Белюков А.М. и др. Мировая культура и искусство
Подождите немного. Документ загружается.
Это достижение греческих мастеров было большим шагом вперед по
сравнению с восточной скульптурой.
Вторым типом монументальной скульптуры являлось
изображение юноши – куроса. В этих статуях греки решали задачу,
которую еще не ставила ни одна художественная культура – изобразить
обнаженное человеческое тело. Материала для наблюдений было
много. Ведь во время тренировок и спортивных соревнований юноши
выступали без одежды. Таких сильных и красивых победителей и
изображали скульпторы. Некоторые статуи посвящались богам.
Изображения были крупными, иногда больше трех метров в высоту.
Скульпторы подчеркивали атлетическое сложение куросов: широкие
плечи, сильные руки, плоский живот, узкие бедра. Пропорции тела
были точны. Однако оно изображалось еще очень обобщено, большими
объемами, без детальной проработки отдельных частей. Поэтому тело
казалось твердым, негибким, непластичным. Архаические куросы
имели еще одну особенность. Они были застывшими, лишенными
движения. Руки их прижаты к бедрам. Одна нога чуть отставлена назад,
но это никак не сказывается на всей фигуре. Она тверда и неподвижна.
Своей строгой фронтальностью и «закованностью» куросы напоминают
египетские статуи. Но ведь греки всегда стремились к созданию чего-то
нового, более совершенного. Накопленный в архаический период опыт
изображения обнаженного человека позволил им пойти дальше –
попытаться «расковать» статую, наполнить ее движением.
Архаическую скульптуру отличает еще одна важная особенность.
Лица куросов и кор освещает легкая улыбка. Она наполняет статуи
жизнью, придает им теплоту и некоторую загадочность. Большой
знаток греческой культуры М.В. Алпатов отмечал, что знаменитая
архаическая улыбка – это улыбка утра греческой культуры, улыбка
детства, ожидающего от мира много радостей и чудес.
Особенностью архаической скульптуры является и активное
использование цвета. Лица, волосы и одежды статуй раскрашивались
яркими красками. Раскраска была совершенно условной. Борода или
волосы могли быть синими, глаза красными, одежды зелеными.
Раскраска делала скульптуру очень декоративной, но она
свидетельствовала о том, что греки еще не до конца осознали
особенности скульптуры. Они не поняли, что главное в скульптуре –
это объемы, их взаимодействие, их гармония и контрасты. Но архаика
вплотную подвела греков к такому открытию.
В V – I вв. до н.э. в классический и эллинистический периоды
греческая скульптура ставит перед собой сложные задачи и блестяще
решает их. В это время скульптура поднимается на такую небывалую
высоту, которой еще не знало изобразительное искусство. Какие же
задачи сумела решить греческая скульптура в V–I вв. до н.э.?
1. Прежде всего, в совершенстве передавать красоту
человеческого тела. Скульпторы сумели выразить характерное для
греческой культуры восхищение человеком и твердую уверенность, что
он подобен богам. Главными объектами изображения являлись герои,
атлеты, боги, мифологические существа. В подавляющем большинстве
это были мужчины. Почти всегда они изображались полностью
обнаженными. Греческие скульпторы быстро учились хорошо
прорабатывать все части человеческого тела и подчеркивать их
гармонию. В первой половине V в. до н.э. – в период так называемого
«сурового стиля» основные объемы тела изображались еще заметно
упрощенно с большой степенью обобщения. Такова статуя Аполлона на
фронтоне храма Зевса в Олимпии, статуя Посейдона, найденная у
острова Эвбея, рельефные изображения храма Геры в Селинунте.
Однако всего через несколько десятилетий, во второй половине V века
до н.э., положение меняется. Скульпторы изображают все объемы тела
так, что они кажутся живыми. Мышцы вырисовываются под кожей,
натягивая ее. Одни – напряжены, другие – расслаблены. Мы угадываем
их строение, их особенности. Выступают под кожей жилы, сухожилия,
кровеносные сосуды. Тело, сделанное из мрамора или из бронзы,
кажется живым, пластичным, «дышащим». Эти качества греческой
скульптуры можно обнаружить в любом произведении классического и
эллинистического периода.
