Белюков А.М. и др. Мировая культура и искусство
Подождите немного. Документ загружается.
формам. Теперь в центре его стоял человек, осознающий свою
зависимость от общественной среды и объективных законов бытия. Его
образ в искусстве становился более конкретным, эмоциональным и
психологически сложным. Реальная жизнь раскрывалась художниками
ХVII века в многообразии драматических коллизий и конфликтов,
сатирических и комедийных ситуаций.
В творчестве художников также утверждается целостное и
глубокое восприятие действительности. Стремление к широкому
показу действительности привело к многообразию жанровых форм
искусства ХVII века. Так, в изобразительном искусстве наряду с
традиционными библейскими и мифологическими жанрами появились
светские: бытовой жанр, пейзаж, портрет, натюрморт.
В ХVII веке в искусстве сложились два новых художественных
стиля барокко и классицизм. Искусство барокко раскрывает сущность
жизни в движении и борьбе случайных изменчивых стихийных сил.
Барокко присуща потребность в утрировании. В крайних проявлениях
искусство барокко приходит к иррационализму, к мистике,
воздействию на воображение и чувства зрителя. События трактуются в
грандиозном плане, художники предпочитают изображать сцены
мучений, экстазов или восхваление подвигов и побед. Стиль барокко
проявился в разных видах искусства. Литературу барокко отличает
пристрастие к гиперболам, сложному метафоризму и аллегории. В
живописи и архитектуре барокко ощущается состояние напряжения,
экзальтации, повышенного драматизма. Основными признаками
данного стиля в архитектуре являются подчеркнутая
монументальность, преобладание сложных криволинейных форм при
определении планов и фасадов сооружений. Использование стилевых
особенностей барокко способствовало взаимодействию различных
видов и жанров искусства, а также возникновению новых – оперы и
балета.
В архитектуре новый стиль очень ярко выразил себя во многих
странах и, прежде всего, в Италии. Здесь работала целая плеяда
талантливых мастеров. Крайняя иррациональность, экспрессивность и
живописность были характерны для творчества архитектора Франческо
Борромини (1599–1667 гг.). Не считаясь с логикой конструкций и
возможностями материалов, он первым изменил прямые линии и
плоскости на изогнутые, округленные и извивающиеся. На чередовании
вогнутых и выпуклых линий, расположенных в форме ромба, построена
им небольшая церковь Сан Карло на площади у Четырех фонтанов в
Риме. Замысловатостью и театральностью отличается фасад церкви
Санта Кроче в г. Лечче, созданной архитектором Д. Риккардо.
В эпоху барокко в Италии строилось много роскошных городских
дворцов, таких как дворец Пезаро в Венеции, построенный
архитектором Б. Лонгеной. Возводившиеся загородные виллы
располагались на склонах холмов и окружались садами. Одним из
таких шедевров являлась вилла д
,
Эсте в Тиволи архитектора Ф.
Борромини.
Новый стиль оказал влияние и на планировку итальянских
городов. Архитекторы барокко упорядочили хаотическую застройку
средневекового города, придав улицам прямолинейные очертания,
завершив их площадями. Так по проекту Доменико Фонтана была
создана площадь дель Пополо в Риме с расходящимися от нее тремя
лучами центральных улиц.
Сами площади превращались в великолепные ансамбли. Они
украшались обелисками, скульптурой и фонтанами. Самыми
знаменитыми объектами Рима являются площадь Навона с «Фонтаном
Четырех рек» и площадь Барберини с фонтаном «Тритон». Их создал
один из самых ярких мастеров итальянского барокко Лоренцо Бернини
(1598–1680) – архитектор, скульптор, живописец и декоратор.
