Бычков М.Н. Популярный справочник. Творческие портреты композиторов
Подождите немного. Документ загружается.
Есть и намеренное противопоставление гармоничной, жизнерадостной музыки
креольского Юга механистической антимузыке американского Севера (балет
_Лошадиная сила_ (1928) с декорациями Д. Риверы).
В конце 30-40-х гг. Чавес продолжает активную организаторскую
деятельность. В 1946 г. он основывает общество и журнал _Наша музыка_, в
1947 - становится директором Национального института изящных искусств
(фактически министром культуры), пропагандируя мексиканскую музыку на родине
и за рубежом. Он удостаивается высших правительственных наград Мексики,
Италии, Франции, Швеции, званий почетного члена Академии искусств Бостона и
Нью-Йорка. В это время он сочиняет сравнительно мало, в основном продолжая
_индихенистскую_ линию: _Хочипилли Макуилхочитл_ для ацтекских инструментов,
_Токката_ для ударных, хоровая _Песнь земле_ и др. В фортепианном Концерте
(1938) - одном из лучших сочинений композитора - во многом предвосхищаются
его более поздние достижения.
С 50-х гг. Чавес целиком посвящает себя композиции, не прекращая,
однако, дирижерской и музыковедческой деятельности. _За все прошедшие годы,
думаю, я сделал все, что было в моих силах для общего развития музыкальной
жизни в Мексике. Сейчас мне остается удовлетворить огромную личную
необходимость в творчестве и в этой форме служить обществу_.
50-70-е гг. - мощный всплеск творчества Чавеса, период синтеза исканий
прошлых лет. Замыслы его отличаются большей серьезностью, обобщенностью,
облекаются в монументальные формы (опера _Благотворная любовь_.
Третья-Шестая симфонии). Все разнообразнее становится содержание его музыки,
уравновешеннее стиль, гармоничнее и совершеннее - форма, все убедительнее -
созвучие между некоторыми чертами мексиканского фольклора и новациями
современной европейской музыки. Сочетание национального и интернационального
позволили Чавесу преодолеть рамки локальности, сделать музыку своей родины
достоянием мировой культуры, а самому композитору - автору произведений
интеллектуально и эстетически богатых, с постоянно бьющимся в них пульсом
жизни - занять достойное место в музыке XX в. /З. Карташева/
ЧАЙКОВСКИЙ Борис Александрович (р. 10 IX 1925, Москва)
Это композитор глубоко русский. Его душевный мир - это мир чистых и
возвышенных страстей. В этой музыке много чего-то недосказанного, какой-то
затаенной нежности, большого душевного целомудрия.
Г. Свиридов
Б. Чайковский - яркий и своеобразный мастер, в творчестве которого
органично сплелись оригинальность, неповторимость и глубокая почвенность
музыкального мышления. В течение нескольких десятилетий композитор, вопреки
соблазнам моды и прочим привходящим обстоятельствам, бескомпромиссно идет
своим путем в искусстве. Показательно, как смело вводит он в свои
произведения самые простые, порой даже примелькавшиеся попевки и
ритмоформулы. Ибо пройдя сквозь фильтр его поразительного звукоощущения,
неистощимой изобретательности, умения сопрягать, казалось бы, несовместимое,
его свежей, прозрачной инструментовки, графически четкой, но колористически
богатой фактуры, обычнейшая интонационная молекула предстает перед
слушателем словно заново родившейся, обнаруживает свою суть, свою
сердцевину...
Б. Чайковский родился в семье, где музыку очень любили и поощряли
занятия ею сыновей, которые оба избрали музыку своей профессией. В детские
годы Б. Чайковский сочинил первые фортепианные пьесы. Некоторые из них до
сих пор входят в репертуар юных пианистов. В прославленной школе Гнесиных он
занимался по классу фортепиано у одной из ее основательниц Е. Гнесиной и у
А. Головиной, а его первым педагогом по композиции был Е. Месснер - человек,
воспитавший многих прославленных музыкантов, удивительно безошибочно умевший
подвести ребенка к решению достаточно сложных композиционных задач, раскрыть
ему содержательный смысл интонационных превращений и сопряжений.
В училище и в Московской консерватории Б. Чайковский занимался в
классах прославленных советских мастеров - В. Шебалина, Д. Шостаковича, Н.
Мясковского. Уже тогда вполне отчетливо заявили о себе важные особенности
творческой личности молодого музыканта, которые Мясковский сформулировал
так: _Своеобразный русский склад, исключительная серьезность, хорошая
композиторская техника_... Одновременно Б. Чайковский занимался в классе
замечательного советского пианиста Л. Оборина. Композитор и сегодня
выступает интерпретатором своих сочинений. В его исполнении записаны на
грампластинки фортепианный Концерт, Трио, скрипичная и виолончельная сонаты,
фортепианный Квинтет.