Изображая человека, греческие мастера поражались и
восхищались тем, в какой гармонии сочетались все части его тела. Они
видели, насколько разнообразна человеческая красота. Каждый великий
скульптор имел свои представления о красоте и гармонии
человеческого тела и воплощал их в произведениях. Идеалом для
Поликлета (V в. до н.э.) являлся высокий, мощный атлет с сильно
развитой, рельефной мускулатурой. Таковы знаменитые его статуи
«Дорифор» (копьеносец) и «Диадумен» (атлет, завязывающий на голове
повязку). Великий скульптор Фидий (V в. до н.э.) подчеркивал мощь и
силу своих героев, напряженную игру их мышц. Это видно на рельефах
Парфенона, изображавших сцены мифологических битв. Пракситель
(IV в. до н.э.) ценил несколько иной вид красоты. Его герои не такие
мощные. Их сила сочетается с гибкостью. Они более легки и даже
изящны. Идеал Праксителя хорошо виден в статуи «Гермес с
младенцем Дионисом». Лисип (IV–III вв. до н.э.) изображал и мощных,
сильных атлетов («Апоксиомен») и гибких, стремительных юношей
(«Отдыхающий Гермес»). В «Аполлоне» скульптора Леохара (IV в. до
н.э.) видны изящество и даже некоторая изнеженность.
Несмотря на преобладание мужской скульптуры, греки любили
прославлять женскую красоту, подчеркивать ее многообразие, ее
неисчерпаемость. В произведениях Фидия женщины стройны,
величавы, сильны («Раненная амазонка», «Афина Лемния»). Во многих
изображениях показаны их женственность, нежность, эротичность
(«Мойры», «Ирида», «Амфитрита»). В скульптуре «Артемида»
(неизвестный скульптор V в. до н.э.) подчеркнуты легкость и изящество
в сочетании с энергией и силой. У Скопаса (IV в. до н.э.) женщины
атлетичны, стремительны, неистовы. В знаменитой «Венере
Милосской» скульптор Агесандр (II в.) передал завораживающую силу
женской красоты, текучесть и неуловимость форм женского тела. Его
Венера одновременно и одухотворена и чувственна.
2. Греки блестяще решили задачу, поставленную еще в
архаический период. Они научились в совершенстве передавать
взаимоотношения между телом и одеждой. В знаменитых статуях
Парфенона «Ирида», «Мойры» (V в. до н.э.), в рельефах храма Ники в
Афинах (V в. до н.э.), в статуях Афродиты и Хариты (V в. до н.э.)
одежда не столько скрывает, сколько подчеркивает тело. Складки бегут
легко, свободно, причудливо. Они то сгущаются, то разряжаются. Там,
где выпуклости тела натягивают одежду, складок почти нет. Тело
проступает сквозь одежды. Оно живет своей самостоятельной жизнью.
Мы видим его строение, его гибкость, пластичность, красоту.
Таким образом, одежда не скрывала человеческого тела. Зачем же
тогда ее нужно было изображать? Какую роль она играла в скульптуре?
Прежде всего, одежда вносила дополнительный элемент красоты в
скульптуру. Складки ее невероятно разнообразны. Они глубокие и
мелкие, тяжелые и легкие. Они текут, причудливо изгибаются, падают
потоками, заламываются в замысловатые и изящные узоры. Греки
достигли такого совершенства в изображении драпировок, что долгие
века их искусство служило и служит образцом для художников и
скульпторов. Греческие мастера использовали одежду и для создания
красивого контраста. Так, в статуе Венеры Милосской Агесандра
тяжелые, крупные складки спадающей одежды усиливают ощущение
гибкости тела богини. Кроме того, Агесандр по-разному обработал
мрамор. На теле Венеры он гладкий, хорошо отполированный,
блестящий. На одежде он чуть-чуть шероховатый, искристый. Такой
контраст усиливает ощущение нежности и шелковистости кожи богини,
делает ее «живой», «дышащей». Одежда усиливала эротичность статуй.