Крупнейшей архитектурной работой Бернини является окончание
строительства собора св. Петра в Риме и оформление площади перед
ним. Площадь подобно распростертым объятиям захватывает зрителя,
направляя его движение к фасаду собора, с грандиозными приставными
коринфскими колоннами, которые возвышаются и господствуют над
всем этим торжественным и барочным ансамблем. Еще одно
замечательное сооружение Лоренцо Бернини – парадная Королевская
лестница («Скала режда»), соединяющая собор св. Петра с папским
дворцом. Одним из лучших произведений архитектора является
церковь Сант Андреа аль Квилинале в Риме.
В архитектуре Франции стиль барокко господствовал только в
первой половине ХVII века. Он проявился и в церковных и светских
постройках. Великолепным образцом барокко являлась капелла
Сорбонны архитектора Ж. Лемерсье. В новом стиле были оформлены
две площади в Париже: Вогезов и Дофина. При Людовике ХIII
возводились и замысловатые загородные дворцы.
Большим своеобразием отличалось испанское барокко. Оно
сочетало в себе черты европейского барокко и мавританского стиля.
Крупнейшими архитекторами были Хуан Гомес де Мора (1580–1648) –
(церковь в Саламанке), Алонсо Кано (1601–1667) – (собор в Гранаде) и
Хосе Бенито Чурригера (1665–1725) – (ратуша в Саламанке).
В Англии барокко тяготело к более скромным и строгим формам
по сравнению с Италией. Великолепными образцами этого стиля
являются Собор Святого Павла в Лондоне (архитектор К. Рен),
Грегивический госпиталь (архитектор К. Рен), замок Хауард
(архитектор Д. Ванбру).
Скульптура барокко была почти неотделима от архитектуры и в
городских ансамблях и в оформлении интерьеров зданий. Выдающимся
скульптором барокко был итальянец Лоренцо Бернини. Скульптура
являлась органической частью его построек. Для нее характерна
повышенная эмоциональность, экзальтация, клубящиеся формы.
Для Собора Святого Петра в Риме Бернини создал знаменитую
алтарную кафедру с фигурами отцов церкви, святых, ангелов,
сверкающая позолотой и привлекающая бурной динамикой. К
известным скульптурным произведениям Бернини относятся: статуя
«Давид», алтарная группа «Экстаз св. Терезы» в церкви Санта Мария
делла Виктория в Риме, послужившая образцом для многих барочных
ваятелей во многих странах Европы.
Новаторство Бернини проявилось и в многочисленных портретах,
скульптурных бюстах. С поразительной точностью и остротой
передавал он характер портретируемых (портреты кардинала Бергезе и
французского короля Людовика ХIV).
В стиле барокко работали скульпторы и в других странах Европы.
Во Франции это был Пьер Пюже. Автор скульптурной группы «Милон
Кротонский». Выдающимися испанскими скульпторами были Грегорио
Эрианде – («Оплакивание Христа») и Педро да Мана – («Св.
Франциск»). Во Фландрии работал скульптор А. Вербрюгген (кафедра
собора Святых Петра и Павла).
В живописи стиль барокко проявился наиболее ярко и
разнообразно. Во всех европейских странах работали выдающиеся
художники, которые дали свою интерпретацию барокко.
Огромный вклад в развитие итальянской и европейской живописи
внес Микеланджело Караваджо (1573–1610). Прекрасно зная жизнь
простого народа, М. Караваджо сделал его своим героем. Изображая
уличных малышей, посетителей кабачков, корзины с фруктами, он
первым в итальянской живописи утвердил право на существование
таких жанров как бытовой и натюрморт. Главное в его произведениях –
не повествование, а характерный тип личности. К числу известных
картин Караваджо относятся «Лютнист», «Игроки», «Положение во
гроб», «Успение Богоматери», «Евангелист Матфей», его святые и
апостолы похожи на простых людей. Микеланджело да Караваджо
первым противопоставил подражательному направлению в живописи –
маньеризму реалистические сюжеты народного быта. Новое
направление получило название караваджизм.
