Бычков М.Н. Популярный справочник. Творческие портреты композиторов
Подождите немного. Документ загружается.
деятельностью. Основы музыкального воспитания заложил отец будущего
композитора - академик А. Жубанов, один из основоположников казахской
советской музыки. Формирование самостоятельного музыкального мышления
произошло в студенческие и аспирантские годы (училище им. Гнесиных, 1945-49
и Московская консерватория, 1949-57). Напряженные творческие опыты вылились
в скрипичный Концерт (1958), который открыл первую страницу истории этого
жанра в республике. Сочинение показательно тем, что в нем ярко проявилась
концепция всего последующего творчества: отклик на извечные вопросы бытия,
жизнь духа, преломленные сквозь призму современного музыкального языка в
органичном сочетании с художественным переосмыслением традиционного
музыкального наследия.
Жанровый спектр творчества Жубановой многообразен. Ею созданы 3 оперы,
4 балета, 3 симфонии, 3 концерта, 6 ораторий, 5 кантат, свыше 30
произведений камерной музыки, песенные и хоровые сочинения, музыка к
спектаклям и кинофильмам. Большинству из этих опусов присущи философская
глубина и поэтическое осмысление мира, который в сознании композитора не
ограничен пространственно-временными рамками. Художественная мысль автора
обращается как в глубь времен, так и к актуальным проблемам современности.
Вклад Жубановой в современную казахскую культуру огромен. Она не только
использует или продолжает сложившуюся в течение многих веков национальную
музыкальную традицию своего народа, но и сама существенно влияет на
формирование ее новых признаков, адекватных этническому сознанию казахов
конца XX в.; сознанию, не замкнутому в своем Пространстве, а включенному в
общечеловеческий мировой Космос.
Поэтический мир Жубановой - это мир Социума и мир Этоса, с его
противоречиями и ценностями. Таковы обобщенно-эпический струнный Квартет
(1973); Вторая симфония с ее противостоянием двух антимиров - красоты
человеческого _Я_ и социальных бурь (1983); фортепианное Трио _Памяти Юрия
Шапорина_, где образы Учителя и художественного _Я_ построены на ярком
психологическом параллелизме (1985).
Будучи глубоко национальным композитором, Жубанова сказала свое слово
большого мастера в таких сочинениях, как симфоническая поэма _Аксак-Кулан_
(1954), оперы _Енлик и Кебек_ (по одноим. драме М. Ауэзова, 1975) и
_Курмангазы_ (1986), симфония _Жигер_ (_Энергия_, памяти отца, 1973),
оратория _Письмо Татьяны_ (на ст. и песни Абая, 1983), кантата _Сказ о
Мухтаре Ауэзове_ (1965), балет _Карагоз_ (1987) и др. Помимо плодотворного
диалога с традиционной культурой, композитор представила яркие образцы
обращения к современной тематике с ее трагическими и незабываемыми
страницами: камерно-инструментальная поэма _Толгау_ (1973) посвящена памяти
Алии Молдагуловой; опера _Двадцать восемь_ (_За нами Москва_) - подвигу
панфиловцев (1981); в балетах _Акканат_ (_Легенда о белой птице_, 1966) и
_Хиросима_ (1966) выражена боль трагедии японского народа. Духовная
сопричастность нашей эпохе с ее катаклизмами и величием идей отразилась в
трилогии о В. И. Ленине - оратория _Ленин_ (1969) и кантаты _Аральская быль_
(_Письмо Ленина_, 1978), _Ленин с нами_ (1970).
Жубанова успешно сочетает творческую работу с активной общественной и
педагогической деятельностью. Будучи ректором АлмаАтинской консерватории
(1975-87), она много сил отдала воспитанию современной плеяды талантливых
казахских композиторов, музыковедов, исполнителей. В течение многих лет
Жубанова является членом правления Комитета советских женщин, а в 1988 г.
избрана членом Советского фонда милосердия.
Широта проблем, которая проявляется в творчестве Жубановой, находит
отражение и в сфере ее научных интересов: в публикациях статей и очерков, в
выступлениях на всесоюзных и международных симпозиумах в Москве, Самарканде,
Италии, Японии и др. И все же главным для нее является вопрос о путях
дальнейшего развития культуры Казахстана. _Истинная традиция живет в
развитии_, - в этих словах выражена и гражданская, и творческая позиция
Газизы Жубановой, человека с удивительно добрым взглядом и в жизни, и в
музыке. /С. Амангильдина/
ЗАРИНЬ Маргер Оттович (р. 24 V 1910 - Яунпиебалга)
_Мы можем гордиться, что принадлежим к самой прогрессивной, самой
могучей музыкальной семье в мире, что мы тесно сблизились с народом_, -
считает выдающийся латышский композитор М. Заринь. Страстная любовь к
Родине, к своему народу пронизывает все его творчество, известное в нашей
стране и за рубежом.