В ранний период творчества композитор создал ряд крупных произведений:
Первую симфонию (1947), Фантазию на русские народные темы (1950),
_Славянскую рапсодию_ (1951). Симфониетту для струнного оркестра (1953). В
каждом из них автор обнаруживает оригинальный, глубоко индивидуальный подход
к, казалось бы, известным интонационно-мелодическим и
содержательно-смысловым идеям, к традиционным формам, нигде не сбиваясь на
распространенные в те годы трафаретные, ходульные решения. Недаром его
сочинения включали в свой репертуар такие дирижеры, как С. Самосуд и А.
Гаук. В десятилетие 1954-64 гг., ограничившись преимущественно областью
камерно-инструментальных жанров (фортепианное Трио - 1953; Первый квартет -
1954; струнное Трио - 1955; Соната для виолончели и фортепиано, Концерт для
кларнета и камерного оркестра - 1957; Соната для скрипки и фортепиано -
1959; Второй квартет - 1961; Фортепианный квинтет - 1962), композитор не
только выработал безошибочно узнаваемую на слух музыкальную лексику, но и
определил важнейшие черты собственного образного мира, где красота,
воплощенная в мелодических темах, по-русски вольных, неспешных,
_немногословных_, предстает как символ нравственной чистоты и стойкости
человека.
Концерт для виолончели с оркестром (1964) открывает новый период в
творчестве Б. Чайковского, отмеченный крупными симфоническими концепциями, в
которых ставятся важнейшие вопросы бытия. Беспокойная, живая мысль
сталкивается в них то с равнодушно-безостановочным бегом времени, то с
косностью, рутиной обыденной ритуальности, то со зловещими сполохами
безудержной, безжалостной агрессивности. Порой эти столкновения кончаются
трагически, но и тогда в памяти слушателя остаются мгновения высших
озарений, взлетов человеческого духа. Таковы Вторая (1967) и Третья,
_Севастопольская_ (1980), симфонии; Тема и восемь вариаций (1973, к
200-летию Дрезденской штаатскапеллы); симфонические поэмы _Ветер Сибири_ и
_Подросток_ (по прочтении романа Ф. Достоевского - 1984); Музыка для
оркестра (1987); Скрипичный (1969) и Фортепианный (1971) концерты; Четвертый
(1972), Пятый (1974) и Шестой (1976) квартеты.
Иногда лирическая экспрессия словно скрыта за полушутливыми,
полуироническими масками стилизации или суховатой этюдности. Но и в Партите
для виолончели и камерного ансамбля (1966), и в Камерной симфонии в
возвышенно-печальных финалах среди осколков-отголосков предыдущих хоралов и
маршевых движений, унисонов и токкат открывается нечто хрупкое и
затаенно-личное, дорогое. В Сонате для двух фортепиано (1973) и в Шести
этюдах для струнных и органа (1977) за чередованием различных видов фактуры
также скрывается второй план - наброски, _этюды_ о чувствах и размышлениях,
разрозненных жизненных впечатлениях, постепенно складывающихся в стройную
картину осмысленного, _очеловеченного мира_. Композитор редко обращается к
средствам, привлеченным из арсенала других искусств. Его дипломная работа в
консерватории - опера _Звезда_ по Э. Казакевичу (1949) - осталась
незавершенной. Но сравнительно немногие вокальные произведения Б.
Чайковского посвящены сущностным проблемам: художник и его предназначение
(цикл _Лирика Пушкина_ - 1972), размышления о жизни и смерти (кантата для
сопрано, клавесина и струнных _Знаки Зодиака_ на ст. Ф. Тютчева, А. Блока,
М. Цветаевой и Н. Заболоцкого), о человеке и природе (цикл _Последняя весна_
на ст. Н. Заболоцкого). В 1988 г. на фестивале советской музыки в Бостоне
(США) были впервые исполнены _Четыре стихотворения И. Бродского_, созданные
еще в 1965 г. До недавнего времени их музыка у нас в стране была известна
только в авторской транскрипции 1984 г. (Четыре прелюдии для камерного
оркестра). Лишь на фестивале _Московская осень-88_ цикл первый раз в СССР
прозвучал в первоначальной версии.
Б. Чайковский - автор поэтичной и веселой музыки к радиосказкам для
детей по Г. X. Андерсену и Д. Самойлову: _Оловянный солдатик, Калоши
счастья, Свинопас, Кот в сапогах, Слоненок-турист_ и многим другим,
известным также благодаря грамзаписям. При всей внешней простоте и
незатейливости здесь много остроумнейших деталей, тонких реминисценций, но
начисто отсутствуют даже малейшие намеки на шлягерную стандартизированность,
заштампованность, которыми грешит порой подобная продукция. Столь же свежи,
точны и убедительны его музыкальные решения в таких кинофильмах, как
_Сережа, Женитьба Бальзаминова, Айболит-66, Лоскутик и облако, Уроки
французского, Подросток_.
