Белюков А.М. и др. Мировая культура и искусство

Подождите немного. Документ загружается.

пропорциональность, но также, как свет. Красота света тесно связана с

его божественной природой – эта мысль есть в Евангелии от Иоанна,

ее затрагивал впоследствии и Блаженный Августин. Наиболее полно

эту идею развил христианский философ V века Дионисий Ареопагит.

Бог есть свет, утверждал он, а творение – это воссияние света

Настоящие витражи – наборные композиции из цветного стекла в

свинцовом переплете – переживают расцвет во 2-ой половине ХII –

начале ХIII века. Затем их постепенно заменяет роспись по стеклу.

Самый замечательный из дошедших до наших дней витражей – это

ансамбль высокой готики в Сен-Шапель в Париже. Он содержит 146

окон с 1359 различными сюжетами.

Как отмечает Дмитриева Н.А.

, в большинстве готических

соборов скульптурное убранство преобладало над живописью, так как

ажурные стены не годились для фресок. А потому готическая

живопись развивалась главным образом в миниатюрах рукописей и в

росписях створок алтарей. Среди огромного числа рукописных книг,

запечатлевших в своих миниатюрах весь мир средневековья, особо

выделяется «Великолепный Часослов герцога Беррийского» начала

ХV века. Уроженцы Нидерландов, братья Лимбурги создали

удивительно выразительную хронологию года, сочетая утонченную

куртуазность с ярко реалистичными зарисовками крестьянского труда.

Монументальная живопись – живопись алтарей – больше

развивалась в тех странах, где готическая архитектура по ряду причин

сохраняла относительную массивность и гладкость стен и где поэтому

живопись не терялась, не растворялась в пронизанном цветными

лучами витражей интерьере. Великолепные памятники алтарной

живописи сохранились в Чехии – знаменитый Тржебоньский алтарь,

алтарные преграды-ретабло в Кастилии (Испания). Как и скульптура,

готическая живопись экспрессивна, драматична, чрезвычайно

детальна, и, несмотря на плоскостность, обратную перспективу и

символизм, насыщена элементами окружающей реальности.

В средние века была создана богатая, своеобразная культура. Это

время дало образцы возвышенного одухотворённого искусства,

подготовив во многом культурный взлёт в эпоху Возрождения.

Вопросы

Искусство. – М., 2001. – С. 99.

Дмитриева Н.А. Краткая история искусств. Вып.1. – М., 1968. - С. 187.

1. Какие источники питали формирование средневекового

искусства?

2. Каковы особенности романской живописи?

3. Что нового появляется в готической скульптуре по сравнению с

романской?

4. Что такое икона?

5. Какова символика средневековой живописи?

Литература

1. Дмитриева Н.А. Краткая история искусств. Очерки. – М., 1968.

2. Емохонова Л.Г. Мировая художественная культура. – М., 1999.

3. Ильина Т.В. История искусств. Западноевропейское искусство. –

М., 2000.

4. Искусство. Энциклопедия знаний. – М., 2001.

5. Любимов Л. Искусство Западной Европы: средние века.

Возрождение в Италии. Кн. для чтения. – М., 1982.

6. Очерки истории искусства / Под ред. Г.Г. Поспелова. – М.

Тесты

1. Определите характерные черты готического собора:

а) полукруглая арка;

б) контрфорсы;

в) аркбутаны;

г) витражи;

д) верно все, кроме «а».

2. К произведениям готического искусства относятся:

а) Тржебоньский алтарь;

б) Евангелия Эбо;

в) Часослов герцога Беррийского;

г) Реймский собор;

д) верно все, кроме «б».

3. Характерные элементы романской архитектуры:

а) нервюры;

б) «роза»;

в) полукруглая арка;

г) нерасчлененные, массивные стены;

д) аркбутаны.

Глава 6

Европейское искусство эпохи Возрождения

1. Основные этапы искусства Возрождения и его художественные

достижения.

2. Художественная культура Северного Возрождения.

«Возрождение» (по-французски «Ренесанс») – это термин,

который ввел в искусствоведение Джорджо Вазари, итальянский

архитектор, живописец и историк искусства, живший в ХVI веке.

