Бычков М.Н. Популярный справочник. Творческие портреты композиторов
Подождите немного. Документ загружается.
Самыми первыми и неизгладимыми музыкальными впечатлениями маленького Имре
стали занятия на фортепиано его сестры Вильмы, игра на скрипке профессора
Лильде, отдыхавшего в Шиофоке, оперетта И. Штрауса _Летучая мышь_.
Гимназия и музыкальная школа в Будапеште, класс композиции X. Кеслера в
Академии имени Ф. Листа и одновременно изучение права на юридическом
факультете университета - вот основные этапы образования будущего
композитора. Сочинять музыку он начал уже в студенческие годы. Это были
симфонические произведения, песни, фортепианные пьесы, куплеты для кабаре.
Кальман испытал себя и на поприще музыкальной критики, работая 4 года
(1904-08) в газете _Пешти Напло_. Первым театральным произведением
композитора стала оперетта _Наследство Переслени_ (1906). Ее постигла
несчастливая судьба: усмотрев в ряде эпизодов политическую крамолу,
правительственные власти постарались, чтобы спектакль был быстро снят со
сцены. Признание пришло к Кальману после премьеры оперетты _Осенние
маневры_. Поставленная сначала в Будапеште (1908), затем в Вене, она
впоследствии обошла многие сцены в Европе, Южной Африке и Америке.
Мировую славу композитору принесли его следующие музыкальные комедии:
_Солдат в отпуске_ (1910), _Цыган-премьер_ (1912), _Королева чардаша_ (1915,
более известная как _Сильва_). Кальман стал одним из самых популярных
авторов этого жанра. Критика отмечала, что его музыка стоит на прочном
фундаменте народной песни и ярко выражает глубокие человеческие чувства, его
мелодии просты, но вместе с тем оригинальны и поэтичны, а финалы оперетт по
разработке, первоклассной технике и блестящей инструментовке - настоящие
симфонические картины.
Наивысшего расцвета творчество Кальмана достигло в 20-х гг. В это время
он жил в Вене, здесь и проходили премьеры его _Баядеры_ (1921), _Графини
Марицы_ (1924), _Принцессы цирка_ (1926), _Фиалки Монмартра_ (1930).
Мелодическая щедрость музыки этих произведений создавала у слушателей
обманчивое представление о беспечности и легкости композиторского пера
Кальмана. И хотя это была лишь иллюзия, Кальман, обладавший прекрасным
чувством юмора, в письме к своей сестре советовал ей не разочаровывать
интересующихся его творчеством и рассказывать о его работе так: _Мой брат и
его либреттисты встречаются ежедневно. Они выпивают несколько литров черного
кофе, выкуривают бесчисленное количество сигарет и папирос, рассказывают
анекдоты... спорят, смеются, ссорятся, кричат... Это продолжается много
месяцев. И вдруг в один прекрасный день оперетта готова_.
В 30-х гг. композитор много работает в жанре киномузыки, пишет
историческую оперетту _Дьявольский наездник_ (1932), ее премьера стала для
Кальмана последней в Вене. Над Европой нависла угроза фашизма. В 1938 г.
после захвата Австрии гитлеровской Германией Кальман с семьей был вынужден
эмигрировать. 2 года он провел в Швейцарии, в 1940 г. переехал в США, а
после войны, в 1948 г., вновь вернулся в Европу и жил в Париже.
Кальман наряду с И. Штраусом и Ф. Легаром является представителем так
называемой венской оперетты. Им написано 20 произведений в этом жанре.
Огромная популярность его оперетт объясняется прежде всего достоинствами
музыки - ярко мелодичной, эффектной, блестяще оркестрованной. Сам композитор
признавался, что на его творчество огромное влияние оказала музыка П.
Чайковского и особенно оркестровое искусство русского мастера.
Желание Кальмана, по его выражению, _помузицировать в своих
произведениях от чистого сердца_ позволило ему необычайно расширить
лирическую сторону жанра и выйти из заколдованного для многих композиторов
круга опереточных штампов. И хотя литературная основа его оперетт не всегда
равноценна музыке, художественная сила творчества композитора превосходит
этот недостаток. Лучшие сочинения Кальмана до сих пор украшают репертуар
многих музыкальных театров мира. /И. Ветлицына/
КАНЧЕЛИ Гия (Георгий) Александрович (р. 10 VIII 1935, Тбилиси)
Большой музыкальный талант, занимающий в международном плане абсолютно
оригинальную позицию.
Л. Ноно
Аскет с темпераментом максималиста, со сдержанностью затаившегося
Везувия.