Образно говоря, в произведениях Б. Чайковского мало нот, но много
музыки, много воздуха, простора. Его интонации не банальны, но их
незатертость и новизна далеки как от _химически чистых_ лабораторных опытов,
намеренно освобожденных даже от намека на бытовое интонирование, так а от
попыток _заигрывания с этой средой. В них слышна неустанная душевная работа.
Той же работы души требует эта музыка и от слушателя, предлагая ему взамен
высокое наслаждение от интуитивного постижения гармонии мира, которое
способно дать только истинное искусство. /В. Лихт/
ЧАЙКОВСКИЙ Петр Ильич (7 V 1840, Воткинск Удм. АССР - 6 XI 1893,
Петербург)
Из века в век, из поколения в поколение переходит наша любовь к
Чайковскому, к его прекрасной музыке, и в этом ее бессмертие.
Д. Шостакович
_Я желал бы всеми силами души, чтобы музыка моя распространилась, чтобы
увеличивалось число людей, любящих ее, находящих в ней утешение и подпору_.
В этих словах Петра Ильича Чайковского точно определена задача его
искусства, которую он видел в служении музыке и людям, в том, чтобы
_правдиво, искренне и просто_ говорить с ними о самом главном, серьезном и
волнующем их. Разрешение такой задачи было возможно при освоении богатейшего
опыта русской и мировой музыкальной культуры, при овладении высшим
профессиональным композиторским мастерством. Постоянное напряжение
творческих сил, повседневный и вдохновенный труд над созданием
многочисленных музыкальных произведений составили содержание и смысл всей
жизни великого художника. Чайковский родился в семье горного инженера. С
раннего детства он проявил острую восприимчивость к музыке, довольно
регулярно занимался на фортепиано, которым хорошо владел ко времени
окончания Училища правоведения в Петербурге (1859). Уже служа в департаменте
министерства юстиции (до 1863), он поступил в 1861 г. в классы РМО,
преобразованные в Петербургскую консерваторию (1862), где занимался по
композиции у Н. Зарембы и А. Рубинштейна. По окончании консерватории (1865)
Чайковский был приглашен Н. Рубинштейном преподавать в открывшуюся в 1866 г.
Московскую консерваторию. Деятельность Чайковского (он вел классы
обязательных и специальных теоретических дисциплин) заложила основы
педагогической традиции Московской консерватории, этому способствовало
создание им учебника гармонии, переводы различных учебных пособий и др. В
1868 г. Чайковский впервые выступил в печати со статьями в поддержку Н.
Римского-Корсакова и М. Балакирева (с ним возникли и дружеские творческие
отношения), а в 1871-76 гг. был музыкальным хроникером газет _Современная
летопись_ и _Русские ведомости_.
В статьях, а также в обширной переписке отразились эстетические идеалы
композитора, питавшего особенно глубокие симпатии к искусству В. А. Моцарта,
М. Глинки, Р. Шумана. Сближение с московским Артистическим кружком, который
возглавлял А. Н. Островский (по его пьесе написана первая опера Чайковского
_Воевода_ - 1868; еще в годы учения - увертюра _Гроза_, в 1873 г. - музыка к
пьесе _Снегурочка_), поездки в Каменку к сестре А. Давыдовой способствовали
возникшей еще в детстве любви к народным напевам - русским, а потом и
украинским, которые Чайковский нередко цитирует в сочинениях московского
периода творчества.
В Москве быстро укрепляется авторитет Чайковского-композитора, издаются
и исполняются его произведения. Чайковский создает первые в русской музыке
классические образцы разных жанров - симфонии (1866, 1872, 1875, 1877),
струнного квартета (1871, 1874, 1876), фортепианного концерта (1875, 1880,
1893), балета (_Лебединое озеро_, 1875-76), концертной инструментальной
пьесы (_Меланхолическая серенада_ для скрипки с оркестром - 1875; _Вариации
на тему рококо_ для виолончели с оркестром - 1876), пишет романсы,
фортепианные произведения (_Времена года_, 1875-76 и др.). Значительное
место в творчестве композитора заняли программные симфонические произведения
- увертюра-фантазия _Ромео и Джульетта_ (1869), фантазия _Буря_ (1873, обе -
по В. Шекспиру), фантазия _Франческа да Римини_ (по Данте, 1876), в которых
особенно заметна проявившаяся и в других жанрах лирико-психологическая,
драматическая направленность творчества Чайковского. В опере поиски, идущие
по тому же пути, приводят его от бытовой драмы на исторический сюжет
(_Опричник_ по трагедии И. Лажечникова, 1870-72) через обращение к
лирико-комедийной и фантастической повести Н. Гоголя (_Кузнец Вакула_ -
1874, 2-я ред. - _Черевички_ - 1885) к пушкинскому _Евгению Онегину_ -
лирическим сценам, как назвал свою оперу композитор (1877-78).
