способствовало
покровительство архиепископа Гвидо Бентнвольо. Вместе с ним в 1607-08 гг.
Фрескобальди совершил путешествие во Фландрию, тогдашний центр клавирной
музыки. Поездка сыграла важную роль для формирования творческой
индивидуальности композитора.
Рубежное значение в жизни Фрескобальди имел 1608 г. Именно тогда
появились первые публикации его сочинений: 3 инструментальные канцоны,
Первая книга фантазий (Милан) и Первая книга мадригалов (Антверпен). В том
же году Фрескобальди занимает высокий и чрезвычайно почетный пост органиста
римского собора Св. Петра, на котором (с небольшими перерывами) композитор
оставался практически до конца своих дней. Постепенно росли слава и
авторитет Фрескобальди как органиста и клавесиниста, незаурядного
исполнителя и изобретательного импровизатора. Параллельно работе в соборе
Св. Петра он поступает на службу к одному из богатейших итальянских
кардиналов Пьетро Альдобрандини. В 1613 г. Фрескобальди женился на Ореоле
дель Пино, которая в ближайшие 6 лет родила ему пятерых детей.
В 1628-34 гг. Фрескобальди работал органистом при дворе тосканского
герцога Фердинандо II Медичи во Флоренции, затем продолжал свою службу в
соборе Св. Петра. Его слава стала поистине интернациональной. 3 года у него
учился крупный немецкий композитор и органист И. Фробергер, многие известные
композиторы и исполнители.
Парадоксальным образом мы ничего не знаем о последних годах жизни
Фрескобальди, равно как и о его последних музыкальных сочинениях.
Один из современников композитора П. Делла Балле в своем письме в 1640
г. писал, что в _современном стиле_ Фрескобальди стало больше _галантности_.
Поздние музыкальные произведения до сих пор находятся в виде рукописей.
Фрескобальди умер в зените славы. Как писали очевидцы, в заупокойной мессе
приняли участие _самые знаменитые музыканты Рима_.
Главное место в творческом наследии композитора занимают
инструментальные сочинения для клавесина и органа во всех известных тогда
жанрах: канцоны, фантазии, ричеркары, токкаты, каприччио, партиты, фуги (в
тогдашнем смысле этого слова, т. е. каноны). В одних господствует
полифоническое письмо (напр., в _ученом_ жанре ричеркара), в других (напр.,
в канцоне) полифонические приемы переплетены с гомофонными (_голос_ и
инструментальное аккордовое сопровождение).
Один из самых знаменитых сборников музыкальных произведений
Фрескобальди - _Музыкальные цветы_ (издан в Венеции в 1635 г.). В него вошли
органные произведения самых различных жанров. Здесь в полной мере проявил
себя неповторимый композиторский почерк Фрескобальди, для которого
характерна стилистика _взволнованного стиля_ с гармоническими новшествами,
разнообразием фактурных приемов, импровизационной свободой, искусством
варьирования. Необычной для своего времени была исполнительская трактовка
темпа и ритма. В предисловии к одной из книг своих токкат и других сочинений
для клавесина и органа Фрескобальди призывает играть... _не соблюдая
такта... сообразно чувствам или смыслу слов, как это делается в мадригалах_.
Как композитор и исполнитель на органе и клавире, Фрескобальди оказал
огромное влияние на развитие итальянской и, шире, западноевропейской музыки.
Особенно велика была его слава в Германии. На сочинениях Фрескобальди
учились Д. Букстехуде, И. С. Бах и многие другие композиторы. /С. Лебедев/
ХАНДОШКИН Иван Евстафьевич (1747, Петербург - 30 III 1804, там же)
Основоположник русского скрипичного искусства, виртуоз, для которого не
существовало никаких трудностей в игре на своем инструменте, блистательный
импровизатор, пытливый слушатель и собиратель народных напевов, дирижер,
педагог, выдающийся композитор - таков в общих чертах творческий облик Ивана
Евстафьевича Хандошкина.