Р. Щедрин
Мастер, умеющий сказать простейшими средствами нечто новое, что
невозможно спутать ни с чем, пожалуй, даже неповторимое.
В. Вольф
Оригинальность музыки Г. Канчели, которому посвящены приведенные
строки, - в сочетании предельной открытости стиля с его строжайшей
избирательностью, национальной почвенности с общечеловеческой значимостью
художественных идей, бурной жизни эмоций с возвышенностью их выражения,
простоты с глубиной, а доступности с захватывающей новизной. Подобное
сочетание кажется парадоксальным лишь при словесном пересказе, само же
становление музыки у грузинского автора всегда органично, спаяно живой,
песенной по своей природе интонацией. Это художественно цельное отражение
современного мира в его сложной дисгармонии.
Биография композитора не слишком богата внешними событиями. Вырос в
Тбилиси, в семье врача. Здесь окончил музыкальную семилетку, потом
геологический факультет университета и лишь в 1963 г. - консерваторию по
классу композиции И. Туския. Уже в студенческие годы музыка Канчели
оказалась в центре критических дискуссий, не прекращавшихся вплоть до
присуждения композитору в 1976 г. Государственной премии СССР, а затем
вспыхнувших с новой силой. Правда, если поначалу Канчели упрекали в
эклектизме, в недостаточно ярком выражении собственной индивидуальности и
национального духа, то позднее, когда авторский стиль полностью
сформировался, заговорили о самоповторении. Между тем уже первые работы
композитора выявили _собственное разумение музыкального времени и
музыкального пространства_ (Р. Щедрин), и впоследствии он с завидным
упорством шел по избранному пути, не позволяя себе остановиться или
успокоиться на достигнутом. В каждом очередном сочинении Канчели, по его
признанию, стремится _найти для себя хотя бы одну ступеньку, ведущую вверх,
а не вниз_. Поэтому и работает медленно, тратит по нескольку лет на отделку
одного сочинения, причем правка рукописи продолжается у него обычно и после
премьеры - вплоть до издания или записи на пластинку.
Зато среди немногочисленных сочинений Канчели не найти
экспериментальных или проходных, тем более неудачных. Видный грузинский
музыковед Г. Орджоникидзе уподобил его творчество _восхождению на одну гору:
с каждой высоты горизонт отбрасывается дальше, открывая невиданные ранее
дали и позволяя заглянуть в глубины человеческого бытия_. Прирожденный
лирик, Канчели поднимается через объективную уравновешенность эпоса к
трагедии, не утрачивая искренности, непосредственности лирической интонации.
Семь его симфоний - это как бы семь заново прожитых жизней, семь глав эпопеи
об извечной борьбе добра со злом, о трудной судьбе красоты. Каждая симфония
- законченное художественное целое. Различны образы, драматургические
решения, и тем не менее все симфонии образуют своего рода макроцикл с
трагическим прологом (Первая - 1967) и _Эпилога_ и (Седьмая - 1986),
который, по замыслу автора, подводит итог большого творческого этапа. В этом
макроцикле Четвертая симфония (1975), отмеченная Государственной премией, -
и первая кульминация, и предвестница перелома. Две ее предшественницы
вдохновлены поэтикой грузинского фольклора - прежде всего церковных и
обрядовых песнопений, заново открытых в 60-е гг. Вторая симфония, носящая
подзаголовок _Песнопения_ (1970), - самое светлое из произведений Канчели,
утверждающее гармонию человека с природой и историей, незыблемость духовных
заветов народа. Третья (1973) подобна стройному храму во славу гениальных
анонимов - создателей грузинской хоровой полифонии. Четвертая симфония,
посвященная памяти Микеланджело, сохраняя выстраданную цельность эпического
мироощущения, драматизирует его размышлениями о судьбе художника. Титана,
разорвавшего в своем творчестве оковы времени и пространства, но
оказавшегося по-человечески бессильным перед лицом трагического бытия. Пятая
симфония (1978) посвящена памяти родителей композитора. Здесь, пожалуй
впервые у Канчели, тема времени, неумолимого и милосердного, полагающего
предел человеческим стремлениям н надеждам, окрашивается глубоко личной
болью. И хотя все образы симфонии - как скорбные, так и отчаянно
протестующие - никнут или распадаются под натиском неведомой роковой силы,
целое несет ощущение катарсиса. Это скорбь выплаканная и преодоленная. После
исполнения симфонии на фестивале советской музыки во французском городе Туре
(июль 1987) пресса назвала ее, _возможно, самым интересным из современных
произведений на сегодняшний день_. В Шестой симфонии (1979-81) вновь
возникает эпический образ вечности, музыкальное дыхание становится шире,
контрасты укрупняются. Однако это не сглаживает, но заостряет и обобщает
трагический конфликт. Триумфальному успеху симфонии на нескольких
авторитетных международных музыкальных фестивалях способствовали ее
_сверхдерзновенный концептуальный размах и трогательное эмоциональное
впечатление_.