Греки понимали, что полная нагота не оставляет тайны. Одежда что-то
подчеркивает, но что-то и скрывает. Она оставляет тайну и желание
заглянуть, узнать до конца. Поэтому женские статуи в одежде более
эротичны, чем мужские, полностью обнаженные.
3. Греческая скульптура решила еще одну великую задачу. Она
«расковала» изображение человека, сделала его свободным, гибким,
естественным в каждой позе. Она научила мир в совершенстве
передавать физическое движение. «Зажатые» архаические куросы на
рубеже VI–VAвв. до н.э. начали «оживать». Они перенесли центр
тяжести тела на одну ногу, раздвинули и согнули руки, слегка
развернули торс, наклонили или подняли голову. Их тело приобрело
несколько степеней свободы. Первым дошедшим до нас «раскованным»
изображением была статуя «Мальчик Крития» (ок. 480 г. до н.э.). Он
уже свободен, но еще без активного движения. Однако греческие
скульпторы быстро перешли к решению и этой задачи.
Около 460 г. до н.э. неизвестным скульптором была создана статуя
Посейдона. Она вся наполнена движением. Бог шагнул вперед, вытянул
руку и взмахнул копьем. Скульптор сумел не только точно передать
движение, но и отразить его характер – силу, точность, уверенность.
Греческие скульпторы V–I вв. до н.э. изучили все варианты и тонкости
движения человеческого тела.
Одни предпочитали изображать человека в свободной,
естественной позе, без активного движения («Дорифор» Поликлета,
«Гермес и Дионис» Праксителя, «Венера Милосская» Агесандра,
«Спящий сатир» неизвестного автора III в. до н.э.).
Другие скульпторы любили изображать сложное и сильное
движение. В этом ключе были созданы величайшие шедевры греческой
скульптуры. Прежде всего «Дискобол» (метатель диска) Мирона
(середина V в. до н.э.). Атлет изображен в сложной позе, в такой
момент, что мы можем представить предшествующие и последующие
стадии движения. Мы видим, как в общем движении участвуют все
части его тела. Мы чувствуем его напряжение и готовность
развернуться и выпрямиться с большой силой. Неудержимое и сложное
движение любил изображать Скопас. Сильно поврежденная статуя
«Танцующая вакханка» (V в. до н.э.) является одним из самых
впечатляющих шедевров. Вакханка несется в стремительном танце,
запрокинув голову, подняв руку, резко согнув торс. В ее движении
экстаз, порыв и неудержимость. Блестяще передано движение и в
знаменитой статуе неизвестного автора «Ника Самофракийская» (II в.
до н.э.). Крылатая богиня после быстрого полета опускается на нос
корабля. Вся ее фигура устремлена вперед. Еще раскрыты крылья за
спиной, обвивают тело и плещут на ветру одежды. Движение,
переданное в скульптуре, стремительное, легкое, радостное. Различные
оттенки движения изображены в скульптурной группе Агесандра,
Полидора и Афанодора «Лаокоон с сыновьями» (I в. до н.э.). Жрец
Лаокоон в неистовом напряжении борется со змеями. Его старший сын
пытается выбраться, но он испытывает сильный ослабляющий страх.
Младший сын уже не сопротивляется. Из него уходит сила, уходит
жизнь. Эта скульптурная группа интересна тем, что внешнее движение
здесь связывается с внутренним – с силой воли, с желанием жить, со
страхом, с отчаянием.