Главой фламандской школы живописи был Питер Пауль Рубенс
(1577–1640 гг.) – живописец-монументалист, дипломат, ученый-
гуманист. Он пользовался почетом при княжеских и королевских домах
Мантуи, Мадрида, Парижа, Лондона. Работая в стиле барокко, Рубенс
был создателем колоссальных патетических произведений.
Динамичность форм, сила пластического воображения, торжество
декоративного начала составляют основу его творчества. Вместе с тем,
искусство Рубенса в основе своей реалистично. Герои античных мифов,
христианских сюжетов, современные ему исторические деятели и люди
из народа живут на его полотнах полнокровной жизнью,
воспринимаемые как часть могучей природы в тесной взаимосвязи, с
которой они находятся.
Ранние произведения Рубенса несли отпечаток влияния
венецианцев и М. Караваджо («Воздвижение креста», «Снятие креста»).
Рубенс был мастером полотен на мифологические темы. Они давали
ему повод для изображения героических чувств и подвигов, для более
полного выражения своего мироощущения. Рубенс видел в человеке
наиболее совершенное создание. Отсюда особый интерес художника к
изображению человеческого тела. Он ценил в нем не идеальную
красоту, а красоту полнокровную, с избытком жизненных сил
(«Похищение дочерей Левкипа»). Часто в своем творчестве Рубенс
обращался к темам борьбы человека с природой, к сценам охоты,
показывая ярость схватки, физическое и духовное напряжение («Охота
на кабана», «Охота на львов», «Охота на гиппопотама»). Питер Пауль
Рубенс является автором более двадцати больших композиций на тему
«Жизнь Марии Медичи», предназначенные для украшения
Люксембургского дворца. Сохраняя достоверность в изображении
героев, Рубенс усложняет композиции аллегорическими и
мифологическими персонажами. Основным выразителем эмоций и
организующим началом композиций на полотнах Рубенса был цвет как,
например, в работе «Персей и Андромеда».
Питер Пауль Рубенс был первоклассным портретистом. Он
проявлял непосредственное личное отношение к людям, раскрывал
чувственную полноту жизни модели («Портрет камеристки инфанты
Изабеллы», «Портрет Изабеллы Брандт», «Портрет Николаса и
Альберти»). Рубенс умел наделять своих героев чувством собственного
достоинства.
В последнее десятилетие творчества композиции Рубенса
приобрели сдержанный, спокойный характер. Художник обращался к
изображению народной жизни, писал пейзажи, портреты близких
людей – жены, детей («Елена Фоурмен с детьми», «Шубка»). Народная
тема творчества Рубенса ярко проявляется в «Крестьянском танце», где
молодые крестьяне полны бьющей через край жизнерадостностью,
здоровьем подчеркнута их органическая связь с природой.
Творчество Рубенса оказало огромное воздействие на развитие
европейской живописи в дальнейшем. Особое значение оно имело для
формирования фламандской школы живописи и, прежде всего,
Антониса ван Дейка. Эволюция творчества Антониса ван Дейка (1599–
1641) предвосхитила пути развития фламандской школы второй
половины ХVII века в направлении аристократизации и светскости. В
лучших своих произведениях А. ван Дейк сохранил приверженность
реализму. Запечатлевая людей своего времени, он дает представление о
целой эпохе в истории Европы. А. ван Дейк разработал тип блестящего
аристократического портрета, где запечатлен утонченный,
интеллектуальный, благородный человек, рожденный
аристократической культурой, рафинированной и хрупкой. Герои А.
ван Дейка – люди с тонкими чертами лица – отмечены грустью,
мечтательностью. Они изящны, воспитаны и полны спокойной
уверенности («Семейный портрет», «Портрет Марии Луизы де Тассис»,
«Мужской портрет», «Портрет короля КарлаAI»). Творчество Антониса
ван Дейка оказало значительное влияние на развитие европейской и,
прежде всего, английской портретной живописи.