Среди основных произведений композитора 7 опер, 10
вокально-симфонических и вокально-инструментальных произведений, 12
инструментальных концертов, 23 кантаты и хора, музыка к более 50 спектаклям
и 20 кинофильмам.
Заринь рос в музыкальной семье. Его отец (сельский учитель) был хорошим
органистом. Мать пела в хоре Рижского оперного театра, часто выступала
солисткой в концертах. Неудивительно, что с ранних лет мальчик горячо
полюбил музыку.
Его первым учителем по органу и фортепиано был отец. Благодаря своим
выдающимся способностям и завидному трудолюбию в 13 лет Маргер становится
студентом Рижской консерватории по классу фортепиано. Однако вскоре он
должен был прекратить занятия и вернуться домой: семья не имела средств для
его обучения в Риге. В 1929 г. Маргер окончил педагогический институт в
Елгаве и, получив диплом школьного учителя, снова приехал в Ригу. Работая в
вечерней школе, он в то же время занимался в консерватории по трем
специальностям: композиции (в классе Я. Витолса), органа и фортепиано.
Первое произведение Зариня - хоровая песня _Радость_ на собственные
стихи - была премирована на конкурсе Праздника песни. За ней последовали
другие песни и кантаты, также имевшие большой успех. _В молодости я очень
увлекался музыкальным импрессионизмом. Дебюсси, Равель были моими,
кумирами_, - говорил Заринь. - _Занимаясь же в классе фортепиано, я
благоговел перед Бахом. Думаю, эти пристрастия отражаются в моем творчестве
до сих пор_.
Новым, важным этапом в жизни Зариня стал 1940 г., когда после
восстановления Советской власти Латвия вошла в состав братских республик
нашей страны. Зариня пригласили в качестве музыкального руководителя и
дирижера в Рижский Художественный театр Дайлес. Маргер безмерно счастлив!
Ведь теперь он работает рядом с художественным руководителем театра Э.
Смильгисом, вписавшим неповторимую страницу в историю латышской культуры.
Смильгис учил Зариня искать новые средства выражения, воспитывать в себе
чувство формы, постоянно обогащать свою музыкальную мысль. _Театр, его
волнующую атмосферу люблю с юных лет_, - вспоминает композитор, - _годами
стараюсь постичь специфику этого удивительного вида искусства_. За 10 лет
работы в театре Дайлес Заринь написал музыку к спектаклям _Ромео и
Джульетта, Много шума из ничего, Двенадцатая ночь_ В. Шекспира; _Мария
Стюарт_ Ф. Шиллера; _Дубровский_ А. Пушкина; _Анна Каренина_ Л. Толстого; к
пьесам А. Н. Островского, М. Горького, Вс. Иванова, Н. Погодина, К. Тренева,
Б. Лавренева. Но особо следует выделить спектакли латышской классики и
только что зарождавшейся латышской советской драматургии с музыкой Зариня:
_Золотой конь, Огонь и ночь_ Я. Райниса, _Проделки Трины_ Р. Блауманиса,
_1905 год_ и _Спартак_ А. Упита.
В полную силу музыкально-театральный талант Зариня раскрылся в оперном
творчестве: ..._Мне ближе всего героико-эпический оперный жанр, раскрывающий
такие моменты истории, когда общественные и личные конфликты разрешались
наиболее драматично_. 20 июня 1955 г. с большим успехом прошла премьера его
оперы _К новому берегу_ (либр. Ф. Рокпельниса по роману В. Лациса), ставшей
первой советской латышской оперой. Это сочинение выдержано в классических
традициях большой оперы; в нем национально яркие латышские элементы
лирической, массовой, народной песенности тонко сочетаются с традиционным
оперным стилем.
В ином ключе написана _Опера нищих_ (1964, либр. собств. по рассказу Ж.
Гривы _В тени голубой мечети_). В либретто включены стихи Н. Хикмета и О.
Хайяма. События развертываются в Стамбуле: тема борьбы против империализма
удачно переплетается с колоритными жанровыми эпизодами и лирическими
зарисовками из жизни простых людей Турции. В опере использованы
драматургические приемы музыкального, драматического театров и кино.
По-своему оригинальна сатирическая опера-балет Зариня _Чудо Святого
Маврикия_ (либр, собств.). Произведение было написано в 1964 г., однако его
премьера состоялась лишь в 1974 г. Сюжет заимствован из истории Риги XVI в.