Приход известного симфониста в Тбилисский оперный театр и постановка
здесь в 1984 г. _Музыки для живых_ оказались для многих неожиданностью.
Однако для самого композитора это было естественным продолжением давнего и
плодотворного сотрудничества с дирижером Дж. Кахидзе, первым исполнителем
всех его сочинений, и с режиссером Грузинского академического драматического
театра им. Ш. Руставели Р. Стуруа. Объединив свои усилия на оперной сцене,
эти мастера и здесь обратились к значительной, остроактуальной теме - теме
сохранения жизни на земле, сокровищ мировой цивилизации - и воплотили ее в
новаторской, масштабной, эмоционально захватывающей форме. _Музыка для
живых_ по праву признана событием в советском музыкальном театре.
Непосредственно вслед за оперой появилось второе антивоенное
произведение Канчели - _Светлая печаль_ (1985) для солистов, детского хора и
большого симфонического оркестра на тексты Г. Табидзе, И. В. Гете, В.
Шекспира и А. Пушкина. Подобно _Музыке для живых_, это произведение
посвящено детям - но не тем, кому предстоит жить после нас, а невинным
жертвам второй мировой войны. Восторженно принятая уже на премьере в
Лейпциге (как и Шестая симфония, она написана по заказу оркестра
_Гевандхауз_ и издательства _Петерс_), _Светлая печаль_ стала одной из самых
проникновенных и возвышенных страниц советской музыки 80-х гг.
Последняя из законченных партитур композитора - _Оплаканный ветром_ для
солирующего альта и большого симфонического оркестра (1988) - посвящено
памяти Гиви Орджоникидзе. Премьера этого сочинения состоялась на фестивале в
Западном Берлине в 1989 г.
В середине 60-х гг. начинается сотрудничество Канчели с крупными
режиссерами драматического театра и кино. К настоящему времени им написана
музыка к более чем 40 кинофильмам (в основном режиссеров Э. Шенгелая, Г.
Данелия, Л. Гогоберидзе, Р. Чхеидзе) и к почти 30 спектаклям, подавляющее
большинство которых поставил Р. Стуруа. Однако сам композитор рассматривает
свою работу в театре и кино как всего лишь часть коллективного творчества,
самостоятельного значения не имеющую. Поэтому ни одна из его песен,
театральных или кинопартитур не издана и не записана на пластинку. /Н.
Зейфас/
КАПП Эуген Артурович (р. 26 V 1908, Астрахань)
_Музыка - моя жизнь_... В этих словах предельно сжато выражено
творческое кредо Э. Каппа. Размышляя о назначении и сути музыкального
искусства, он подчеркивал; что _музыка позволяет выразить все величие
идеалов нашей эпохи, все богатство действительности. Музыка - прекрасное
средство нравственного воспитания людей_. Капп работал в самых различных
жанрах. Среди основных его сочинений 6 опер, 2 балета, оперетта, 23
произведения для симфонического оркестра, 7 кантат и ораторий, около 300
песен. Центральное место в его творчестве занимает музыкальный театр.
Семье Каппов-музыкантов более ста лет принадлежит ведущее место в
музыкальной жизни Эстонии. Дед Эугена-Иссеп Капп был органистом и дирижером.
Отец - Артур Капп, окончив Петербургскую консерваторию по классу органа у
профессора Л. Гомилиуса и по композиции у Н. Римского-Корсакова, переехал в
Астрахань, где возглавил местное отделение Русского музыкального общества.
Одновременно он работал директором музыкального училища. Там, в Астрахани, и
родился Эуген Капп. Музыкальная одаренность мальчика проявилась рано.
Обучаясь игре на фортепиано, он делает первые попытки сочинять музыку.
Музыкальная атмосфера, царившая в доме, встречи Эугена с приезжавшими на
гастроли А. Скрябиным, Ф. Шаляпиным, Л. Собиновым, А. Неждановой, постоянные
посещения оперных спектаклей и концертов - все это способствовало
формированию будущего композитора.
В 1920 г. А. Капп был приглашен в качестве дирижера оперного театра
_Эстония_ (несколько позднее - профессором консерватории), и семья
переезжает в Таллинн. Часами просиживал Эуген в оркестре, рядом с
дирижерским пультом отца, пристально следя за всем, что происходило вокруг.