Б. Доброхотов
Сочинения его весьма оригинальны и некоторые токмо находятся в руках
любителей и манускриптах сохраненными.
И. Черлицкий. Музыкальное руководство
для артистов и любителей музыки, 1852
Судьба и творчество выдающегося русского скрипача и композитора И.
Хандошкина породили множество легенд уже при его жизни. Восхищенные
современники не скупились на превосходные степени в описании игры _русского
Орфея_, заслушиваясь его изобретательными вариациями и импровизациями. И
после смерти композитора сохранялся легендарный ореол вокруг его имени, в то
время как произведения Хандошкина, документальные свидетельства о его жизни,
постепенно утрачивались. В наши дни настойчивые поиски советских
исследователей возвращают музыку Хандошкина слушателям, но достоверных
сведений о его жизни обнаружено немного.
Неизвестны дата и место рождения композитора. Лишь недавно удалось
установить, что знаменитый музыкант происходил из семьи украинского
крестьянина. Отец Хандошкина играл на валторне и служил учителем музыки в
капелле П. Шереметева. Скрипичное мастерство юноша осваивал в течение семи
лет под руководством итальянского педагога Т. Порты. В архиве сохранилось
прошение Порты об уплате ему _за обучение на скрипке отданного ему ученика
Ивана Хандошкина, который ныне употребляется в камери гоф-музыках, с прочими
музыкантами, за семилетнее время - 420 р_. Дарование юного скрипача рано
обратило на себя внимание: в 1760 г. Хандошкин был принят в оркестр будущего
императора Петра III в качестве _музыкантского ученика_, а с 1762 г. играл в
оркестре придворного итальянского театра. Вскоре представился случай
попробовать силы на новом поприще - педагогическом: в 1764 г. Хандошкин
организовал преподавание скрипки во вновь открытых музыкальных классах
Академии художеств, однако через несколько месяцев, уйдя из Академии, стал
учителем музыки в публичном театре К. Книппера. Начало 1780-х гг. - первый
расцвет музыкальной деятельности скрипача: его концерты становятся заметным
событием в культурной жизни Петербурга. Помимо службы в качестве придворного
камер-музыканта и театрального капельмейстера, Хандошкин участвует в работе
Петербургского музыкального клуба как его почетный член. В этот же период
появляются первые изданные произведения выдающегося скрипача.
Казалось, жизненная перспектива ясна и не сулит неожиданностей. Но в
середине 80-х гг. в судьбе музыканта произошел резкий поворот:
могущественный вельможа екатерининских времен Г. Потемкин, задумавший
открыть на юге России университет, поручил Хандошкину организацию
музыкального дела. _Наместник Таврический_ писал Екатерине II: _Как в
Екатеринославском университете, где не только науки, но и художества
преподаваемы быть имеют, должна быть Консерватория для музыки, то приемлю
смелость всеподданнейше просить об увольнении туда придворного музыканта
Хандошкина с пожалованием за долговременную его службу пенсию и с
награждением чина мундшенка придворного_. Вскоре Хандошкин выехал к месту
назначения. Однако планы культурного развития южного края в те годы не были
осуществлены. Поэтому музыкант надолго поселился во второй столице, где
руководил выступлениями оркестра в московском Благородном клубе. В те годы
газета _Московские ведомости_ печатала сведения о продаже нот. Поместил свое
объявление и Хандошкин: _Из придворных камер-музыкантов первый сочинитель и
игрок русских песен г. Хандошкин издал два Польских (полонеза) с отменным
вкусом... которые были играны в торжественный день в Санкт-Петербурге, в
публичном маскараде в первый раз и от почтенной публики удостоены отменною
похвалою_.
В конце 80-х гг. музыкант возвратился в Петербург, затем вторично
приезжал в Москву в 1801-02 гг. Об этом периоде жизни Хандошкина известно
немногое: продолжалась его педагогическая деятельность, появлялись в печати
новые его произведения, принося автору известность и убытки (в те годы
издание каких-либо сочинений обходилось авторам очень дорого). Умер
знаменитый скрипач _внезапно, придя в кабинет за пенсионом_.