Значительный интерес представляет _Опера на площади_, посвященная
100-летию со дня рождения В. И. Ленина (по мотивам поэм В. Маяковского и
документальным рассказам Дж. Рида). Это сочинение синтезирует черты оперы,
оратории и грандиозного массового действа. В нем занят огромный состав
исполнителей: 7 хоров, 10 солистов и большой симфонический оркестр. _Я
поставил своей целью в этом произведении говорить с аудиторией очень
демократическим языком, так как адресат мой на этот раз - широкие массы
слушателей, собранные не в театре, а под небесным сводом... В своей музыке я
стремился опираться на интонационную основу советской массовой песни с ее
характерными фанфарными линиями-мотивами, эмоционально-приподнятыми и
одновременно очень простыми, лапидарными_. Театральное мышление Зариня
получило яркое выражение в его ораториях: _Герои Валмиеры_ (1950), _Борьба с
Чертовым болотом_ (1951), _Махагони_ (1965).
_Махагони_ (либр. А. Круклиса) повествует о судьбах конголезского
народа, столетиями томившегося под игом иноземцев, о самоотверженной борьбе
за свободу своего народа и трагической гибели П. Лумумбы, о могучей силе
пробуждающейся Африки. Литературной основой оратории послужили стихи
известного негритянского поэта Л. Хьюза. Музыка, проникнутая национальным
колоритом, захватывает драматизмом и напряженностью развития. Одна из
наиболее впечатляющих страниц оратории - плач по П. Лумумбе, обреченном на
смерть. Финал этого величественного произведения исполнен огромной
жизнеутверждающей силы.
Богатством содержания и красочностью музыкального языка отмечены
вокальные циклы Зариня: _Советская женщина в борьбе за мир_ (1951, ст.
латышских советских поэтов), _Серебристый свет_ (1952, ст. Я. Райниса),
_Четыре японские миниатюры_ (1963, ст. М. Басе), _Песни на слова Я. Порука_
(1971) и др.
Заринь неоднократно обращался и к сочинениям других жанров - к
инструментальным концертам, фортепианным миниатюрам, сочинениям для органа,
к киномузыке. Из кинофильмов с его музыкой наиболее значительны _Эдгар и
Кристина, Времена землемеров, В тени смерти, Афера Цеплиса_.
Начиная с 70-х гг. член Союза писателей Латвии, Заринь активно работает
и на литературном поприще: ..._свою работу литератора считаю продолжением
деятельности композитора, ибо в моем творчестве - как в литературном, так и
в музыке - есть общие принципы. В последние годы моя писательская и
композиторская работа как бы слились в одно целое_. По словам композитора, в
его литературных сочинениях очень много из собственной биографии, из
биографии его поколения. В основном он пишет о музыке и музыкантах. Первый
рассказ он посвятил Ж. Оффенбаху. Среди литературных сочинений Зариня -
рассказы, эссе, новеллы. Оригинальны его романы _Лже-Фауст, Мистерии и
хеппенинги, Чудесные приключения старого Тайзеля, Календарь капельмейстера
Коциня_, композитор написал интереснейшие воспоминания _Оптимистическая
энциклопедия жизни_.
Жизнь Зариня наполнена постоянным творческим трудом: _Ужасен день, в
котором нет значительных моментов, - впустую прожитые часы. С годами все
яснее сознаешь, как страшно дорого время_. /М. Комиссарская/
ИВАНОВ Янис Андреевич (9 X 1906, Прейли - 27 III 1983, Рига)
Среди основоположников советского симфонизма одно из видных мест по
праву занимает Я. Иванов. С его именем связано становление и расцвет
латышской симфонии, которой он отдал почти всю свою творческую жизнь, -
Первая возникла в 1936 г., последнюю - Двадцать первую - композитор не успел
завершить. Наследие Иванова жанрово разнообразно: наряду с симфониями им
создано несколько программно-симфонических произведений (поэмы, увертюры и
др.), 3 концерта, 2 поэмы для хора с оркестром, ряд камерных ансамблей (в т.
ч. 3 струнных квартета, фортепианное Трио), сочинения для фортепиано
(сонаты, вариации, цикл _Двадцать четыре эскиза_), песни, киномузыка. Но
именно в симфонии Иванов высказался ярче и полнее всего. В этом смысле
творческая личность композитора очень близка Н. Мясковскому. Талант Иванова
развивался длительно, постепенно совершенствуясь и открывая все новые грани.
Художественные принципы сложились на основе классических европейских и
русских традиций, обогащенных национальным своеобразием, опорой на латышский
фольклор.
В сердце композитора навсегда запечатлелась родная Латгалия, край
голубых озер, где он родился в крестьянской семье. Образы Родины позднее
ожили в Шестой (_Латгальской_) симфонии (1949), одной из лучших в его
наследии. В юные годы Иванов был вынужден пойти в батраки, но благодаря
упорному труду и целеустремленности сумел поступить в Рижскую консерваторию,
которую окончил, в 1933 г. по классу композиции у Я. Витолса и по классу
дирижирования у Г. Шнефогта. Много сил композитор отдал просветительской и
педагогической деятельности. Почти 30 лет (до 1961) он работал на радио, в
послевоенное время возглавлял руководство музыкальным вещанием республики.