В 1922 г. Э. Капп поступает в Таллиннскую консерваторию в класс фортепиано
профессора П. Рамуля, затем Т. Лембн. Но юношу все больше влечет к себе
композиция. В 17 лет он написал свое первое крупное сочинение - Десять
вариаций для фортепиано на заданную отцом тему. С 1926 г. Эуген - студент
Таллиннской консерватории по классу композиции своего отца. В качестве
дипломной работы при окончании консерватории он представил симфоническую
поэму _Мститель_ (1931) и Фортепианное трио.
Окончив консерваторию, Капп продолжает активно сочинять музыку. С 1936
г. он совмещает творческую работу с педагогической: преподает теорию музыки
в Таллиннской консерватории. Весной 1941 г. Капп получил почетное задание
создать первый эстонский балет по мотивам национального эпоса _Калевипоэг_
(_Сын Калева_, на либр. А. Сярева). К началу лета 1941 г. клавир балета был
написан, и композитор приступил к его оркестровке, но внезапно начавшаяся
война прервала работу. Главной в творчестве Каппа стала тема Родины: он
пишет Первую симфонию (_Патриотическую_, 1943), Вторую скрипичную сонату
(1943), хоры _Родная страна_ (1942, ст. Я. Кярнера), _Труд и борьба_ (1944,
ст. П. Руммо), _Ты в бурях устояла_ (1944, ст. Я. Кярнера) и др.
В 1945 г. Капп завершил свою первую оперу _Огни мщения_ (либр. П.
Руммо). Ее действие происходит в XIV в., в период героического восстания
эстонского народа против тевтонских рыцарей. На окончание войны в Эстонии
Капп написал _Победный марш_ для духового оркестра (1944), звучавший при
вступлении эстонского корпуса в Таллинн. Главной заботой Каппа после
возвращения в Таллинн было найти клавир своего балета _Калевипоэг_, который
оставался в оккупированной фашистами городе. Все годы войны композитор
тревожился за его судьбу. Какова же была радость Каппа, когда он узнал, что
верные люди сберегли клавир! Приступив к доработке балета, композитор
по-новому взглянул на свое произведение. Он ярче подчеркнул основную тему
эпоса - борьбу эстонского народа за свою независимость. Используя
оригинальные, самобытные эстонские мелодии, он тонко раскрыл внутренний мир
героев. Премьера балета состоялась в 1948 г. в театре _Эстония. Калевипоэг_
стал любимым спектаклем эстонских зрителей. Капп как-то сказал: _Меня всегда
восхищали люди, отдававшие свои силы, свои жизни ради торжества великой идеи
социального прогресса. Преклонение перед этими выдающимися личностями искало
и ищет выхода в творчестве_. Эта мысль замечательного художника получила
воплощение в ряде его произведений. К 10-летию Советской Эстонии Капп пишет
оперу _Певец свободы_ (1950, 2-я ред. 1952, либр. П. Руммо). Она посвящена
памяти известного эстонского поэта Ю. Сютисте. Брошенный немецкими фашистами
в тюрьму, этот мужественный борец за свободу, подобно М. Джалилю, писал в
застенке пламенные стихи, зовущие народ на борьбу с фашистскими оккупантами.
Потрясенный судьбой С. Альенде, Капп посвятил его памяти кантату-реквием
_Над Андами_ для мужского хора и солиста. К 100-летию со дня рождения
известного революционера X. Пегельмана Капп написал на его стихи песню
_Пусть стучат молотки_.
В 1975 г. на сцене театра Ванемуйне была поставлена опера Каппа
_Рембрандт. В опере Рембрандт_, - писал композитор, - _мне захотелось
показать трагизм борьбы гениального художника со своекорыстным и алчным
миром, муки творческой неволи, духовного гнета_. 60-летию Великого Октября
Капп посвятил монументальную ораторию _Эрнст Тельман_ (1977, ст. М.
Кесамаа).
Особую страницу в творчестве Каппа составляют произведения для детей -
оперы _Зимняя сказка_ (1958), _Необыкновенное чудо_ (1984, по сказке Г. X.
Андерсена), _Самое невероятное_, балет _Золотопряхи_ (1956), оперетта
_Ассоль_ (1966), мюзикл _Васильковое чудо_ (1982), а также многие
инструментальные произведения. Среди сочинений последних лет -
_Приветственная увертюра_ (1983), кантата _Победа_ (на ст. М. Кесамаа,
1983), Концерт для виолончели и камерного оркестра (1986) и др.
На протяжении своей долгой жизни Капп никогда не ограничивался рамками
музыкального творчества. Профессор Таллиннской консерватории, он воспитал
таких известных композиторов, как Э. Тамберг, X. Карева, X. Леммик, Г.