Аристократической изысканности искусства Антониса ван Дейка
противостояло жизнерадостное, полное народной грубости и силы
искусство Якоба Иорданса (1593–1678). Я. Иорданс писал алтарные
образы, картины на мифологические темы, но трактовал их в бытовом
плане. Своих героев он находил в деревнях, в ремесленных городских
кварталах. Художник писал их крупные, неуклюжие фигуры,
рассказывал о своеобразных нравах и обычаях. Часто он черпал
сюжеты своих картин в пословицах, поговорках, баснях и воплощал их
в жанровых, крупнофигурных композициях. К числу наиболее
характерных произведений мастера относятся «Праздник бобового
короля» и «Сатир в гостях у крестьянина».
Величайшим художником ХVII века был голландец Херменс Ван
Рейн Рембрандт (1606–1669).
Широта тематического диапазона, гуманизм, демократизм
искусства, непревзойденное мастерство давали художнику
возможность воплощать самые глубокие и передовые идеи того
времени. Рембрандт был мастером света и колорита. Колорит полотен
Рембрандта построен на сочетании теплых тонов, переливающихся
разными оттенками. Свет у Рембрандта как будто излучают сами
персонажи и предметы. Борьба света и тьмы пронизывает все
произведения мастера.
Рембрандт писал картины исторические, библейские,
мифологические и бытовые, портреты и пейзажи, он был одним из
величайших мастеров офорта и рисунка.
Уже первая картина «Урок анатомии доктора Тульпа» принесла
ему успех и увеличение количества заказов. Одну за другой пишет
религиозные композиции «Жертвоприношение Авраама», пародийные
портреты, автопортреты и портреты своей жены Саскии ван Эйленбурх
(«Портрет Саскии», «Автопортрет с Саскией на коленях»). Обращался
художник и к мифологической тематике («Даная»).
С совершенствованием реалистического мастерства художника
нарастали его разногласия с окружающим его миром. Начало таких
разногласий произошло тогда, когда по заказу стрелков он написал
полотно «Ночной дозор». Художник стремился создать образ
героической Голландии, воспеть патриотический подъем ее граждан, но
такой замысел был в значительной степени чужд его заказчикам. В
пору творческой зрелости появляются работы, наполненные особым
лиризмом («Прощание Давида с Ионафаном», «Святое семейство»).
В поздний период большое место в творчестве занимают портреты
его родных и близких («Портрет Хендрикье Стоффелс», «Портрет
Титуса», «Портрет жены брата»). К этому же периоду относятся
полотна на библейские и исторические сюжеты («Заговор Юлия
Цивилиса», «Давид перед Саулом», «Возвращение блудного сына»).
Искусство Рембрандта оказало глубочайшее воздействие на
развитие мировой живописи.
Основоположником голландского реалистического портрета был
Франс Халс (1580–1666). В портретах Халса представлены все слои
общества, но особые симпатии он испытывал к простым людям,
изображая своих героев без прикрас. Он расширил рамки портрета
введением сюжетных элементов и стал создателем особого типа
группового портрета, а также портрета, граничащего с бытовым
жанром («Офицеры стрелковой роты Святого Георгия»).
Портреты Халса разнообразны по темам и образам. Но
портретируемых объединяют общие черты: цельность натуры,
жизнерадостность. Халс – мастер смеха, улыбки. Весельем,
вольнолюбием оживляет он лица своих персонажей как, например, в
картине («Цыганка»). Полными собственного достоинства предстают
голландские бюргеры с полотен Ф. Халса («Семейный портрет Исаака
Массы и его жены»). Портретные работы Франса Халса стоят рядом с
самыми замечательными творениями мировой портретной живописи.
В стиле барокко работали и другие голландские живописцы ХVII
века. Выдающимся пейзажистом был Ван Рейсдал (1628/29–1682).
Очень популярные бытовые картины писали Андриа Ван Остаде (1610–
1685), Герхард Тернборх (1617–1681), Габриаль Метсю (1629–1667),
Питер де Хох (1629–1683), Ян Вермер Дельфтский (1632–1675).