Творчество Хандошкина невелико по объему, но драгоценно для истории
отечественной камерно-инструментальной музыки. Ограничившись музыкой для
своего любимого инструмента - скрипки, мастер очень разнообразно использовал
ее выразительные и технические возможности.
В трех известных нам сонатах для скрипки solo, а также в единственной
сонате для скрипки с басом музыкант-виртуоз предстает перед слушателями во
всеоружии композиторского мастерства, пленяя слушателей эмоциональной
щедростью, благородством тона и лирической задушевностью. Сонаты для скрипки
solo задуманы как циклические произведения из трех частей - медленной
первой, оживленной второй и быстрого танцевального финала.
Наиболее самобытна Первая соната, которая проникнута _мужественной
патетикой, глубиной и благородством чувства и может быть сопоставлена с
таким выдающимся явлением русской музыки конца XVIII века, как музыка Фомина
к мелодраме "Орфей и Эвридика"_ (Ю. Келдыш).
Иначе выстроена Соната для скрипки с басом: она двухчастна, причем ее 2
часть напоминает большую виртуозную каденцию и тем самым дает некоторое
представление о выдающемся даре импровизации, неизменно поражавшем
современников в игре Хандошкина.
Излюбленной и самой обширной областью творчества были для композитора
циклы вариаций на темы народных песен. Число вариаций в цикле - от трех до
сорока. Композитор разрабатывал песенные мелодии с глубоким пониманием их
природы, с неистощимой изобретательностью в обновлении исходного напева,
мастерски используя сложную скрипичную технику. Замечательный музыкант
научил скрипку петь привольные русские мелодии, передавать зажигательную
стихию народного танца.
С исторической дистанции все отчетливей виден масштаб достижений
первого выдающегося русского виртуоза-скрипача и композитора. Прав
современный исследователь, утверждая: _Хандошкин был художником большого
дарования и высокой профессиональной культуры... Некоторые из его творческих
находок остались непревзойденными в русской музыке вплоть до Глинки_. /Н,
Заболотная/
ХАЧАТУРЯН Арам Ильич (6 VI 1903, с. Коджори, близ Тбилиси - 1 V 1978,
Москва)
...Велик вклад Арама Хачатуряна в музыку наших дней. Трудно переоценить
значение его искусства для советской и мировой музыкальной культуры. Его имя
завоевало широчайшее признание как у нас в страт, так и за рубежом; у него
десятки учеников и последователей, развивающих те принципы, которым сам он
всегда остается верен.
Д. Шостакович
Творчество А. Хачатуряна впечатляет богатством образного содержания,
широтой использования различных форм и жанров. В его музыке получили
воплощение высокие гуманистические идеи революции, советского патриотизма и
интернационализма, темы и сюжеты, рисующие героико-трагические события
далекой истории и современности; ярко запечатлелись колоритные образы и
сиены народной жизни, богатейший мир мыслей, чувств и переживаний нашего
современника. Своим искусством Хачатурян вдохновенно воспел жизнь родной и
близкой ему Армении.
Творческая биография Хачатуряна не совсем обычна. Несмотря на яркое
музыкальное дарование, он так в не получил начального специального
музыкального образования и профессионально приобщился к музыке лишь в
девятнадцатилетнем возрасте. Годы, проведенные в старом Тифлисе, музыкальные
впечатления детских лет оставили неизгладимый след в сознании будущего
композитора и определили основы его музыкального мышления.
Сильное воздействие на творчество композитора оказала богатейшая
атмосфера музыкального быта этого города, в котором на каждом шагу звучали
грузинские, армянские и азербайджанские народные напевы, импровизация
певцов-сказителей - ашугов и сазандаров, перекрещивались традиции восточной
и западной музыки.
В 1921 г. Хачатурян переезжает в Москву в поселяется у старшего брата
Сурена - видного театрального деятеля, организатора и руководителя армянской
драматической студии. Бьющая ключом художественная жизнь Москвы поражает
юношу.