Подэльский, В. Липанд и др.
Многогранна общественная деятельность Каппа. Он выступил одним из
организаторов Союза композиторов Эстонии и долгие годы был председателем его
правления. /М. Комиссарская/
КАРАЕВ Кара (Абульфаз оглы) (5 II 1918, Баку - 13 V 1982, Москва)
В молодости Кара Караев был отчаянным мотоциклистом. Яростная гонка
отвечала его потребности в риске, в обретении чувства победы над самим
собой. Было у него и другое, совершенно противоположное и сохранившееся на
всю жизнь, _тихое_ хобби - фотографирование. Объектив его аппарата с большой
точностью и одновременно выражая личное отношение владельца наводился на мир
вокруг - выхватывал движение прохожего из многолюдного городского потока,
фиксировал оживленный или задумчивый взгляд, заставлял _заговорить_ о дне
текущем силуэты нефтяных вышек, поднявшихся из глубин Каспия, и о прошедшем
- сухие ветви старого апшеронского тутовника или величавые сооружения
Древнего Египта...
Достаточно вслушаться в произведения, созданные замечательным
азербайджанским композитором, и становится ясно: караевские хобби - лишь
отражение того, что так свойственно его музыке. Творческое лицо Караева
характеризует сочетание яркой темпераментности с точным художническим
расчетом; разнообразия красок, богатства эмоциональной палитры - с
психологической глубиной; интерес к актуальным темам современности жил в нем
наряду с интересом к историческому прошлому. Он писал музыку о любви и
борьбе, о природе и душе человека, умел передать в звуках мир фантастики,
мечты, радость жизни и холод смерти...
Мастерски владеющий законами музыкальной композиции, художник ярко
самобытного стиля, Караев на протяжении всего творческого пути стремился к
постоянному обновлению языка и формы своих произведений. _Быть с веком
наравне_ - такова была главная художническая заповедь Караева. И так же, как
в молодые годы он преодолевал себя в стремительной езде на мотоцикле, так
всегда он преодолевал инерцию творческой мысли. _Чтоб не стоять на месте_, -
сказал он в связи со своим пятидесятилетием, когда за плечами уже давно была
международная известность, - _надо было "изменять" самому себе_.
Караев - один из самых ярких представителей школы Д. Шостаковича. Он
окончил в 1946 г. Московскую консерваторию по классу композиции этого
гениального художника. Но еще до того, как стать студентом, молодой музыкант
глубоко постиг музыкальное творчество азербайджанского народа. В тайны
родного фольклора, ашугского и мугамного искусства Караева ввел в Бакинской
консерватории ее создатель и первый профессиональный композитор Азербайджана
У. Гаджибеков.
Караев писал музыку в различных жанрах. В его творческом активе -
сочинения для музыкального театра, симфонические и камерно-инструментальные
произведения, романсы, кантаты, детские пьесы, музыка к драматическим
спектаклям и кинофильмам. Его привлекали темы и сюжеты из жизни самых
различных народов земного шара - он глубоко проник в строй и дух народной
музыки Албании, Вьетнама, Турции, Болгарии, Испании, стран Африки и
арабского Востока... Некоторые его сочинения могут быть определены как
этапные не только для его собственного творчества, но и для советской музыки
в целом.
Ряд сочинений крупной формы посвящен теме Великой Отечественной войны и
создан под непосредственным впечатлением от событий действительности. Такова
двухчастная Первая симфония - одно из первых произведений этого жанра в
Азербайджане (1943), она отличается резкими контрастами драматических и
лирических образов. В пятичастной Второй симфонии, написанной в связи с
победой над фашизмом (1946), традиции азербайджанской музыки сплавлены с
классицистскими (выразительная пассакалия 4 ч. основана на тематизме
мугамного типа). В 1945 г. в соавторстве с Д. Гаджневым создана опера
_Вэтэн_ (_Родина_, либр. И. Идаят-заде и М. Рагима), в которой акцентирована
идея дружбы советских народов в борьбе за освобождение Родины.
Среди ранних камерных произведений выделяются фортепианная картина
_Царскосельская статуя_ (по А. Пушкину, 1937), оригинальность образов
которой определил синтез народно-национальной интонационности с
импрессионистской красочностью фактуры; Сонатина ля минор для фортепиано
(1943), где национальные выразительные элементы разработаны в русле
прокофьевского _классицизма_; Второй струнный квартет (посвящ. Д.
Шостаковичу, 1947), отличающийся светлым юношеским колоритом. К лучшим
произведениям вокальной лирики Караева принадлежат пушкинские романсы _На
холмах Грузии_ и _Я вас любил_ (1947).