_Евгений Онегин_ и Четвертая симфония, где глубокая драма человеческих
чувств неотделима от реальных примет русской жизни, стали итогом московского
периода творчества Чайковского. Их завершение ознаменовало выход из тяжелого
кризиса, вызванного перенапряжением творческих сил, а также неудачной
женитьбой. Материальная поддержка, оказанная Чайковскому Н. фон Мекк
(переписка с ней, длившаяся с 1876 по 1890 г., представляет бесценный
материал для изучения художественных взглядов композитора), дала ему
возможность оставить тяготившую его к тому времени работу в консерватории и
уехать за границу для поправки здоровья. Сочинения конца 70-х - начала 80-х
гг. отмечены большей объективностью высказывания, продолжающимся расширением
круга жанров в инструментальной музыке (Концерт для скрипки с оркестром -
1878; оркестровые сюиты - 1879, 1883, 1884; Серенада для струнного оркестра
- 1880; _Трио Памяти великого художника_ (Н. Рубинштейна) для фортепиано,
скрипки и виолончели- 1882 и др.), масштабностью оперных замыслов
(_Орлеанская дева_ по Ф. Шиллеру, 1879; _Мазепа_ по А. Пушкину, 1881-83),
дальнейшим совершенствованием в области оркестрового письма (_Итальянское
каприччио_ - 1880, сюиты), музыкальной формы и т. п.
С 1885 г. Чайковский поселяется в окрестностях подмосковного Клина (с
1891 - в Клину, там в 1895г. был открыт Дом-музей композитора). Стремление к
уединению для творчества не исключало глубоких и прочных контактов с русской
музыкальной жизнью, интенсивно развивавшихся не только в Москве и в
Петербурге, но и в Киеве, Харькове, Одессе, Тифлисе и др. Начавшиеся с 1887
г. дирижерские выступления способствовали повсеместному распространению
музыки Чайковского. Концертные поездки в Германию, Чехию, Францию, Англию,
Америку принесли композитору мировую славу; укрепляются творческие и
дружеские связи с европейскими музыкантами (Г. Бюлов, А. Бродский, А. Никиш,
А. Дворжак, Э. Григ, К. Сен-Сане, Г. Малер и др.). В 1893 г. Чайковский был
удостоен степени доктора музыки Кембриджского университета в Англии.
В произведениях последнего периода, открывающегося программной
симфонией _Манфред_ (по Дж. Байрону, 1885), оперой _Чародейка_ (по И.
Шпажинскому, 1885-87), Пятой симфонией (1888), заметно усиление трагического
начала, достигающего кульминации в абсолютных вершинах творчества
композитора - опере _Пиковая дама_ (1890) и Шестой симфонии (1893), где он
поднимается до высшего философского обобщения образов любви, жизни и смерти.
Рядом с этими сочинениями возникают балеты _Спящая красавица_ (1889) и
_Щелкунчик_ (1892), опера _Иоланта_ (по Г. Герцу, 1891), завершающиеся
торжеством света и добра. Через несколько дней после премьеры Шестой
симфонии в Петербурге Чайковский внезапно скончался.
Творчество Чайковского охватило почти все музыкальные жанры, среди
которых ведущее место занимают самые масштабные - опера и симфония. В них
нашла наиболее полное отражение художественная концепция композитора, в
центре которой - глубинные процессы внутреннего мира человека, сложные
движения души, раскрывающиеся в острых и напряженных драматических
столкновениях. Однако и в этих жанрах всегда слышна главная интонация музыки
Чайковского - певучая, лирическая, рожденная непосредственным выражением
человеческого чувства и находящая столь же непосредственный отклик у
слушателя. С другой стороны, и остальные жанры - от романса или фортепианной
миниатюры до балета, инструментального концерта или камерного ансамбля -
могут быть наделены теми же качествами симфонической масштабности, сложного
драматического развития и глубокой лирической проникновенности.
Чайковский работал и в области хоровой (в т. ч. духовной) музыки, писал
вокальные ансамбли, музыку к драматическим спектаклям. Традиции Чайковского
в различных жанрах нашли свое продолжение в творчестве С. Танеева, А.
Глазунова, С. Рахманинова, А. Скрябина, советских композиторов. Музыка
Чайковского, еще при его жизни получившая признание, ставшая, по словам Б.