Неоценим вклад Иванова в воспитание композиторской молодежи Латвии. Из его
консерваторского класса, который он вел с 1944 г., вышло немало крупных
мастеров латышской музыки: среди них Ю. Карлсоне, О. Гравитис, Р. Паулс и
др.
Весь жизненный путь Иванова определялся пафосом творчества, где
ведущими вехами становились его симфонии. Подобно симфониям Д. Шостаковича,
их можно назвать _летописью эпохи_. Нередко композитор вводит в них элементы
программности - дает подробные пояснения (Шестая), заголовки к циклу или его
частям (Четвертая, _Атлантида_ - 1941; Двенадцатая, _Sinfonia energica_
-1967; Тринадцатая, _Symphonia humana_ - 1969), варьирует жанровый облик
симфонии (Четырнадцатая, _Sinfonia da camera_ для струнных - 1971;
Тринадцатая, на ст. З. Пурвса, с участием чтеца и т. п.), обновляет ее
внутреннюю структуру. Своеобразие творческого почерка Иванова во многом
определяет его широкий мелодизм, истоки которого лежат в латышской народной
песне, но близки и славянской песенности.
Симфонизм латышского мастера многогранен: как и у Мясковского, он
объединяет обе ветви русской симфонии - эпическую и драматическую. В ранний
период в сочинениях Иванова преобладает эпическая картинность, лирическая
жанровость, со временем его стиль все больше обогащается конфликтностью,
драматизмом, достигая в конце пути высокой простоты и мудрой философичности.
Мир музыки Иванова богат и разнообразен: здесь - картины природы, бытовые
зарисовки, лирика и трагедийность. Подлинный сын своего народа, композитор
всей душой откликался на его горе и радости. Одно из важнейших мест в
творчестве композитора занимает гражданская тема. Уже в 1941 г. он первым в
Латвии откликнулся на события войны симфонией-аллегорией _Атлантида_, а
позже углубил эту тему в Пятой (1945) и особенно в Девятой (1960) симфониях.
Первооткрывателем Иванов стал и в раскрытии ленинской темы, посвятив
100-летнему юбилею вождя Тринадцатую симфонию. Композитору всегда было
присуще чувство долга, высокой ответственности за судьбу своего народа,
которому он верно служил не только творчеством, но и своей общественной
деятельностью. Когда 3 мая 1984 г. в Риге прозвучала завершенная учеником
Иванова Ю. Карлсонсом Двадцать первая симфония композитора, она была
воспринята как завещание большого художника, его последний _искренний
рассказ о времени и о себе_. /Г. Жданова/
ИЗАИ (Ysaye) Эжен (16 VII 1858, Льеж - 12 V 1931, Брюссель)
Искусство - результат совершенного сочетания мыслей и чувств.
Э. Изаи
Э. Изаи был последним наряду с Ф. Клейслером виртуозом-композитором,
продолжавшим и развивавшим традиции романтического искусства выдающихся
скрипачей XIX в. Огромный масштаб мыслей и чувств, богатство фантазии,
импровизационная свобода выражения, виртуозное мастерство выдвинули Изаи в
число выдающихся интерпретаторов, определили самобытный характер его
исполнительского и композиторского творчества. Его вдохновенные
интерпретации во многом помогли популярности творчества С. Франка, К.
Сен-Санса, Г. Форе, Э. Шоссона.
Изаи родился в семье скрипача, который стал обучать сына в 4 года.
Семилетний мальчик уже играл в театральном оркестре и одновременно обучался
в Льежокой консерватории у Р. Массара, затем в Брюссельской у Г. Венявского
и А. Вьетана. Путь Изаи на концертную эстраду оказался нелегким. Вплоть до
1882г. он продолжал работать в оркестрах - был концертмейстером берлинского
оркестра Бильзе, выступления которого проходили в кафе. Лишь по настоянию А.
Рубинштейна, которого Изаи называл _своим истинным учителем интерпретации_,
он уходит из оркестра и принимает участие в совместном с Рубинштейном турне
по Скандинавии, что и определило его карьеру одного из лучших скрипачей
мира.
В Париже исполнительское искусство Изаи вызывает всеобщее восхищение,
как и первые сочинения, среди которых _Элегическая поэма_. Франк посвящает
ему свою знаменитую скрипичную Сонату, Сен-Санс - Квартет, Форе -
фортепианный Квинтет, Дебюсси - Квартет и скрипичный вариант _Ноктюрнов_.