Среди сочинений зрелого периода - симфоническая поэма _Лейли и Меджнун_
(1947), положившая начало лирико-драматическому симфонизму в Азербайджане. В
развитии горестных, страстных, возвышенных образов поэмы воплотилась
трагическая судьба героев одноименной поэмы Низами. Сюжетные мотивы
_Пятерицы_ (_Хамсэ_) Низами легли в основу балета _Семь красавиц_ (1952,
сценарий И. Идаят-заде, С. Рахмана и Ю. Слонимского), в котором развернута
картина жизни азербайджанского народа в далекjм прошлом, его героическая
борьба против угнетателей. Центральный образ балета - простая девушка из
народа, ее самопожертвованная любовь к безвольному шаху Бахраму заключает
высокий нравственный идеал. В борьбе за Бахрама Айше противостоят образы
коварного Визиря и обольстительно-прекрасных, призрачных семи красавиц.
Балет Караева - блестящий образец соединения стихии азербайджанской народной
танцевальности с симфоническими принципами балетов Чайковского. Яркий,
многокрасочный, эмоционально богатый балет _Тропою грома_ (по роману П.
Абрахамса, 1958), в котором героический пафос связан с борьбой народов
Черной Африки за свою независимость, интересен мастерски развитым
музыкально-драматургическим конфликтом, симфонизацией негритянских
фольклорных элементов (балет был первым произведением советской музыки,
разработавшим африканскую народную музыку в таких масштабах).
В зрелые годы в творчестве Караева продолжена и развита тенденция к
обогащению азербайджанской музыки классицистскими средствами
выразительности. К произведениям, где эта тенденция особенно рельефна,
относятся пронизанные испанской интонационностью симфонические гравюры
Дон_-Кихот_ (1960, по М. Сервантесу) - цикл из восьми пьес, в последовании
которых вырисовывается трагически прекрасный образ Рыцаря печального образа;
Соната для скрипки и фортепиано (1960), посвященная памяти наставника
детских лет, замечательного музыканта В. Козлова (на его звуковой анаграмме
строится финал произведения - драматичная пассакалия); 6 последних пьес из
цикла 24 _прелюдии для фортепиано_ (1951-63).
Народно-национальная стилистика с большим искусством синтезирована с
классицистской в _Третьей симфонии для камерного оркестра_ (1964) - одном из
первых крупных произведений советской музыки, созданных методом серийной
техники.
Тема симфонии - размышления человека _о времени и о себе_ - многогранно
преломлена в энергии действия первой части, в радужной звончатости ашугских
попевок второй, в философском раздумье Andante, в просветленности коды,
рассеивающей недобрую иронию финальной фуги.
Применение разнородных музыкальных моделей (заимствованных из XVII в. и
современных, связанных с манерой _биг-бит_) определило драматургию мюзикла
_Неистовый гасконец_ (1974, по _Сирано де Бержераку_ Э. Ростана) о
знаменитом французском поэте-вольнодумце. К творческим вершинам Караева
относятся также исполненный высокой человечности Концерт для скрипки с
оркестром (1967, посвящ. Л. Когану) и цикл _12 фуг для фортепиано_ -
последнее сочинение композитора (1982), образец глубокой философской мысли и
блестящего полифонического мастерства.
Музыка советского мастера звучит во многих странах мира.
Художественно-эстетические принципы Караева - композитора и педагога (многие
годы он был профессором Азербайджанской государственной консерватории)
сыграли огромную роль в формировании современной композиторской школы
Азербайджана, насчитывающей несколько поколений и богатой творческими
индивидуальностями. Его творчество, органично переплавившее традиции
национальной культуры и достижения мирового искусства в новое, своеобразное
качество, расширило выразительные границы азербайджанской музыки. /А.
Бретаницкая/
КЕРУБИНИ (Cherubini) Луиджи (Мария Карло Зенобио Сальваторе) (14 IX
1760, Флоренция - 13 III 1842, Париж)
В 1818 г. Л. Бетховен, отвечая на вопрос, кто ныне является величайшим
композитором (исключая самого Бетховена), сказал: _Керубини_.
_Выдающимся человеком_ назвал итальянского маэстро Дж. Верди.
Керубиниевскими произведениями восхищались Р. Шуман и Р. Вагнер. Брамс
испытывал сильное влечение к музыке Керубини, называл оперу _Медея
прекрасным произведением_, которое его необычайно захватило. Ему отдавали
должное Ф. Лист и Г. Берлиоз - великие художники, у которых, правда,
сложились не лучшие личные отношения с Керубини: первому (как иностранцу)
Керубини (как директор) не позволил обучаться в Парижской консерватории,
второго он хоть и принял в ее стены, но сильно невзлюбил.