Он посещает театры, музеи, литературные вечера, концерты, оперные в
балетные спектакли, жадно впитывает все новые и новые художественные
впечатления, знакомится с произведениями мировой музыкальной классики.
Творчество М. Глинки, П. Чайковского, М. Балакирева, А. Бородина, Н.
Римского-Корсакова, М. Равеля, К. Дебюсси, И. Стравинского, С. Прокофьева, а
также А. Спендиарова, Р. Меликяна в др. в той или иной степени повлияло на
формирование глубоко оригинального стиля Хачатуряна.
По совету брата осенью 1922 г. Хачатурян поступает на биологическое
отделение Московского университета, а несколько позднее - в музыкальный
техникум им. Гнесиных по классу виолончели. Спустя 3 года он оставляет учебу
в университете и целиком посвящает себя музыке.
При этом он прекращает занятия на виолончели и переводится в класс
композиции известного советского педагога и композитора М. Гнесина. Пытаясь
наверстать упущенное в детские годы, Хачатурян интенсивно работает,
пополняет свои знания. В 1929 г. Хачатурян поступает в Московскую
консерваторию. На 1 курсе занятия по композиции он продолжает у Гнесина, а
со 2 курса его руководителем становится Н. Мясковский, сыгравший
исключительно важную роль в становлении творческой личности Хачатуряна. В
1934 г. Хачатурян с отличием оканчивает консерваторию и продолжает
совершенствоваться в аспирантуре. Написанная в качестве дипломной работы
Первая симфония завершает студенческий период творческой биографии
композитора. Интенсивный творческий рост дал превосходные результаты - почти
все сочинения студенческого периода стали репертуарными. Таковы прежде всего
Первая симфония, фортепианная Токката, Трио для кларнета, скрипки и
фортепиано, Песня-поэма (в честь ашугов) для скрипки и фортепиано и др.
Еще более совершенным творением Хачатуряна явился Фортепианный концерт
(1936), созданный в годы учебы в аспирантуре и принесший композитору мировую
известность. Не прекращается работа в области песни, театральной и
киномузыки. В год создания концерта на экранах городов страны
демонстрируется кинофильм _Пэпо_ с музыкой Хачатуряна. Песня Пэпо становится
любимой народной мелодией в Армении.
В годы учебы в музыкальном техникуме и консерватории Хачатурян
постоянно посещает Дом культуры Советской Армении, это сыграло важную роль в
его биографии. Здесь он сближается с композитором А. Спендиаровым,
художником М. Сарьяном, дирижером К. Сараджевым, певцом Ш. Тальяном, актером
и режиссером Р. Симоновым. В эти же годы Хачатурян общается с выдающимися
деятелями театра (А. Неждановой, Л. Собиновым, В. Мейерхольдом, В.
Качаловым), пианистами (К. Игумновым, Е. Бекман-Щербиной), композиторами (С.
Прокофьевым, Н. Мясковским). Общение с корифеями советского музыкального
искусства значительно обогатило духовный мир молодого композитора. Конец 30
- начало 40-х гг. ознаменовались созданием ряда замечательных произведений
композитора, вошедших в золотой фонд советской музыки. Среди них
Симфоническая поэма (1938), Скрипичный концерт (1940), музыка к комедии Лопе
де Вега _Валенсианская вдова_ (1940) и к драме М. Лермонтова _Маскарад_.
Премьера последней состоялась накануне начала Великой Отечественной войны 21
июня 1941 г. в Театре им. Е. Вахтангова.
С первых же дней войны значительно возрастает объем общественной и
творческой деятельности Хачатуряна. Будучи заместителем председателя
Оргкомитета Союза композиторов СССР, он заметно активизирует работу этой
творческой организации для решения ответственных задач военного времени, вы-
ступает с показом своих сочинений в частях и госпиталях, принимает участие в
специальных передачах Радиокомитета для фронта. Общественная деятельность не
помешала композитору создавать в эти напряженные годы сочинения различных
форм и жанров, во многих из которых нашла отражение военная тематика.