Асафьева, _жизненной необходимостью_ для людей, запечатлела огромную эпоху
русской жизни и культуры XIX в., вышла за их пределы и стала достоянием
всего человечества. Ее содержание универсально: оно охватывает образы жизни
и смерти, любви, природы, детства, окружающего быта, в нем обобщаются и
по-новому раскрываются образы русской и мировой литературы - Пушкина и
Гоголя, Шекспира и Данте, русской лирической поэзии второй половины XIX в.
Музыка Чайковского, воплощая драгоценные качества русской культуры - любовь
и сострадание к человеку, необыкновенную чуткость к беспокойным исканиям
человеческой души, непримиримость к злу и страстную жажду добра, красоты,
нравственного совершенства, - обнаруживает глубокие связи с творчеством Л.
Толстого и Ф. Достоевского, И. Тургенева и А. Чехова. В наши дни сбывается
мечта Чайковского о том, чтобы увеличивалось число людей, любящих его
музыку. Одним из свидетельств мировой славы великого русского композитора
стал Международный конкурс его имени, привлекающий в Москву сотни музыкантов
из разных стран. /Е. Царева/
ЧАЛАЕВ Ширвани Рамазанович {р. 16 XI 1936, с. Хосрех Кулинского р-на
Даг. АССР)
Уже почти 3 десятилетия отделяют дагестанского композитора Ш. Чалаева
от того дня, когда он никому не известным, скромным юношей из далекого
высокогорного аула переступил порог Московской консерватории.
Начинать было нелегко... Прежде всего потому, что трудная молодость
композитора совпала с молодостью всей дагестанской музыки, явившей в лице
Чалаева автора первой в ее истории симфонии, первой поставленной оперы,
первых инструментальных концертов...
Рабочий-токарь, а затем студент Дагестанского университета, за плечами
которого было всего лишь 2 года систематических занятий музыкой, только
после третьей попытки стал на путь профессионала. Вера в талантливого
ученика, не покидавшая замечательного педагога, ученого, композитора Г.
Гасанова, была вознаграждена сторицей. В течение напряженных консерваторских
лет (Чалаев занимался в классе профессора В. Фере, у него же
совершенствовался в аспирантуре, которую окончил в 1968 г.) активно
ликвидировались _белые пятна_ образования, накапливался потенциал для
будущего развития, нащупывался свой пульс, своя тональность в искусстве.
Начатый еще в юношеские годы список произведений (песни, в т. ч. весьма
популярная _Скажите, горы_, фортепианные и вокальные миниатюры) пополнился
пьесами для разных инструментов, струнным квартетом, _Дагестанской
рапсодией_ для фортепиано с оркестром, фортепианной сюитой _У нас в ауле_,
кантатой _Сердце горца_, эстрадной оркестровой пьесой _Караван_, Симфонией,
Первым концертом для скрипки. Уже в этих _школьных_ (по времени, но не по
уровню) сочинениях заявил о себе композитор глубоко национальный, с яркой,
самобытной индивидуальностью. Как и его ближайшие предшественники, Чалаев
прежде всего стремился к творческому освоению народного наследия. Не
довольствуясь накопленным - так, большим знатоком и хранителем дагестанского
фольклора был, к примеру, его учитель Гасанов - композитор сам пускается на
поиски песенных сокровищ. Результат этих экспедиций - бережно собранные,
обработанные _книги_ песен. Таковы изданные уже в более поздние годы Лакские
народные песни (1977), а также оставшиеся в рукописи Сто даргинских народных
песен (1976), Сто аварских... и Сто лезгинских народных песен. Все сборники
снабжены интереснейшими комментариями композитора, обнаруживающими глубокое
понимание и одержимость предметом изучения. Опыт, накопленный здесь, трудно
переоценить. Это было воистину обретение языка во всем многообразии
составляющих его элементов. Складывалось, шлифовалось кредо мастера, его
жизненная и художническая позиция.
Дагестан, его облик, голос, люди - эта тема красной нитью проходит
через все творчество композитора - певца родной земли. Это расхожая метафора
в отношении Чалаева наполняется особым смыслом. Превосходный исполнитель
собственных сочинений, он наделяет энергией народно-песенного мелоса (при
достаточно редком цитировании) любое из своих произведений, независимо от
жанра. Отсюда неизменная, рушащая все преграды естественность и в то же
время предельная строгость и правдивость высказывания. Единодушный отклик
ожидал вокальные опусы на стихи соотечественников композитора - Р. Гамзатова
(_Надписи_ - 1965, _Облака_ - 1966, _Целую женские руки_ - 1970, _Песни Муи_
- 1972), _Адалло_ (_Зеленые косы грусти_ - 1973), _Батырая_ (_Да не
встретится любовь_ - 1974). Пережив второе рождение в музыке, далекая
_горская_ поэзия явилась во всем своем богатстве и общечеловеческой
значимости.