1. Греческая скульптура сумела найти ту меру, которая позволила
всегда изображать человека благородно. На рельефах и в круглой
скульптуре персонажи спорят, соревнуются, сражаются, празднуют,
пируют, отдыхают. Они испытывают радость, напряжение, гнев, страх,
боль и т.д., и во всех этих ситуациях, при любых душевных состояниях
они сохраняют благородство и в движениях, и в выражении лиц. Такова
«Раненая амазонка» Поликлета, «Разгневанная Афина» в скульптурной
группе Мирона «Афина и Марсий», «Лаокон с сыноьями» Агесандра,
Полидора и Афанодора, персонажи алтаря Зевса в Пергаме,
«Умирающий галл» неизвестного автора.
Греческая скульптура сумела решить и множество других задач.
За короткий промежуток времени она очень далеко ушла от
примитивных древних изображений. Она создала образ прекрасного,
сильного и гармоничного человека. Ее достижения не зря называют
классическими – образцовыми. По этим образцам учатся и скульпторы
и художники. Они являются бесценным вкладом в общемировую
культуру.
Важную роль в древнегреческом искусстве играла живопись. Она
существовала в виде мозаики, фрески (росписи по сырой штукатурке),
станковой картины и в прикладном варианте (украшение предметов
быта). К сожалению, до наших дней греческие мозаики, фрески и
картины не дошли. По литературным источникам мы узнаем, что греки
любили живопись. Для хранения картин создавали специальные
помещения. Устраивали соревнования художников. Греки любили
живопись реалистическую, склонную к иллюзорно-точной передаче
действительности. Греческие художники открыли законы живописной
перспективы. Они умели изображать глубину пространства. Используя
светотень и цвет, они создавали иллюзию объемности предметов. Судя
по всему, художники хорошо чувствовали цвет, умели очень красиво и
гармонично расположить на холсте цветовые пятна. Живопись
наверняка находилась на таком же высоком уровне, что и скульптура.
До наших дней сохранились лишь образцы прикладной живописи
древних греков. Конечно, прикладная живопись очень сильно
отличается от монументальной и станковой. Она более проста, условна
и развивается по своим законам. Однако и она поражает своим
совершенством.
В гомеровский период самые ранние глиняные сосуды были
украшены геометрическими узорами. В последствии с ними стали
сочетать фигурки птиц и зверей. С конца IХ – начала VIII вв. до н.э. на
греческой керамике появилось изображение человека. Оно было
предельно условное и плоскостное.
В архаический период в прикладной живописи сменилось
несколько стилей. В VIII–VII вв. до н.э. на смену геометрическому
пришел ориентализирующий стиль. Он ориентировался на искусство
Египта и Ближнего Востока – включал в себя изображения лотоса,
пальмовых листьев, распустившейся розы, сцепившихся в схватке
животных. Орнамент состоял из изогнутых, спиралевидных линий и
переплетающихся лент. Он отступил на периферийные зоны: основание
сосуда, ручки, край горлышка. Центральное место заняли
повествовательные сцены – эпизоды из греческих мифов и легенд.
В конце VII в. до н.э. утвердился чернофигурный стиль. В этом
стиле поверхность сосуда подкрашивалась охрой (коричневатой
краской). Затем черным лаком наносилось изображение: на периферии
– скромный орнамент, в центре – мифологические сцены. Герои
изображались крупно. Они свободно располагались по поверхности
расписанного предмета. Художники великолепно передавали строение
тела человека и животных. Они очень точно изображали движение.
Чернофигурная живопись пользовалась таким почетом и уважением,
что художники начали подписывать свои произведения.
В конце VI – начале V в. до н.э. на смену чернофигурному пришел
краснофигурный стиль. Он господствовал и в поздней архаике, и в
классицизме и в эпоху эллинизма. В этом стиле фон делался черным, а
фигуры красновато-коричневыми. Светлые фигуры позволяли более
точно и подробно моделировать тело, изображать сложные ракурсы,
передавать выражение лиц, обращать внимание на детали костюма. Все
это делало прикладную живопись богаче, интереснее. Она стала очень
изысканной по композиции (построению). Идеально вписывалась в
форму предмета. Тематика ее отличалась большим разнообразием:
мифологические сцены, спортивные состязания, сражения, быт, эротика
и т.д. Прикладная живопись Древней Греции имела такой высокий
уровень, что являлась образцом для подражания у народов
средиземноморья.