Вазари применил его для характеристики эпохи ранних буржуазных

отношений, когда во всех сферах жизни начали проявляться элементы

новизны, а в духовной области произошла настоящая революция. В эту

эпоху была заново открыта (возрождена) культура античности.

Возродились идеи о неповторимости и ценности личности, о мощи

человека и его безграничных творческих способностях. Героем новой

эпохи стала титаническая личность, свободная в своих проявлениях.

Искусство Возрождения воспевало совершенство и красоту

человеческого тела, радости земной жизни. Оно пыталось соединить

высокую духовность и психологизм средневековья с чувственным

восприятием античности. Эпоха Возрождения выдвинула идеи

гуманизма о том, что личность должна цениться не по своей сословной

принадлежности, а по тому, что она достигла, как построила свою

судьбу, как развила свои таланты и способности.

В эпоху Возрождения огромные изменения произошли в

художественной сфере. Библейские сюжеты соседствовали с

античными, изображались важные исторические события и сценки из

обыденной жизни. В скульптуре и живописи появился обнаженный

человек. Быстро развивалась станковая живопись, которую не знало

Средневековье. Были заново открыты линейная и воздушная

перспективы. Художники освоили много новых законов композиции,

колорита, светотени. Это позволило реалистично передать красоту

человека и божьего мира. В период Возрождения искусство

окончательно отделилось отремесла, началось профессиональное

разделение и в самом искусстве. Все эти изменения привели к тому, что

художественная культура достигла небывалых высот. Понятие

«Возрождение» тесно связано с блестящим расцветом европейского

искусства.

6.1. Основные этапы итальянского Возрождения

и его художественные достижения

Итальянское искусство в эпоху Возрождения прошло в своём

развитии несколько этапов:

1) Проторенессанс (2-я половина ХIII – начало ХIV вв.) – Дученто и

Треченто.

2) Раннее Возрождение (ХV в.) – Кватроченто.

3) Высокое (классическое) Возрождение (конец ХV в. – 1-я треть

ХVIAв.) – Чинквеченто.

4) Позднее Возрождение (середина и конец ХVI в.).

Проторенессанс. Новые явления в искусстве Италии, прежде

всего, появились в скульптуре. Они были подготовлены скульптурными

работами мастеров пизанской школы, основателем которой стал

Николло Пизано (1220–1284). Выполненная им шестигранная

мраморная кафедра для баптистерия в Пизе, представляет собой целое

архитектурное сооружение, легко обозримое со всех сторон. По

средневековой традиции на парапетах (стенках кафедры) он создал

рельефы по сюжетам из жизни Христа, между ними расположил

фигуры пророков и аллегорических добродетелей. Рельеф у Николло

выступает как самостоятельный язык пластического, драматического

повествования. При этом мастер стремится заполнить каждый пустой

уголок рельефа, выделяя большими размерами главную фигуру

изображения, придавая формам объёмность и выразительность. Его

образы статичны, величавы и бесстрастны. Богоматерь напоминает

римскую богиню Юнону, а Аллегория Силы – обнажённого античного

героя Геракла.

Большую известность в Италии получило творчество его

учеников. Так, фонтан Фонте Маждоре, украшенный многочисленными

рельефами – ваяние Арнольфо ди Камбио (1245–1310), стал гордостью

Пизы. Другой его ученик – сын Джованни Пизано (1245–1314),

ревностный почитатель французского готического стиля украсил

кафедры в пизанском соборе и церкви Санта – Андреа в городе Пистойе

многофигурными рельефами, герои которых охвачены порывистым

движением, словно стремятся вырваться из камня. Его творчество – это

проявление порыва и кипения страстей, бешенной неистовой фантазии.

Перемены происходили и в монументальной живописи. Так,

римский художник Пьетро Каваллини (1240–1330) стал придавать

своим персонажам, изображённым в мозаике церкви Санте Мария ин

Трастевере и на фресках церкви Санта Чечилия ин Трастевере в Риме,

объёмность и материальную осязаемость. Флорентийский художник

Джотто ди Бондоне (1276–1337) первым, подражая природе, начал

рисовать с натуры живых людей. В качестве фона он стал изображать

не Средневековок золотое сияние, а пейзаж или интерьер. Он сделал

первые шаги в создании иллюзии глубины пространства. Джотто начал

использовать светотеневую моделировку и тем самым предал своим

персонажам материальность и объемность. Он разработал метод

росписи церковных капелл, разбив повествовательные циклы на

отдельные композиции, расположив их в несколько ярусов на стенах.