Подлинное завоевание композитора - Семь лакских песен для баритона и
камерного оркестра (1968). Возникшее на гребне так называемой _фольклорной
волны_ 60-70-х гг. это небольшое сочинение выдвинуло своего создателя на
передовые рубежи советской музыки. _Лакские песни - пример глубокого
творческого отношения к духовным ценностям народа_, - писал Г. Свиридов,
называя Чалаева _не только бережливым реставратором, но прежде всего
художником-новатором, создавшим на основе старинных песен произведение
истинно современное как по средствам музыкальной выразительности, так и по
мыслям и настроениям_.
Чуток Чалаев и к иноязычной поэзии. Таковы вокальные циклы _И мир был
посреди_ (на ст. американской поэтессы Э. Дикинсон - 1976); _Лунные песни_
(1986), _Амарго_ (1987) на стихи Г. Лорки, захватывающие своим страстным
максимализмом, аллегорической многослойностью, кинематографической игрой
планов. Именно музыка снимает барьер _чужого_ языка, делает близким иной
поэтический мир.
Примечательно также обращение Чалаева к русской поэзии, прочитанной им
глубоко по-своему. Свойственный композитору неуемный темперамент, чистота и
первозданность взгляда взрывают привычные представления о много раз
слышанных _Зимней дороге, Зимнем вечере, Горных вершинах, На холмах Грузии_
(поэма _Посвящение для хора_ a cappella на ст. А. Пушкина и М. Лермонтова).
Столь же своеобразны вокально-симфонический цикл _Гой ты, Русь_ (на ст. С.
Есенина), _Колыбельные песни сердцу_ (на ст. А. Фета) для контральто,
виолончели и фортепиано, сольная кантата _На поле Куликовом_ (на ст. А.
Блока).
Много сделано Чалаевым в театре. В 1971 г., в ознаменование 50-летия
Дагестанской республики на сцене Ленинградского академического Малого театра
оперы и балета была поставлена опера _Горцы_, посвященная волнующим событиям
истории Дагестана. Бытовая лирическая песня и горская частушка, эпические
старинные мотивы и партизанские песни революционной эпохи, мужской
монолог-раздумье, хоровые культовые песнопения, обрядовые танцевальные
напевы, плачи-причитания - все это переплавилось в гибком мелосе и в
драматургии оперы, свободной от традиционных внутренних членений,
воссоздающей сам дух народных эпико-драматических повествований. Премьера
_Горцев_ в Дагестане вылилась в настоящий праздник, на который люди
приезжали целыми семьями из самых отдаленных районов республики.
Еще одной национальной опере Чалаева - музыкальной комедии _Странствия
Бахадура_ (либр. В. Викторова и Р. Сац по мотивам повестей А. Абу-Бакара) -
дал жизнь Эстонский академический театр Ванемуйне. Национальная тема нашла
продолжение и в опере _Читая дневники поэта_ (либр. собств.) по фронтовым
записям дагестанского поэта Э. Капиева (пост, в московском Камерном
музыкальном театре Б. Покровским, 1985); в ораториях _Не спят обелиски_ (на
ст. Адалло, 1984), _Аллея У. Буйнакского_ (на ст. дагестанских, русских и
испанских поэтов, 1986).
Композитор обращается и к мировой литературе. Знаменитая _Книга
Джунглей_ Р. Киплинга лежит в основе его оперы _Маугли_ (либр. В. Викторова
и Р. Сац). Уроки нравственности, преподанные знаменитой киплинговской
историей, оказались на редкость близки композитору. Во весь голос зазвучала
главная его тема - Человек и Мир, Человек и Природа. Поставленная Детским
музыкальным театром, адресованная детям, эта опера получила, однако, широкий
резонанс у самой разной аудитории. И не только в нашей стране. Став
лауреатом Международного конкурса им. Карла-Марии фон Вебера (1980),
проводимого в рамках ежегодного Дрезденского музыкального фестиваля,
_Маугли_ вторично с большим успехом прошел в ГДР во время гастролей театра в
1982 г. Ждет своей постановки и опера _Король Лир_ по В. Шекспиру (либр. Вл.
Чайковского). Веское слово, сказанное Чалаевым в вокальной и театральной
сфере (помимо опер им написаны еще 2 балета: _Камалил Башир_ и _Хан Гирей_,
романтический мюзикл _Поручик Тенгинского полка_ по стихам и роману _Герой
нашего времени_ М. Лермонтова), звонко отозвалось в его инструментальной
музыке.
Я гляжу и не вижу - так
бесконечны горы...
Я кричу и не слышу - так.
бездонны ущелья...