За 4 года войны им созданы балет _Гаянэ_ (1942), Вторая симфония
(1943), музыка к трем драматическим спектаклям (_Кремлевские куранты_ -
1942, _Глубокая разведка_ - 1943, _Последний день_ - 1945), к кинофильму
_Человек Э 217_ и на ее материале Сюита для двух фортепиано (1945),
составлены сюиты из музыки к _Маскараду_ и балета _Гаянэ_ (1943), написаны 9
песен, марш для духового оркестра _Героям Отечественной войны_ (1942), Гимн
Армянской ССР (1944). Кроме того, была начата работа над виолончельным
Концертом и тремя концертными ариями (1944), завершенными в 1946 г. Во время
войны стал созревать и замысел _героической хореодрамы_ - балета _Спартак_.
К теме войны Хачатурян обращался и в послевоенные годы: музыка к
кинофильмам _Сталинградская битва_ (1949), _Русский вопрос_ (1947), _У них
есть Родина_ (1949), _Секретная миссия_ (1950), к пьесе _Южный узел_ (1947).
Наконец, к 30-летию Победы в Великой Отечественной войне (1975) было создано
одно из последних сочинений композитора - _Торжественные фанфары_ для труб и
барабанов. Наиболее значительными произведениями военного периода являются
балет _Гаянэ_ и Вторая симфония. Премьера балета состоялась 3 декабря 1942
г. в Перми силами находившегося а эвакуации Ленинградского театра оперы и
балета им. С. М. Кирова. По словам композитора, _идея Второй симфонии
навеяна событиями Отечественной войны. Мне хотелось передать чувства гнева,
мести за все то зло, которое причинил нам немецкий фашизм. С другой стороны,
в симфонии выражены настроения скорби и чувства глубочайшей веры в
окончательную нашу победу_. Победе советского народа в Великой Отечественной
войне посвятил Хачатурян Третью симфонию, приуроченную к празднованию
30-летия Великой Октябрьской социалистической революции. В соответствии с
замыслом - гимн народу-победителю - в симфонию включены дополнительно 15
труб и орган.
В послевоенные годы Хачатурян продолжает сочинять в различных жанрах.
Наиболее значительным произведением стал балет _Спартак_ (1954). _Музыку я
создал тем же методом, каким создавали ее композиторы прошлого, когда
обращались к историческим темам: сохраняя свой почерк, свою манеру письма,
рассказывали о событиях через призму своего художественного восприятия.
Балет "Спартак" представляется мне как произведение с острой музыкальной
драматургией, с широко развернутыми художественными образами и конкретной,
романтически взволнованной интонационной речью. Все достижения современной
музыкальной культуры я считал необходимым привлечь для раскрытия высокой
темы "Спартака". Поэтому балет написан современным языком, с современным
пониманием проблем музыкально-театральной формы_, - писал Хачатурян о своей
работе над балетом.
Среди других сочинений, созданных в послевоенные годы, - _Ода памяти В.
И. Ленина_ (1948), _Ода радости_ (1956), написанная ко второй декаде
армянского искусства в Москве, _Приветственная увертюра_ (1959) к открытию
XXI съезда КПСС. Попрежнему живейший интерес проявляет композитор к кино- и
театральной музыке, создает песни. В 50-х гг. Хачатурян пишет музыку к пьесе
Б. Лавренева _Лермонтов_, к трагедиям В. Шекспира _Макбет_ и _Король Лир_,
музыку к кинофильмам _Адмирал Ушаков, Корабли штурмуют бастионы, Салтанат,
Отелло, Костер бессмертия, Поединок_. Приобрели популярность песни
_Армянская застольная. Песня о Ереване, Марш мира, О чем мечтают дети_.
Послевоенные годы ознаменовались не только созданием новых ярких
произведений в самых различных жанрах, но и важными событиями в творческой
биографии Хачатуряна. В 1950 г. его приглашают профессором класса композиции
одновременно в Московскую консерваторию и в Музыкально-педагогический
институт им. Гнесиных. За 27 лет своей педагогической деятельности Хачатурян
выпустил десятки учеников, среди которых А. Эшпай, Э. Оганесян, Р. Бойко, М.