При работе над фресками особое внимание им уделялось показу

душевного состояния изображаемых героев, сделав их эталонами

художественной выразительности. Таковы его персонажи на фресках

капеллы Санта Мария дель Арена в Падуе. Печальна, встревожена и

полна величия дева мария в сюжете «Бегство в Египет». На фреске

«Поцелуй Иуды» Иисус Христос изображен как прекрасный и мудрый

человек, знающий о совершающемся предательстве, спокойно и строго

смотрит на уродливого Иуду, тянущегося к нему с поцелуем. Поиски

Джотто в передаче пространства, пластики фигур, выразительности

движения сделали его искусство целым этапом в эпохе Возрождения.

С 30-х годов ХIV в. центром художественной культуры стал город

Сиена, где господствовал французкий готический стиль, тесно

связанный с рыцарской этикой и придворной куртуазностью. Здесь

творили известные мастера фресковой росписи Дуччо ди Буонинсенья

(1255–1319), Симоне Мартини, (1284–1344), Амброджо Лоренцетти

(1280–1348). Они внедрили в живопись новые элементы: изображали

фигуры свободно, естественно, в движении, передавали

психологическое состояние героев, пытались моделировать формы с

помощью светотени, воспроизводили пейзаж, включая реальные сцены

городского и сельского быта. Накопленные во всех областях

художественного творчества достижения послужили основой для

быстрого развития в последующий период.

Раннее Возрождение. Главным культурным центром этого

периода стала Флоренция, где с 1434 года власть перешла к Козимо

Медичи, основателю банкирской династии герцегов-меценатов, под

крыло которой стекались писатели, поэты, учёные, архитекторы и

художники. Это способствовало быстрому развитию художественной

культуры.

Новые веяния проявились прежде всего в скульптуре, которая

приобрела независимое от архитектуры значение, освоила новые

жанры. Важным моментом в развитии итальянской ренессансовской

скульптуры явился конкурс на изготовление из бронзы вторых

северных дверей флорентийского баптистерия. Победителем его стал

мастер живописной скульптуры, специализировавшийся на

изготовлении рельефов, Лоренцо Гиберти (1381–1455). В его

творчестве главным было равновесие и гармония всех элементов

изображения.

Мастерская Гиберти стала настоящей школой для целого

поколения художников и скульпторов. Среди них выделяется Донато

ди Никколо ди Бетто Барди, которого называли Донателло (1386–1466).

Не было ни одной области скульптуры, в которой он не работал бы и в

которую не внёс бы что-то принципиально новое. Он создал

монументальную свободно стоящую статую. Так, для оформления

фасада церкви Ор Сан Микеле Донателло изготовил фигуру св.

Георгия. Лицо его одухотворено. Он твёрдо стоти на ногах, опираясь на

щит и устремив свой взгляд в своего врага. Чувство уверенности в этом

ярко индивидуальном образе подчёркнуто свободной, спокойной позой

фигуры, напоминающей колонну.

Донателло создал множество статуй для украшения соборов,

уравняв тем самым скульптуру с архитектурой. При работе над каждой

статуей он учитывал, где она будет установлена и как будет смотреться.

Так его знаменитый «Давид»  первая обнажённая статуя в итальянской

скульптуре Возрождения, предназначался для фонтана во внутреннем

дворе палаццо Медичей. Много работал он над созданием сложных

алтарных композиций и в области рельефной пластики. Так, им был

создан весь вызолоченный алтарь капеллы семейства Кавальканти в

церкви Сан Кроче. Её центральная часть представлена сценой

Благовещения, на которой изображена испуганная Мария от внезапного

появления ангела.

Донателло первым стал изображать в рельефных композициях

перспективу с огромными толпами людей, с небом, облаками и

солнцем, добиваясь ощущения пространства. Большинство рельефных

изображений им было изготовлено для украшения кафедр,

консисторий, алтарей в соборах Флоренции, Сиены, Падуи. Он

положил начало изготовлению надгробий, в которых были соединены

элементы архитектуры и пластики. Его гробницы (гробница папы

Иоанна) отражают спокойное достоинство человека перед смертью.