Под влиянием _Элегической поэмы_ для Изаи создает _Поэму_ Шоссон. В 1886 г.
Изаи поселяется в Брюсселе. Здесь он создает квартет, ставший одним из
лучших в Европе, организует симфонические концерты (получившие название
_Концерты Изаи_), где выступают лучшие исполнители, преподает в
консерватории.
Более 40 лет продолжалась концертная деятельность Изаи. С огромным
успехом он выступает не только как скрипач, но и как выдающийся дирижер,
особенно прославившийся исполнением сочинений Л. Бетховена, французских
композиторов. В Covent Garden он дирижирует _Фиделио_ Бетховена, в 1918-22
гг. становится главным дирижером оркестра в Цинциннати (США).
Вследствие диабета и болезни рук Изаи сокращает свои выступления.
Последний раз он играет в Мадриде в 1927 г. концерт Бетховена под
управлением П. Казальса, дирижирует _Героической симфонией_ и тройным
Концертом в исполнении А. Корто, Ж. Тибо и Казальса. В 1930 г. состоялось
последнее выступление Изаи. На протезе после ампутации ноги он дирижирует в
Брюсселе оркестром из 500 человек на торжествах, посвященных 100-летию
независимости страны. Уже тяжело больной Изаи в начале следующего года
слушает исполнение своей оперы _Пьер-рудокоп_, незадолго до того оконченной.
Вскоре он скончался. Изаи принадлежит свыше 30 инструментальных сочинений,
написанных, по большей части, для скрипки. Среди них 8 поэм - один из
наиболее близких его стилю исполнения жанров. Это одночастные сочинения,
импровизационного характера, близкие импрессионистической манере
высказывания. Наряду с широко известной _Элегической поэмой_ популярны
_Сцена у прялки, Зимняя песня, Экстаз_, имеющие программный характер.
Наиболее новаторскими сочинениями Изаи являются его Шесть сонат для
скрипки solo, также программного характера. Изаи принадлежат также
многочисленные пьесы, в т. ч. мазурки и полонезы, созданные под влиянием
творчества его учителя Г. Венявского, Соната для виолончели solo, каденции,
многочисленные транскрипция, а также оркестровое сочинение _Вечерние
гармонии_ с солирующим квартетом.
Изаи вошел в историю музыкального искусства как артист, вся жизнь
которого была отдана любимому делу. Как писал Казальс, _имя Эжена Изаи
всегда будет для нас означать самый чистый, самый прекрасный идеал артиста_.
/В. Григорьев/
ИППОЛИТОВ-ИВАНОВ (наст. фам. Иванов) Михаил Михайлович (19 XI 1859,
Гатчина - 28 I 1935, Москва)
Когда думаешь о советских композиторах старшего поколения, к которым
принадлежал М. Ипполитов-Иванов, невольно поражаешься многогранности их
творческой деятельности. И Н. Мясковский, и Р. Глиэр, и М. Гнесин, и
Ипполитов-Иванов активно проявили себя в различных областях в первые годы
после Великой Октябрьской социалистической революции.
Великий Октябрь Ипполитов-Иванов встретил зрелым, сформировавшимся
человеком и музыкантом. К этому времени он - создатель пяти опер, ряда
симфонических произведений, среди которых широкую известность приобрели
_Кавказские эскизы_, а также - автор интересных хоров и романсов, нашедших
прекрасных исполнителей в лице Ф. Шаляпина, А. Неждановой, Н. Калининой, В.
Петровой-Званцевой и др. Творческий путь Ипполитова-Иванова начался в 1882
г. в Тифлисе, куда он приехал после окончания Петербургской консерватории
(класс композиции Н. Римского-Корсакова) для организации Тифлисского
отделения РМО. В эти годы молодой композитор много сил отдает работе (он -
директор оперного театра), преподает в музыкальном училище, создает свои
первые произведения. В первых композиторских опытах Ипполитова-Иванова
(оперы _Руфь, Азра; Кавказские эскизы_) уже проявились черты, характерные
для его стиля в целом: мелодическая напевность, лиризм, тяготение к малым
формам. Удивительная красота Грузии, народные обряды восхищают русского
музыканта. Он увлекается грузинским фольклором, записывает в Кахетии в 1883
г. народные мелодии, изучает их.
В 1893 г. Ипполитов-Иванов становится профессором Московской
консерватории, где в разные годы у него по композиции занимаются многие, в
будущем известные музыканты (С. Василенко, Р. Глиэр, Н. Голованов, А.