(лакская народная песня)
Этим эпиграфом к Концерту для оркестра памяти Б. Бартока (1979)
композитор вновь очерчивает излюбленный круг образов. И вместе с тем каждое
из инструментальных сочинений открывает неповторимую страницу в творчестве
дагестанского композитора. Будь то пейзажные зарисовки и пленительная
звукопись оркестрового концерта, напряженная, исполненная внутреннего
драматизма _тишина_ Второго и открытая, бурлящая праздничность Третьего
концерта для виолончели, или выразительный диалог разных миров (сколь
неожиданна и впечатляюща здесь преломленная сквозь призму национального
мелоса моцартовская тема!)- во Втором концерте для скрипки.
Ширвани Чалаев - в зените мастерства. Нашедший благодарного слушателя
как на родине, так и за ее пределами - в Болгарии, Венгрии, ГДР, на Кубе, в
Чехословакии, Англии, Италии, Франции, - он продолжает набирать силу,
приобщая все больше и больше людей к музыке своей суровой и прекрасной
страны. /Т. Фрумкис/
ЧЕРЕПНИН Николай Николаевич (15 V 1873, Петербург - 26 VI 1945,
Исси-ле-Мулино, близ Парижа)
Тут целый мир, живой, разнообразный,
Волшебных звуков и волшебных снов...
Ф. Тютчев
19 мая 1909 г. весь музыкальный Париж восторженно аплодировал балету
_Павильон Армиды_, которым открылся первый балетный _Русский сезон_,
организованный талантливым пропагандистом русского искусства С. Дягилевым.
Создателями _Павильона Армиды_, на долгие десятилетия укрепившегося на
балетных сценах мира, были прославленный балетмейстер М. Фокин, художник А.
Бенуа и композитор и дирижер Н. Черепнин.
Ученик Н. Римского-Корсакова, близкий друг А. Глазунова и А. Лядова,
член известного содружества _Мир искусства_, музыкант, получивший признание
многих своих выдающихся современников, в числе которых были С. Рахманинов,
И. Стравинский, С. Прокофьев, А. Павлова, З. Палиашвили, М. Баланчивадзе, А.
Спенднаров, С. Василенко, С. Кусевицкий, М. Равель, Г. Пьерне. Ш. Монте и
др., - Черепнин вписал в историю русской музыки XX в. одну из блестящих
страниц как композитор, дирижер, пианист, педагог.
Черепнин родился в семье известного петербургского медика, личного
врача Ф. Достоевского. Семья Черепниных отличалась широкими художественными
интересами: отец композитора знал, например, М. Мусоргского и А. Серова.
Черепнин окончил Петербургский университет (юридический факультет) и
Петербургскую консерваторию (класс композиции Н. Римского-Корсакова). До
1921 г. вел активную творческую жизнь как композитор и дирижер (_Русские
симфонические концерты_, концерты Русского музыкального общества, летние
концерты в Павловске, _Исторические концерты_ в Москве; дирижер Мариинского
театра в Петербурге, оперного театра в Тифлисе, в 1909-14 гг. дирижер
_Русских сезонов_ в Париже, Лондоне, Монте-Карло, Риме, Берлине). Огромен
вклад Черепнина в музыкальную педагогику. Будучи в 190518 гг. преподавателем
(с 1909 г.профессором) Петербургской консерватории, он основал первый в Рос-
сии класс дирижирования. Его ученики - С. Прокофьев, Н. Малько, Ю. Шапорин,
В. Дранишников и ряд других выдающихся музыкантов - в своих воспоминаниях
посвятили ему слова любви и благодарности.
Велики заслуги Черепнина и перед грузинской музыкальной культурой (в
1918-21 гг. он был директором Тифлисской консерватории, выступал как
симфонический и оперный дирижер).
С 1921 г. Черепнин жил в Париже, основал там Русскую консерваторию,
сотрудничал с балетным театром А. Павловой, гастролировал как дирижер во
многих странах мира. Творческий путь Н. Черепнина продолжался более полувека
и был ознаменован созданием свыше 60 опусов музыкальных сочинений, редактур
и обработок произведений других авторов. В творческом наследии композитора,
представленном всеми музыкальными жанрами, есть произведения, в которых
продолжены традиции _Могучей кучки_ и П. Чайковского; но есть (и их
большинство) произведения, примыкающие к новым художественным течениям XX
в., более всего к импрессионизму. Они очень оригинальны и являются новым
словом для русской музыки той эпохи.