Таким образом, греческая художественная культура достигла
высокого уровня во всех направлениях. Эти достижения были
использованы многими народами и, прежде всего, древними
римлянами.
3.2. Художественная культура Древнего Рима
Художественная культура Древнего Рима сформировалась гораздо
позже, чем культура Древней Греции. Основой ее являлась культура
древних италийских племен, населявших центральную часть
Апенинского полуострова, где, согласно легендам, в 753 г. до н.э. был
основан город Рим. Сильное воздействие на римскую культуру оказала
своеобразная культура этрусков, живших на севере Апенинского
полуострова и в VII–VI веках до н.э., захвативших всю его
территорию, в том числе и город Рим. У этрусков римляне переняли
некоторые культы, архитектурные приемы в строительстве крепостей,
храмов и жилищ, тягу к скульптурному портрету, умение изготавливать
черную полированную керамику и многое другое. Огромное
воздействие на римскую культуру оказала культура Древней Греции.
Оно шло через многочисленные греческие колонии на юге
Апенинского полуострова, через интенсивные торгово-культурные
контакты с крупными греческими городами. После завоевания Римом
Древней Греции в I веке до н.э. влияние греческой культуры еще более
усилилось. Римляне переняли у греков все важнейшие культы и
органично слили их с собственными латинскими и с этрусскими. У
греков были заимствованы многие мифологические сюжеты. Римляне
освоили выдающиеся достижения греческой архитектуры. Они
восхищались греческой скульптурой, делали с нее многочисленные
мраморные копии, подражали греческим мастерам в умении
изображать красивого человека. Римляне научились у греков приемам
реалистической перспективной живописи. Они переняли у них многие
технологии в керамике, ювелирном и оружейном деле. Значительное
влияние на древнеримскую художественную культуру оказала так же
культура Востока, с которой римляне знакомились благодаря
обширным торговым связям, а затем и грандиозным военным
завоеваниям III – I вв. до н.э.
Вобрав в себя многочисленные и разнохарактерные элементы,
культура Древнего Рима сумела сплавить их в единое целое. Она имела
неповторимый самобытный облик. Неоспоримы ее выдающиеся
достижения в самых разных областях художественной деятельности.
Влияние Римской культуры на все народы средиземноморья огромны.
В своем развитии культура Древнего Рима прошла несколько
этапов:
VIII–V вв. до н.э. – становление художественной культуры в
архаическом Риме.
IV–I вв. до н.э. – развитие художественной культуры в условиях
республики.
Конец I в. до н.э. – V в. н.э. – художественная культура Римской
империи.
Художественная культура Древнего Рима отличалась высоким
уровнем развития всех своих элементов. Каждый из них выражал
какие-то важные грани мироощущения римлян, отражал особенности
их образа жизни.
О мыслях и чувствах человека, о его месте в мире, о проблемах
общественной жизни, о свободе и счастье рассуждала литература.
Первые ее произведения появились еще в архаические времена. Это
была устная поэзия – обрядовые песни жрецов, сборщиков урожая,
пастухов, гребцов, ткачих. Сочинялись также песни свадебные,
пиршественные, колыбельные, похоронные, величальные. Долгое время
поэзия была безымянной. Первыми авторами с именами считают Аппик
Клавдия и Ливия Андронника, переведшего «Одиссею» на латынь.
Римская литература дала миру много выдающихся писателей.
Среди них особо выделяется несколько имен.