Создателями знаменитых натюрмортов были Питер Класс (ок. 1597–
1661) и Виллем Хеда (1594–1680/82).
Одной из ярких фигур в европейской живописи конца ХVI –
первой половины ХVII века был Эль Греко (Доменико Теотокопули)
(1541–1614). Грек по национальности, он работал в испанском городе
Толедо. Для его творчества аристократического, утонченно-
интеллектуального характерны страстность, пылкая фантазия,
душевная неуравновешенность. Трагизм произведений Эль Греко
наиболее остро отражал характер эпохи, кризис гуманистических
идеалов и неверие в возможности человека. Эль Греко писал картины
преимущественно на религиозные сюжеты. Самое значительное его
произведение – «Погребение графа Оргаса». Свое понимание
человеческих характеров Эль Греко выразил в образах Петра и Павла.
Здесь противопоставлены два типа людей: задумчивый, печальный,
неуверенный в себе Петр и повелительно властный Павел. Тонкая
проницательность Эль Греко проявилась в его замечательных
портретах («Портрет инквизитора Ниньо де Гевара», «Портрет поэта
Парависино»).
Испанская живопись ХVII века достигла вершины в творчестве
Диего да Сильва Веласкеса (1599–1660), одного из ярчайших
художников европейского искусства. Через все свое творчество он
пронес идеи гуманизма, верность демократической традиции, любовь к
простым людям. Расширив тематику живописи, он способствовал
развитию в ней различных жанров. Испанский двор и аристократия
оживлялись в его портретах (Портреты короля Испании Филиппа IV,
серия портретов шутов и карликов испанского двора). В
мифологических и жанровых картинах Веласкес показывает
национально-самобытные образы испанского народа (Завтрак»,
«Водонос»). Крупнейшей работой в историческом жанре стало его
полотно «Сдача Бреды». К числу лучших его работ относятся «Портрет
папы Иннокентия Х» и жанровые полотна «Менины», «Пряхи».
Выдающимися мастерами испанской живописи ХVII века были
также художники Хусепе Рибера (1591–1652), Франсиско Сурбаран
(1598–1664), Эстебан Мурильо (1618–1682).
Во французской живописи стиль барокко не получил широкого
распространения. Наиболее интересным живописцем был Жорж де
Латур (1593–1652). В своих ранних работах он был близок к
Караваджо, изображая простых людей, бытовые ситуации («Шулер»,
«Гадалки»). Более поздние работы Латура посвящены религиозным
сюжетам («Рождество», «Мария Магдалина»). Для них характерны
монументализм, контрасты света и тени, великолепный колорит.
Стиль барокко проявился не только в архитектуре, скульптуре и
живописи, но и в других видах искусства. ХVII век дал толчок
развитию театра и музыки. В эпоху барокко в Италии возникла
зрелищно-импровизационная драма – комедия масок (Commedia
dell'arte) и достигла своего расцвета. Второй значительной формой
театра, родившейся в Италии, была опера. Родиной оперного искусства
стала Флоренция. Первыми операми были «Коронация Поппеи» и
«Орфей», написанные Клаудио Монтеверди (1567–1643). В середине
ХVII века оперные школы сложились в Венеции и Неаполе.
Неаполитанская оперная школа характеризуется таким стилем как bel
canto (прекрасное пение), в котором центральное место занимает ария,
выражающая чувства главных героев. К концу ХVII века оперные
школы появились во Франции. Ярким представителем французской
оперной школы был Жан Батист Люлли (1632–1687). Театрализация
жизни обусловила появление не только оперы, но и новых
музыкальных жанров – оратории, кантаты, сюиты, прелюдии, токкаты,
фуги.
Большое развитие в ХVII веке получил такой музыкальный жанр
как концертный. Его создателем стал итальянский композитор
Арканжело Корелли (1567–1613), а дальнейшее развитие этот жанр
связало с творчеством Антонио Вивальди (1678–1741).