Центр творчества Черепнина составляют 16 балетов. Лучшие из них -
_Павильон Армиды_ (1907), _Нарцисс и Эхо_ (1911), _Маска красной смерти_
(1915) - были созданы для _Русских сезонов_. Непременная для искусства
начала века романтическая тема разлада мечты и действительности претворена в
этих балетах характерными приемами, сближающими музыку Черепнина с живописью
французских импрессионистов К. Моне, О. Ренуара, А. Сислея, а из русских
художников с картинами одного из наиболее _музыкальных_ художников того
времени В. Борисова-Мусатова. Некоторые из произведений Черепнина написаны
на темы русских сказок (симфонические поэмы _Марья Моревна, Сказка про
царевну Улыбу, Зачарованная птица, Золотая рыбка_).
Среди оркестровых сочинений Черепнина (2 симфонии, Симфониетта памяти
Н. Римского-Корсакова, симфоническая поэма _Судьба_ (по Э. По), Вариации на
тему солдатской песни _Соловей, соловей, пташечка_, Концерт для фортепиано с
оркестром и др.) наиболее интересны его программные сочинения: Симфонический
прелюд _Принцесса Греза_ (по Э. Ростану), симфоническая поэма _Макбет_ (по
В. Шекспиру), симфоническая картина _Зачарованное царство_ (к сказке о
Жар-птице), Драматическая фантазия _Из края в край_ (по одноим. философскому
ст. Ф. Тютчева), _Сказка о рыбаке и рыбке_ (по А. Пушкину).
Написанные за рубежом в 30-х гг. оперы _Сват_ (по пьесе А. Островского
_Бедность не порок_) и _Ванька-ключник_ (по одноим. пьесе Ф. Сологуба) -
интересный пример привнесения в традиционный для русской музыки жанр
народно-песенной оперы сложных приемов музыкального письма XX в.
Многого достиг Черепнин в кантатно-ораториальном жанре (_Песнь Сафо_ и
ряд духовных сочинений a cappella, в т. ч. _Хождение богородицы по мукам_ на
тексты народных духовных стихов и др.) и в хоровых жанрах (_Ночь_ на ст. В.
Юрьева-Дрентельна, _Старая песня_ на ст. А. Кольцова, хоры на ст.
поэтов-народовольцев И. Пальмина (_Не плачьте над трупами павших борцов_) и
И. Никитина (_Медленно движется время_). Вокальная лирика Черепнина (более
100 романсов) охватывает широкий диапазон тем и сюжетов - от философской
лирики (_Трубный глас_ на ст. Д. Мережковского, _Думы и волны_ на ст. Ф.
Тютчева) до картин природы (_Сумерки_ на ст. Ф. Тютчева); от утонченной
стилизации русских песен (_Венок Городецкому_) до сказки (_Фейные сказки_ на
ст. К. Бальмонта).
Из других сочинений Черепнина следует назвать его замечательную
фортепианную _Азбуку в картинках_ с рисунками А. Бенуа, Струнный квартет,
квартеты для четырех валторн и другие ансамбли для различных составов.
Черепнин является также автором оркестровок и редакций многих произведений
русской музыки (_Мельник-колдун, обманщик и сват_ М. Соколовского,
_Сорочинская ярмарка_ М. Мусоргского и др.).
Долгие десятилетия имя Черепнина не появлялось на театральных и
концертных афишах, сочинения его не издавались. В этом он разделил судьбу
многих русских художник.>в, после революции оказавшихся за рубежом. Сейчас
творчество композитора наконец заняло подобающее ему место в истории
отечественной музыкальной культуры; изданы несколько симфонических партитур
и книга его мемуаров, готовится к выпуску Сонатина ор. 61 для духовых,
ударных и ксилофона, ждет своего возрождения шедевр Н. Черепнина и М. Фокина
балет _Павильон Армиды_ /О. Томпакова/
ЧИМАРОЗА (Cimarosa) Доменико (17 XII 1749, Аверса, близ Неаполя - 11 I
1801; Венеция)
Стиль музыки Чимарозы - пламенный, огненный и жизнерадостный...
Б. Асафьев
В историю музыкальной культуры Доменико Чимароза вошел как один из
наиболее ярких представителей неаполитанской оперной школы, как мастер
оперы-buffa, завершивший в своем творчестве эволюцию итальянской комической
оперы XVIII в.
Чимароза родился в семье каменщика и прачки. После смерти мужа, в 1756
г. мать устроила маленького Доменико в школу для бедных при одном из
монастырей Неаполя. Именно здесь будущий композитор получил первые уроки
музыки. За короткое время Чимароза сделал значительные успехи и в 1761 г.
был принят в Сайта Мария ди Лорето - старейшую консерваторию Неаполя. Там
преподавали прекрасные педагоги, среди которых были крупные, а порой и
выдающиеся композиторы. За 11 консерваторских лет Чимароза прошел отличную
композиторскую школу: написал несколько месс и мотетов, овладел в
совершенстве искусством пения, игры на скрипке, чембало и органе. Его
учителями были Г. Саккини и Н. Пиччинни.