Начальное музыкальное образование Керубини получил под руководством
отца, Бартоломео Керубини, а также - Б. и А. Феличи, П. Биццари, Дж.
Каструччи. Свое обучение Керубини продолжил в Болонье у Дж. Сарти -
известнейшего композитора, педагога, автора музыкально-теоретических работ.
В общении с большим художником молодой композитор постигает сложное
искусство контрапункта (многоголосного полифонического письма). Постепенно и
в совершенстве овладев им, он приобщается к живой практике: осваивает
церковные жанры мессы, литании, мотета, а также наиболее престижные светские
жанры аристократической оперы-seria и широко бытующей на городских оперных
сценах и подмостках оперы-buffa. Заказы приходят из итальянских городов
(Ливорно, Флоренция, Рим, Венеция. Мантуя, Турин), из Лондона - здесь
Керубини служит придворным композитором в 1784-86 гг. Более широкое
европейское признание талант музыканта получил в Париже, где Керубини
обосновался в 1788 г.
С Францией связан весь его дальнейший жизненный и творческий путь.
Керубини - видный деятель Великой французской революции, с его именем
связано рождение Парижской консерватории (1795). Ее организации и
совершенствованию музыкант отдал много энергии и таланта: вначале как
инспектор, затем - профессор и, наконец, - директор (1821-41). Среди его
учеников - крупные оперные композиторы Ф. Обер и Ф. Галеви. Керубини оставил
несколько научно-методических трудов; это способствовало становлению и
укреплению авторитета консерватории, ставшей со временем образцом
профессионального обучения для более молодых консерваторий Европы.
Керубини оставил богатое музыкальное наследие. Он не только отдал дань
практически всем современным ему музыкальным жанрам, но и активно
способствовал формированию новых.
В 1790-е гг. вместе со своими современниками - Ф. Госсеком, Э. Мегюлем,
И. Плейелем, Ж. Лесюэром, А. Жаденом, А. Бертоном, Б. Сарретом - композитор
создает гимны и песни, марши, пьесы для торжественных шествий, празднеств,
траурных церемоний Революции (_Республиканская песнь, Гимн братства, Гимн
Пантеону_ и др.).
Однако главное творческое достижение композитора, определившее место
художника в истории музыкальной культуры, связано с оперным театром. Оперы
Керубини 1790-х гг. и первых десятилетий XIX в. суммируют наиболее яркие
черты итальянской оперы-seria, французской лирической трагедии
(разновидности пышного придворного музыкального спектакля), французской
комической оперы и новейшей музыкальной драмы реформатора оперного театра К.
В. Глюка. Они провозглашают рождение нового оперного жанра: _оперы спасения_
- остросюжетного спектакля, прославляющего борьбу с насилием и тиранией за
свободу и справедливость.
Именно оперы Керубини помогли Бетховену в выборе главной темы и сюжета
его единственной и знаменитой оперы _Фиделио_, в ее музыкальном воплощении.
Их черты мы узнаем в опере Г. Спонтини _Весталка_, обозначившей начало эпохи
большой романтической оперы. Как называются эти произведения? _Лодоиска_
(1791), _Элиза_ (1794), _Два дня_ (или _Водовоз_, 1800). Не менее известны
сегодня _Медея_ (1797), _Фаниска_ (1806), _Абенсераги_ (1813), персонажи и
музыкальные образы которых напоминают нам многое из опер, песен и
инструментальных произведений К. М. Вебера, Ф. Шуберта, Ф. Мендельсона.
Музыка Керубини обладала в XIX в. большой притягательной силой, о чем
свидетельствует и живой интерес к ней русских музыкантов: М. Глинки, А.
Серова, А. Рубинштейна, В. Одоевского. Автор свыше 30 опер, 6 квартетов,
симфонии, 77 романсов, 2 реквиемов (один из них - до-минорный - исполнялся
на похоронах Бетховена, который видел в этом сочинении единственно возможный
образец для подражания), 11 месс, мотетов, антифонов и других произведений,
Керубини не забыт и в XX столетии. Его музыку исполняют на лучших оперных
сценах и эстрадах, записывают на грампластинки. /С. Рыцарев/
КОДАЙ (Kodaly) Золтан (16 XII 1882, Кечкемет - 6 III 1967, Будапешт)
Его искусство занимает в современной музыке особое место благодаря
особенностям, связывающим его с наиболее характерными поэтическими
проявлениями венгерской души: героической лирике, восточному богатству
фантазии, сжатости и дисциплинированности выражения, а больше всего
благодаря буйному цветению мелодий.