Донателло первым после столетнего забвения возродил конную

статую, увековечив в Падуе память кондотьера Эразма ди Нерни,

прозванного Гаттамелатой за рябое лицо. Широкая, свободная

моделировка формы создаёт монументальный образ военноначальника

с маршальским жезлом в руке, облачённого в доспехи, но с обнажённой

на римский манер головой, на грузном величественном коне. Причём

голова персонажа является великолепным образцом портретного

искусства. Почти восьми метровая статуя на высоком пьедестале

одинаково выразительна со всех сторон.

Донателло подготовил целую плеяду своих учеников, наиболее

известным из которых был Андреа Вероккио (1436–1488), ставший

скульптором и живописцем, автором ряда утончённых, изящных

скульптур («Давид»). Он известен также как учитель Леонардо де

Винчи.

Вслед за скульптурой важнейшие изменения произошли и в

архитектуре.

Родоначальником ренесанской архитектуры Италии стал один из

основателей научной теории перспективы, уроженец Флоренции

Филиппо Брунелески (1377–1446). В 1434 г. он завершил строительство

Флорентийского Собора, основанного ещё в 1295 г., воздвигнув

гигантский купол, достигавший в диаметре 42 м. Он максимально

облегчил его, сделав пустотелым с двумя оболочками, из которых более

толстая - нижняя, является несущей, а более тонкая, верхняя –

защитной. Жесткость конструкции обеспечивалась каркасной системой,

основу которой составляли восемь несущих ребер, связанных между

собой каменными кольцами. Это решение позволило в дальнейшем

решать сложнейшие градостроительные задачи.

Принципиально новым было и использование аркады, не имевшей

прототипов в античном искусстве. Брунелески первым связал в единую

конструкцию колонну и арку и использовал мотив глубокой открытой

лоджии в оформлении П-образного фасада Воспитательного дома.

Применение при его строительстве лёгких «парусных» сводов вместо

крестовых позволило значительно увеличить глубину лоджии и

расстояние между колоннами, предельно уменьшить их толщину.

Такой тип аркады в дальнейшем нашёл широкое применение далеко за

пределами Италии. Построенная по его проекту капелла Пацци при

церкви Санта Кроче несёт в себе черты конструктивной ясности,

античной простоты, гармонии и соразмерности. Им был разработан и

создан новый тип светского городского дворца (палаццо): как правило,

трёхэтажного, напоминающего крепость, благодаря кладке из грубо

отёсанных камней. Его неприступность мощь сочеталась в светской

архитектуре с внутренней атмосферой уюта для хозяев.

К числу наиболее совершенных архитектурных сооружений

Флоренции относится и полаццо Ручелан, построенное архитектором

Леоном Баттиста Альберти (1404–1472). Он впервые осуществил в этом

проекте поэтажное членение стены пилястрами, используя римскую

ордерную аркаду и соответствующие античные ордера. Его новшество

в дальнейшем активно стало использоваться при строительстве

светских зданий. Большую известность ему также принесли

теоретические сочинения. Так, его трактат «Десять книг о зодчестве»

является ценнейшим источником для изучения эстетических

представлений ХV в.

Архитектура этого периода соразмерна человеку, приближена к

его реальному росту в отличие от готических построек с их высокими

сводами. Благодаря новшествам итальянских архитекторов стена

перестала быть непрерывной бесконечной плоскостью. Она

разбивалась на составные элементы, получила скелет и мускулы,

приобрела органическую энергию, стала источником внутренних сил,

подобно функциям человеческого организма. Новшество появляется и в

церковном зодчестве в виде облицовки фасадов церквей разноцветным

мрамором, делая его «полосатым».

Новые веяния в живописи проявились позже, чем в скульптуре и

архитектуре. Но они оченбь быстро развивались, охватили широкий

круг мастеров и дали выдающиеся результаты. Самой яркой и

значительной фигурой раннего Возрождения в живописи был

флорентийский художник Томмазо ди Джованни ди Симоне Касаи

Гвиди, известный под именем Мазаччо (1401–1428). Несмотря на

приверженность традициям готики, он первым начал разрабатывать

систему глубинного изображения пространства с помощью прямой

центральной перспективы, названной впоследствии итальянской.