Таривердиев, Б. Троцюк, А. Виеру, Н. Терахара, А. Рыбяиков, К. Волков, М.
Минков, Д. Михайлов и др.
Начало педагогической работы совпало с первыми опытами дирижирования
собственными сочинениями. С каждым годом число авторских концертов растет.
Поездки по городам Советского Союза перемежаются с гастролями в десятки
стран Европы, Азии, Америки. Здесь он встречается с крупнейшими
представителями художественного мира: композиторами И. Стравинским, Я.
Сибелиусом, Дж. Энеску, Б. Бриттеном, С. Барбером, П. Владигеровым, О.
Мессианом, З. Кодаем, дирижерами Л. Стоковеким, Г. Караяном, Дж. Джорджеску,
исполнителями А. Рубинштейном, Е. Цимбалистом, писателями Э. Хемингуэем, П.
Нерудой, артистами кино Ч. Чаплиным, С. Лорен и др.
Поздний период творчества Хачатуряна ознаменовался созданием _Баллады о
Родине_ (1961) для баса с оркестром, двух инструментальных триад:
концертов-рапсодий для виолончели (1961), скрипки (1963), фортепиано (1968)
и сольных сонат для виолончели (1974), скрипки (1975) и альта (1976); для
фортепиано были написаны Соната (1961), посвященная своему учителю Н.
Мясковскому, а также 2 том _Детского альбома_ (1965, 1 том - 1947).
Свидетельством мирового признания творчества Хачатуряна служат
награждение его орденами и медалями имени крупнейших зарубежных
композиторов, а также избрание почетным или действительным членом различных
музыкальных академий мира.
Значение искусства Хачатуряна состоит в том, что ему удалось выявить
богатейшие возможности симфонизации восточного монодического тематизма,
приобщить, совместно с композиторами братских республик, монодическую
культуру Советского Востока к многоголосию, к жанрам и формам, ранее
сложившимся в европейской музыке, показать пути обогащения национального
музыкального языка. Одновременно метод импровизационности,
темброво-гармоническая красочность восточного музыкального искусства через
творчество Хачатуряна оказали заметное влияние на композиторов -
представителей европейской музыкальной культуры. Творчество Хачатуряна
явилось конкретным проявлением плодотворности взаимодействия традиций
музыкальных культур Востока и Запада. /Д. Арутюнов/
ХАЧАТУРЯН Карэн Суренович (р. 19 IX 1920, Москва)
Первый успех пришел к К. Хачатуряну в 1947 г. в Праге, когда на
Всемирном фестивале молодежи и студентов его Скрипичная соната была
удостоена Первой премии. Второй успех - хореографическая сказка _Чипполино_
(1972), обошедшая почти все балетные сцены нашей страны и поставленная за
рубежом (в Софии и Токио). А далее идет, целый ряд достижений в области
инструментальной музыки, которые позволяют судить о даровании ярком,
серьезном, масштабном. Творчество К. Хачатуряна можно отнести к значительным
явлениям советской музыки.
Композитор органично развивает традиции советского искусства,
унаследованные им от учителей - Д. Шостаковича, Н. Мясковского, В. Шебалина,
но создает свой самобытный художественный мир и среди стилевой многоликости
сегодняшнего музыкального творчества умеет отстоять собственный путь
художественного поиска. В музыке К. Хачатуряна запечатлено цельное,
многогранное жизневосприятие, одновременно и эмоциональное и аналитическое,
огромный запас веры в позитивное начало. Сложный духовный мир современника -
главная, но не единственная тема его творчества.
Композитор способен со всей непосредственностью увлечься сказочным
сюжетом, обнаруживая при этом мягкий юмор и изобретательность. Или
вдохновиться исторической темой и найти убедительный тон объективного
повествования _с места событий_.