Б. Сабольчи
З. Кодай - выдающийся венгерский композитор и
музыковед-фольклористглубоко связал свою творческую и
музыкально-общественную деятельность с исторической судьбой венгерского
народа, с борьбой за развитие национальной культуры. Многолетняя
плодотворная и разносторонняя деятельность Кодая имела огромное значение для
становления современной венгерской композиторской школы. Как и Б. Барток,
Кодай создал свой композиторский стиль на основе творческого претворения
наиболее характерных и жизнеспособных традиций венгерского крестьянского
фольклора в сочетании с современными средствами музыкальной выразительности.
Кодай начал заниматься музыкой под руководством матери, участвовал в
традиционных семейных музыкальных вечерах. В 1904 г. он окончил Будапештскую
музыкальную академию с дипломом композитора. Кодай получил также
университетское образование (литература, эстетика, языкознание). С 1905 г.
он начал собирать и изучать венгерские народные песни. Знакомство с Бартоком
перешло в крепкую многолетнюю дружбу и творческое сотрудничество в сфере
научной фольклористики. Завершив образование, Кодай отправился в Берлин и
Париж (1906-07), где изучал западноевропейскую музыкальную культуру. В
1907-19 гг. Кодай - профессор Будапештской музыкальной академии (класс
теории, композиции). В эти годы его деятельность развертывается во многих
областях: он пишет музыку; продолжает систематическое собирание и
исследование венгерского крестьянского фольклора, выступает в печати как
музыковед и критик, активно участвует в музыкально-общественной жизни
страны. В сочинениях Кодая 1910-х гг. - фортепианных и вокальных циклах,
квартетах, камерно-инструментальных ансамблях - органично сочетаются
традиции классической музыки, творческое претворение особенностей
венгерского крестьянского фольклора и современные новации в области
музыкального языка. Его произведения получают противоречивые оценки критики
и музыкальной общественности Венгрии. Консервативная часть слушателей и
критиков видит в Кодае только ниспровергателя традиций. дерзкого
экспериментатора и лишь немногие дальновидные музыканты связывают с его
именем будущее новой венгерской композиторской школы.
В период образования Венгерской республики (1919) Кодай был
заместителем директора Государственной высшей школы музыкального искусства
им. Ф. Листа (так была переименована музыкальная академия); вместе с
Бартоком и Э. Донаньи он вошел в состав музыкальной Директории, ставившей
своей целью преобразование музыкальной жизни страны. За эту деятельность при
хортистском режиме Кодай подвергся гонениям и был на 2 года отстранен от
работы в школе (он вновь преподавал композицию в 1921-40 гг.). 20-30-е гг. -
период расцвета творчества Кодая, он создает произведения, принесшие ему
мировую известность и признание: _Венгерский псалом_ для хора, оркестра и
солиста (1923); оперу _Секейская прядильня) (1924, 2-я ред. 1932);
героико-комическую оперу _Хари Янош_ (1926). _Те Deum Будайской крепости_
для солистов, хора, органа и оркестра (1936); Концерт для оркестра (1939);
_Танцы из Марошсека_ (1930) и _Танцы из Таланты_ (1939) для оркестра и др.
Одновременно Кодай продолжал активную научно-исследовательскую деятельность
в области фольклористики. Он разработал свой метод массового музыкального
просвещения и воспитания, основой которого стало постижение народной музыки
с самых ранних лет, впитывание ее как родного музыкального языка. Метод
Кодая получил широкое признание и развитие не только в Венгрии, но и во
многих других странах. Его перу принадлежит 200 книг, статей, методических
пособий, в том числе монография _Венгерская народная музыка_ (1937,
переведена на русск. яз.). Кодай был также президентом Международного совета
по народной музыке (1963-67).
В течение долгих лет Кодай сохранял творческую активность. Среди его
сочинений послевоенного периода получили известность опера _Цинка Панна_
(1948), Симфония (1961), кантата _Каллаи Кеттеш_ (1950). Кодай выступал
также в качестве дирижера с исполнением собственных произведений. Он побывал
во многих странах, дважды приезжал в СССР (1947, 1963).
Характеризуя творчество Кодая, его друг и соратник Бела Барток писал:
_Эти сочинения - исповедь венгерской души. Внешне это объясняется тем, что
творчество Кодая уходит своими корнями исключительно в венгерскую народную
музыку. Внутренняя же причина - безграничная вера Кодая в творческую силу
своего народа и его будущее_. /А. Малинковская/
КОЗЛОВСКИЙ Осип (Юзеф) Антонович (1757, Варшава - 11 III 1831,
Петербург)
28 апреля 1791 г. в великолепный Таврический дворец князя Потемкина в