Гольденвейзер, Л. Николаев, Ю. Энгель и др.). Рубеж XIX-XX вв. ознаменовался
для Ипполитова-Иванова началом работы в качестве дирижера Московской русской
частной оперы. На сцене этого театра благодаря чуткости и музыкальности
Ипполитова-Иванова были _реабилитированы_ оперы П. Чайковского _Чародейка,
Мазепа, Черевички_, не имевшие успеха в постановках Большого театра. Он
осуществил и первые постановки опер Римского-Корсакова (_Царская невеста,
Сказка о царе Салтане, Кащей бессмертный_).
В 1906 г. Ипполитов-Иванов становится первым выборным директором
Московской консерватории. В предреволюционное десятилетие развертывается
деятельность Ипполитова-Иванова - дирижера симфонических собраний РМО и
концертов Русского хорового общества, венцом которой явилось первое
исполнение в Москве 9 марта 1913 г. _Страстей по Матфею_ И. С. Баха. Круг
его интересов в советский период необычайно широк. В 1918 г.
Ипполитова-Иванова избирают первым советским ректором Московской
консерватории. Он дважды выезжает в Тифлис для реорганизации Тифлисской
консерватории, является дирижером Большого театра в Москве, ведет оперный
класс в Московской консерватории, много времени отдает работе с
самодеятельными коллективами. В эти же годы Ипполитов-Иванов создает
знаменитый _Ворошиловский марш_, обращается к творческому наследию М.
Мусоргского - инструментует сцену у Василия Блаженного (_Борис Годунов_),
заканчивает _Женитьбу_; сочиняет оперу _Последняя баррикада_ (сюжет из
времен Парижской коммуны).
Среди произведений последних лет - 3 симфонические сюиты на темы
народов Советского Востока: _Тюркские фрагменты, В степях Туркменистана,
Музыкальные картинки Узбекистана_. Многогранная деятельность
Ипполитова-Иванова представляет поучительный пример бескорыстного служения
отечественной музыкальной культуре. /Н. Соколов/
КАБАЛЕВСКИЙ Дмитрий Борисович (30 XII 1904, Петербург - 14 II 1987,
Москва)
Есть личности, влияние которых на жизнь общества выходит далеко за
пределы их чисто профессиональной деятельности. Таким был Д. Кабалевский -
классик советской музыки, крупный общественный деятель, выдающийся
просветитель и педагог. Чтобы представить широту композиторского горизонта и
масштаб дарования Кабалевского, достаточно назвать такие его произведения,
как оперы _Семья Тараса_ и _Кола Брюньон_; Вторая симфония (любимое
сочинение великого дирижера А. Тосканини); сонаты и 24 прелюдии для
фортепиано (входившие в репертуар крупнейших пианистов современности);
Реквием на стихи Р. Рождественского (прозвучавший на концертных площадках
многих стран мира); знаменитая триада _молодежных_ концертов (Скрипичный,
Виолончельный, Третий фортепианный); кантата _Песня утра, весны и мира;
Серенада Дон-Кихота_; песни _Наш край, Школьные годы_...
Музыкальное дарование будущего композитора проявилось довольно поздно.
В 8 лет Митю начали учить игре на фортепиано, однако скоро он взбунтовался
против скучных упражнений, которые его заставляли играть, и был освобожден
от занятий... до 14 лет! И лишь потом, можно сказать, на волне новой жизни -
свершился Октябрь! - у него возник прилив любви к музыке и необыкновенный
взрыв творческой энергии: за 6 лет юный Кабалевский сумел закончить
музыкальную школу, училище и поступить в Московскую консерваторию сразу на 2
факультета - композиторский и фортепианный.
Кабалевский сочинял почти во всех жанрах музыки, им написаны 4
симфонии, 5 опер, оперетта, инструментальные концерты, квартеты, кантаты,
вокальные циклы на стихи В. Шекспира, О. Туманяна, С. Маршака, Е.
Долматовского, музыка к театральным постановкам и кинофильмам, масса
фортепианных пьес и песен. Многие страницы своих сочинений Кабалевский
посвятил молодежной теме. Образы детства и юности органично входят в его
крупные сочинения, часто становясь основными _действующими лицами_ его
музыки, не говоря уже о песнях и фортепианных пьесах, написанных специально
для детей, которые композитор начал сочинять уже в первые годы своей
творческой деятельности. К этому же времени относятся и его первые беседы о
музыке с детьми, получившие в дальнейшем глубокий общественный резонанс.
Начав беседы в пионерском лагере Артек еще до войны, Кабалевский в последние
годы вел их и в московских школах. Они были записаны на радио, выпущены на
пластинках, а Центральное телевидение сделало их достоянием всего народа.
Они воплотились потом в книги _Про трех китов и про многое другое, Как
рассказывать детям о музыке, Ровесники_.