К. Хачатурян родился в семье театральных деятелей. Отец был режиссером,
а мать художником сцены. Творческая атмосфера, в которой он вращался с юных
лет, сказалась на его раннем музыкальном развитии и многосторонних
интересах. Не последнюю роль в его художественном самоопределении сыграла
личность и творчество его дяди А. Хачатуряна.
Образование К. Хачатурян получил в Московской консерватории, в которую
он поступил в 1941 г. А дальше - служба в Ансамбле песни и пляски НКВД,
выезды с концертами на фронт и в прифронтовые города. Годы студенчества
относятся уже к послевоенному времени (1945-49).
Творческие интересы К. Хачатуряна разносторонни. Он пишет симфонии и
песни, музыку для театра и кино, балеты и камерно-инструментальные
сочинения. Самые значительные произведения созданы в 60-80-е гг. Среди них -
виолончельная Соната (1966) и струнный Квартет (1969), о котором Шостакович
писал: _Квартет произвел на меня сильное впечатление своей глубиной,
серьезностью, яркой тематикой, удивительным звучанием_.
Заметным явлением стала оратория _Миг истории_ (1971), повествующая о
первых днях после покушения на В. И. Ленина и выдержанная в духе
документальной хроники. Основой для нее послужили подлинные тексты того
времени: газетные сообщения, воззвание Я. Свердлова, письма солдат. 1982 и
1983 гг. были чрезвычайно плодотворными, давшими интересные произведения в
жанрах инструментальной музыки. Третья симфония и виолончельный Концерт
являются серьезным вкладом в симфонический фонд советской музыки последних
лет.
В этих сочинениях воплотились раздумья умудренного жизнью художника и
человека о своем времени. Композиторский почерк отмечен силой и экспрессией
развертывания мысли, мелодической яркостью, мастерством развития и
построения формы.
Среди новых произведений К. Хачатуряна - _Эпитафия_ для струнного
оркестра (1985), балет _Белоснежка_ (1986), скрипичный Концерт (1988),
одночастная пьеса _Хачкар_ для симфонического оркестра, посвященная Армении
(1988).
Музыка К. Хачатуряна известна не только в нашей стране, но и за
рубежом. Она звучала в Италии, Австрии, США, Чехословакии, Японии,
Австралии, Болгарии, ФРГ. Резонанс, вызванный исполнением музыки К.
Хачатуряна за рубежом, привлекает к нему внимание музыкальной общественности
разных стран. Его приглашают в качестве члена жюри одного из конкурсов в
Японию, по заказу Венского общества Альбана Берга композитор пишет струнное
Трио (1984).,поддерживает творческие контакты с зарубежными исполнителями,
создает Государственный Гимн республики Сомали (1972).
Главное качество музыки К. Хачатуряна - ее _общительность_, живой
контакт со слушателями. В этом - один из секретов ее популярности у
многочисленных любителей музыки. /М. Катунян/
ХЕНЦЕ (Henze) Ханс Вернер (р. 1 VII 1926, Гютерсло, Германия)
Театр - это действительно моя область, так как волшебство, магия,
маскарад, моление, пафос и буффонада соединяются у меня с музыкой таким
образом, что позволяют прояснить то направление, в котором течет жизнь.
X. В. Хенце
Постоянный поиск нового содержания, новых форм и выразительных средств
- отличительная особенность искусства современности. Изменчивость, протеизм
характерны для многих художников XX в. (И. Стравинский, П. Пикассо). Одним
из наиболее ярких современных композиторов подобного склада можно считать X.
В. Хенце. Приверженец красоты и пения, _певец счастья, Чимароза XX века_, он
известен как автор многочисленных опер, кантат и вокальных циклов. Эстет,
создатель тонких поэтичных образов, он, как и О. Уайльд, не чужд и
крайностей эстетизма. Чрезвычайно активный, политически мыслящий музыкант,
мечтающий о торжестве идей социализма, Хенце воплощает свои взгляды в
музыкальных произведениях, в статьях и интервью, в общественной
деятельности.