Перспектива отражала новое отношение к миру, выделяя центр

картины точкой схода перспективных линий («Троица» во

флорентийской церкви Санта Мария Новелла). Мазаччо положил

начало свободным позам, порывам, движению в живописи. От этого его

персонажи стали живыми, правдивыми и естественными. Так, на

фресках капеллы Бранкаччи во флорентийской церкви Санта Мария

дель Кармине он достиг такой правдивости в передаче внутреннего

напряжения и психологического состояния, что его персонажи кажутся

живыми. В «Изгнании из рая» обнажённый Адам от стыда закрыл лицо

руками, а Ева рыдает, запрокину в отчаянии голову.

Умение Мазаччо связывать воедино образы людей и пейзаж во

многом определило его место в искусстве Возрождения. Перспективное

решение фрески вносило логику в изображение мира, делало его

доступным человеческому разуму, свидетельствовало о сближении

искусства с наукой. Математика, анатомия, оптика стали

использоваться для изображения человеческой фигуры и пространства.

Творчество Мазаччо способствовало тому, что церковь Санта Мария

дель Кармине превратилась в своеобразную академию, где учились

многие поколения художников. Некоторые из них – Паоло Уччело,

Андреа Кастаньо, Доменико Венициано (Умбрийская школа) также

продолжали работать над проблемами перспективы, движения и

анатомии человеческого тела.

Светское начало, стремление к увлекательному повествованию,

земное лирическое чувство нашли яркое выражение в творчестве Фра

Филиппо Липпи (1409–1469), монаха ордена кармелитов. В его

картинах религиозные темы превратились в светские картины с массой

бытовых подробностей, с портретами современников. Они были

наполненные живым человеческим чувством и переживаниями,

поэтической любовью к природе («Мадонна с младенцем»,

«Поклонение младенцу»).

Выдающимся мастером Раннего Возрождения был флорентиец

Алессандро ди Мариано Филипепи, прозванный Сандро Боттичелли

(1445–1510). Он входил в кружок гуманистов-поэтов и философов,

собиравшихся при дворе правителя Флоренции Лоренцо Медичи

(Великолепного). В его творчестве прослеживаются два периода.

Первый – время турниров и карнавальных шествий, время вечной

радости и весны среди единомышленников. Это было время расцвета

гения молодого художника, отмеченное его знаменитыми картинами –

«Рождение Венеры» и «Весна». На этих двух полотнах он отобразил

два разных образа Венеры: Венеры земной («Весна»), окружённой

свитой, и Венеры небесной, рожденной из пучины моря.

Для картин Ботичелли раннего периода характерен вполне

определённый тип лиц, особенно женских: удлинённый овал, пухлые

губы, кажущиеся заплаканными глаза. Картины поражают

декоративностью и нарядностью, музыкальностью линий и силуэтов,

лирическим и романтическим характером созданных образов на фоне

фантастического пейзажа. К шедеврам графики относятся исполненные

им иллюстрации к «Божественной комедии» Данте. 96 рисунков этого

цикла показывают глубокое проникновение художника в мир чувств

героев. В этот период он также выполнил ряд фресок для Сиктинской

капеллы.

В начале 90-х годов в творчестве Боттичелли произошёл

решительный перелом под влиянием страстных проповедей

доминиканского монаха Совонаролы, обличавшего папство,

аристократию и гуманистическую культуру. В его картинах стали

преобладать религиозные сюжеты трагического характера, как

олицетворение безнадёжности, одиночества и фатализма

(«Оплакивание Христа», «Покинутая»). Сильное влияние на художника

оказали религиозно-мистические проповеди против светской культуры,

он отнёс на костёр свои картины с изображением обнажённых фигур.

Трагична была и кончина художника – он умер в нищете и забвении.

Завершает развитие искусства Кватроченто веницианская школа,

представленная творчеством семейства Беллини: Якопо Беллини (1400–

1470) и двух его сыновей – Джентиле (1429–1507) и Джованни (1430–

1516).

Художественные достижения Кватроченто подготовили новый

этап развития итальянской культуры.