Многие годы Кабалевский выступал в печати и публично против недооценки
эстетического воспитания подрастающего поколения, горячо пропагандировал
опыт энтузиастов массового художественного образования. Он возглавил работу
по эстетическому воспитанию детей и юношества в Союзе композиторов СССР и в
Академии педагогических наук СССР; как депутат Верховного Совета СССР
выступал по этим проблемам на сессиях. Высокий авторитет Кабалевского в
области эстетического образования юных был оценен зарубежной
музыкально-педагогической общественностью, он был избран вице-президентом
Международного общества по музыкальному воспитанию (ISME), а потом стал его
почетным президентом.
Делом всей жизни Кабалевский считал созданную им
музыкально-педагогическую концепцию массового музыкального воспитания и
основанную на ней программу по музыке для общеобразовательной школы, главной
целью которой было увлечь детей музыкой, приблизить к ним это прекрасное
искусство, таящее в себе неизмеримые возможности духовного обогащения
человека. Для проверки своей системы он в 1973 г. стал работать учителем
музыки в 209-й московской средней школе. Семилетний эксперимент, который он
вел одновременно с группой педагогов-единомышленников, работавших в разных
городах страны, блестяще оправдался. По программе Кабалевского ныне работают
школы РСФСР, творчески используют ее в союзных республиках, заинтересовались
ею и зарубежные педагоги.
О. Бальзак сказал: _Недостаточно быть просто человеком, надо быть
системой_. Если автор бессмертной _Человеческой комедии_ имел в виду
единство творческих устремлений человека, подчинение их одной глубокой идее,
воплощение этой идеи всеми силами могучего интеллекта, то Кабалевский,
несомненно, принадлежит к этому типу _людей-систем_. Всей своей жизнью -
музыкой, словом и делом утверждал он истину: прекрасное пробуждает доброе -
сеял это доброе и растил его в душах людей. /Г. Пожидаев/
КАЛИННИКОВ Василий Сергеевич (13 I 1866, с. Воины, ныне Орловской обл.
- 11 I 1901, Ялта)
...На меня повеяло очарованием чего-то родного, очень знакомого...
А. Чехов. Дом с мезонином
В. Калинников, талантливый русский композитор, жил и творил в 80-90-е
гг. XIX в. Это было время высочайшего подъема русской культуры, когда
создавал свои последние шедевры П. Чайковский, одна за другой появлялись
оперы Н. Римского-Корсакова, произведения А. Глазунова, С. Танеева, А.
Лядова, на музыкальном горизонте возникли ранние сочинения С. Рахманинова,
А. Скрябина. Русская литература того времени блистала такими именами, как Л.
Толстой, А. Чехов, И. Бунин, А. Куприн, Л. Андреев, В. Вересаев, М. Горький,
А. Блок, К. Бальмонт, С. Надсон... И в этом могучем потоке зазвучал
скромный, но удивительно поэтичный и чистый голос музыки Калинникова, сразу
полюбившийся и музыкантам, и слушателям, покоривший искренностью,
сердечностью, неизбывно-русской мелодической красотой. _Кольцовым русской
музыки_ назвал Калинникова Б. Асафьев.
Печальная судьба выпала на долю этого композитора, умершего в самом
расцвете творческих сил. _Шестой год борюсь с чахоткой, но она меня
побеждает и медленно, но верно берет верх. А всему виною проклятые деньги! И
болеть-то мне приключилось от тех невозможных условий, в которых приходилось
жить и учиться_.
Калинников родился в бедной многодетной семье станового пристава,
интересы которой резко разнились с нравами захолустной провинции. Вместо
карт, пьянства, сплетен - здоровый повседневный труд и музыка. Любительское
хоровое пение, песенный фольклор Орловской губернии явились первыми
музыкальными университетами будущего композитора, а живописная природа
Орловщины, столь поэтично воспетая И. Тургеневым, питала фантазию и
художественное воображение мальчика. Музыкальными занятиями Василия в
детстве руководил земский врач А. Евланов, преподав ему основы музыкальной
грамоты и научив играть на скрипке.
В 1884 г. Калинников поступил в Московскую консерваторию, но через год
из-за отсутствия средств на оплату учебы перешел в музыкально-драматическое
училище Филармонического общества, где можно было учиться бесплатно в классе
духового инструмента. Калинников выбрал фагот, но главное внимание уделял
урокам гармонии, которые вел С. Кругликов, разносторонне образованный
музыкант. Посещал он также лекции по истории в Московском университете,
выступал в обязательных для учеников училища оперных спектаклях,
филармонических концертах. Приходилось думать и о заработке. Стремясь как-то
облегчить материальное положение семьи, Калинников отказался от денежной
помощи из дому, а чтобы не умереть с голоду, зарабатывал перепиской нот,
грошовыми уроками, игрой в оркестрах. Конечно, уставал, и лишь письма отца
поддерживали его морально. _Погрузись в мир музыкальной науки_, - читаем в
одном из них, - _работай... Знай, что тебе предстоят трудности и неудачи, но
ты не ослабевай, борись с ними... и никогда не отступай_.