Вергилий (70–19 гг. до н.э.) написал «Буколики» – пастушеские
стихи. В них говорилось о радостях и горестях пастушеской жизни, о
стремлении к счастью, к любви. Другим произведением Вергилия были
«Георгики» – земледельческие стихи. Они прославляли сельский труд и
поучали, как надо заниматься земледелием, разводить сады и
виноградники, выращивать скот, содержать пчел. Самым грандиозным
и знаменитым произведением Вергилия является поэма «Энеида». Она
написана по образцам греческой «Илиады» и «Одисеи». В «Энеиде»
Вергилий изложил мифологическую историю Рима и рассказал о
многочисленных приключениях, выпавших на долю Энея, сына
Афродиты. Эту поэму называют энциклопедией римской культуры и
римской жизни.
Гораций (65–8 гг. до н.э.) писал поэтические оды и гимны, в
которых прославлял императора Августа, Рим и своих покровителей,
воспевал богов, рассказывал о стремлении человека к совершенству. В
сатирах Гораций изображал окружающую жизнь в ее роскоши и
ничтожности. Он рассуждал о том, что движет человеком, что манит
его и что отталкивает. В стихах о поэзии Гораций говорил о роли
поэзии, о предназначении поэта, о его взаимоотношениях с публикой, о
славе и забвении. Одно из самых лучших стихотворений Горация
«Памятник» вдохновило А.С. Пушкина на создание одноименного
стихотворения.
Овидий (43 г. до н.э. – 17 г. н.э.) был автором многочисленных
любовных стихов и грустных элегий. Ему принадлежит знаменитый
цикл поучительных поэм: «Наука любви, «Лекарство от любви»,
«Средства для лица». В зрелые годы Овидий создал произведение
«Фасты». В нем он рассказал о каждом из многочисленных римских
праздников. Таким образом, гениальным поэтом календарь был
превращен в стихи. Самым знаменитым произведением Овидия
является поэма «Метаморфозы» (15 книг). В поэме рассказано более
200 мифов о чудесных превращениях героев в растения, животные и
другие существа. «Метаморфозы» являются одним из самых
значительных произведений латинской литературы.
Апулей (I в. до н.э.) писал прозаические произведения. До наших
дней во фрагментарном состоянии дошел его авантюрный роман
«Золотой осел». В романе дается сатирическое изображение римского
общества, рассказывается о забавных приключениях героя,
превращенного в осла.
Известным автором времен императора Нерона был Петроний (I в.
н.э.). Ему принадлежит роман «Сатирикон», рассказывающий о
приключениях двух друзей и рисующий яркую картину жизни и нравов
римского общества.
В тесной связи с литературой развивался римский театр. Он
говорил о жизни человека и о его стремлениях, подмечал трагическое и
комическое в окружающей действительности. Для театра работало
много авторов. Наиболее известным из них был Плавт (середина III в. –
ок. 184 г. до н.э.). Он создал множество комедий. Действие их, как
правило, происходило в Афинах, но публика с восторгом воспринимала
ситуации и события, напоминавшие коллизии современной им римской
действительности. В театре игрались пьесы и римских авторов и
переведенные произведения греков.
Среди невербальных (несловесных) искусств высочайшего уровня
достигла римская архитектура. Много строительных приемов римляне
переняли у этрусков, у греков, у народов Востока. Эти приемы они по-
своему осмысливали и создали уникальные архитектурные сооружения.
Строили римляне из различных пород камня и из кирпича. Они
первыми начали использовать известковый раствор и бетон. Римляне
широко применяли круглые арки, усовершенствовали конструкцию
круглого свода (перекрытия), научились возводить огромные купола.
В Древнем Риме строили прекрасные каменные дороги. Их
покрывали составом, близким к современному бетону, и дороги
становились необыкновенно прочными. Знаменитая Апиева дорога,
построенная в конце IV в. до н.э. сохранилась до сих пор.
Сложнейшими архитектурными сооружениями были крепостные стены
и башни, водопроводы (наземные и подводные), канализационные
каналы.
Римские храмы отличались многообразием форм и высоким
художественным вкусом. Широкое распространение получил
четырехугольный в плане храм. В основе его лежал
модернизированный греческий периптер. Храм возводился на высоком
подиуме (постаменте) с лестницей. Вход в храм украшал углубленный