Рассмотрев особенности стиля барокко и его развитие в
европейской культуре, обратимся ко второму стилевому направлению
ХVII века – классицизму.
Классицизм в своих эстетических вкусах и художественных
формах ориентируется на античные образы. В основе классицизма
лежит рациональное начало. Прекрасным с точки зрения классицизма
является лишь то, что упорядочено, разумно, гармонично. В искусстве
классицизма единство достигается путем соединения и соответствия
всех частей целого, сохраняющих, однако, самостоятельное значение.
Герои классицизма – люди мужественные, величественные,
значительные. Они подчиняют свои чувства контролю разума,
сдержаны в проявлении эмоций. Их облик идеализирован, близок к
античным образцам.
Как художественный стиль классицизм зародился во Франции
ближе к середине ХVII века. Во второй половине ХVII века классицизм
под эгидой французского абсолютизма утратил независимость мысли и
чувств, и приобрел официальный, верноподданический характер.
Руководящую роль в искусстве играли Королевская Академия
живописи и скульптуры и Академия архитектуры, созданная в 1671
году.
В архитектуре классицизм наиболее ярко проявил себя в создании
грандиозных дворцовых ансамблей. Одним из первых был дворцовый
ансамбль Во ле Виконт близ Мелена, созданный архитекторами Л. Лево
и А. Ленортом. Шедевром классицизма является грандиозный
дворцово-парковый ансамбль Версала – главной резиденции
французских монархов (архитекторы Луи Лево, Андре Ленотр, Жюль
Ардуэн-Монсар). В этом архитектурном ансамбле соединились воедино
классицизм Рафаэля и элементы итальянского барокко, создав
триумфальный стиль. Версаль прославлял безграничную мощь
французского абсолютизма.
Наряду с сооружением Версаля уделялось внимание перестройке
старых городов и, прежде всего, Парижа. Его украсили площадь
Людовика Святого (ныне Вандомская) и круглая площадь Побед,
ставшая средоточием сети улиц города. В создании общественного
центра Парижа большую роль сыграл так называемый Дом Инвалидов с
собором и обширной площадью (архитектор Ж. Ардуэн-Монсар).
Большой стиль эпохи ярко представляет восточный фасад Лувра,
выдержанный в стиле классицизма и построенный Клодом Перро
(1613–1688).
Основоположником классицизма во французской живописи был
Никола Пуссен (1594–1665). В рамках сюжетов, взятых из античной
мифологии и древней истории, в Библии, евангельских сюжетах и
поэтических творениях античности и Ренессанса, Пуссен раскрывал
темы современной ему эпохи.
В своих произведениях Пуссен стремился к величавому
спокойствию, благородной сдержанности, к гармоничной
согласованности, но он видел жизнь в ее сложности и понимал, что
человек зависит от общих законов природы и общества. Его идеал –
герой, сохраняющий в жизненных испытаниях чувство достоинства,
способный совершить подвиг. Ранние работы Пуссена отмечены
ощущением полноты жизни. Его герои сами решают свою судьбу
(«Битва»).
В то же время Пуссена привлекают пасторали и вакханалии,
воплощающие представление о мире и счастье («Спящая Венера»).
Программное произведение классицизма – картина Н. Пуссена
«Смерть Германика». В этой работе выражены основные черты
классицизма: ясность действия, противопоставление группировок.
Показывая различные характеры и судьбы людей, Пуссен подчиняет их
строгому порядку, который с точки зрения классицизма царит в жизни.
Умение передать в движении, в жесте, в ритмах внутренний мир
человека – одна их характерных черт искусства Пуссена («Танкред и
Эрминия»).
Огромную роль в полотнах Пуссена занимает природа. Природа
захватывает Пуссена безграничностью своего пространства («Пейзаж с
Геркулесом и кактусом». Природа у Пуссена это арена действия
легендарных героев, олицетворяющих стихийные начала. В «Пейзаже с