Смерть отца в 1888 г. явилась для Калинникова тяжелым ударом. Первые
сочинения - 3 романса - вышли из печати в 1887 г. Один из них, _На старом
кургане_ (на ст. И. Никитина), сразу стал популярным. В 1889 г. состоялись 2
симфонических дебюта: в одном из московских концертов с успехом прозвучало
первое оркестровое сочинение Калинникова - симфоническая картина _Нимфы_ на
сюжет тургеневского _Стихотворения в прозе_, а на традиционном акте в
Филармоническом училище он продирижировал своим Скерцо. С этого момента
оркестровая музыка приобретает для композитора главный интерес. Воспитанный
на песенно-хоровых традициях, до 12 лет не слышавший ни одного инструмента,
Калинников с годами все больше испытывает влечение к симфонической музыке.
Он считал, что _музыка... есть, собственно, язык настроений, то есть тех
состояний нашей души, которые почти невыразимы словом и не поддаются
определенному описанию_. Одно за другим появляются оркестровые произведения:
Сюита (1889), заслужившая одобрение Чайковского; 2 симфонии (1895, 1897),
симфоническая картина _Кедр и пальма_ (1898), оркестровые номера к трагедии
А. К. Толстого _Царь Борис_ (1898). Однако композитор обращается и к другим
жанрам - пишет романсы, хоры, фортепианные пьесы и среди них полюбившуюся
всем _Грустную песенку_. Он принимается за сочинение оперы _В 1812 году_,
заказанную С. Мамонтовым, и завершает пролог к ней.
Композитор вступает в период наивысшего расцвета творческих сил, но
именно в это время начинает прогрессировать открывшийся несколько лет назад
туберкулез. Калинников стойко сопротивляется пожирающему его недугу, рост
духовных сил прямо пропорционален угасанию сил физических. _Вслушайтесь в
музыку Калинникова. Где в ней признак того, что эти полные поэзии звуки
вылились в полном сознании умирающего человека? Ведь нет следа ни стонов, ни
болезни. Это здоровая музыка с начала до конца, музыка искренняя, живая_...
- писал музыкальный критик и друг Калинникова Кругликов. _Солнечная душа_ -
так отзывались о композиторе современники. Его гармоническая, уравновешенная
музыка, кажется, излучает мягкий теплый свет. Особенно замечательна Первая
симфония, вызывающая в памяти вдохновенные страницы чеховской
лирико-пейзажной прозы, тургеневское упоение жизнью, природой, красотой. С
большим трудом с помощью друзей Калинникову удалось добиться исполнения
симфонии, но стоило ей прозвучать впервые в концерте Киевского отделения РМО
в марте 1897 г., как началось ее триумфальное шествие по городам России и
Европы. _Дорогой Василий Сергеевич_! - пишет Калинникову дирижер А.
Виноградский после исполнения симфонии в Вене. - _Симфония Ваша и вчера
одержала блистательную победу. Право, это какая-то триумфальная симфония.
Где бы я ее не играл, всем нравится. А главное, и музыкантам, и толпе_.
Блестящий успех выпал и на долю Второй симфонии, произведения яркого,
жизнеутверждающего, написанного широко, с размахом.
В октябре 1900 г. за 4 месяца до смерти композитора в издательстве
Юргенсона вышли партитура и клавир Первой симфонии, доставив много радости
композитору. Издатель, правда, ничего не заплатил автору. Полученный им
гонорар был мистификацией друзей, которые вместе с Рахманиновым собрали
необходимую сумму по подписке. Калинников вообще несколько последних лет
вынужден был существовать исключительно на пожертвования близких, что для
него, весьма щепетильного в денежных делах, являлось тяжелым испытанием. Но
упоение творчеством, вера в жизнь, любовь к людям как-то поднимали его над
унылой прозой житейских будней. Скромный, стойкий, доброжелательный человек,
лирик и поэт по натуре - таким вошел он в историю нашей музыкальной
культуры. /О Аверьянова/
КАЛЬМАН (Kalman) Имре (24 X 1882, Шиофок, Венгрия - 30 X 1953, Париж)
Я знаю, что полстраницы партитуры Листа перевесит все мои оперетты -
как уже написанные, так и будущие... Большие композиторы всегда будут иметь
своих поклонников и восторженных почитателей. Но наряду с ними должны
существовать и театральные композиторы, которые не пренебрегают легкой,
жизнерадостной, остроумной, нарядно приодетой музыкальной комедией,
классиком которой был Иоганн Штраус.
И. Кальман
Он родился в курортном местечке, расположенном на берегу озера Балатон.