Белюков А.М. и др. Мировая культура и искусство
Подождите немного. Документ загружается.
Высокое Возрождение. «Золотой век» итальянского искусства был
очень кратким, но на него приходятся величайшие творения титанов
Возрождения. В это время формируется общеитальянский стиль
реннесансного искусства, для которого характерны гармонически
целостное восприятие мира и необычайно широкий общественный
кругозор творцов-художников. Художники Высокого Возрождения
полны творческой активности и артистического самосознания. Они не
только гении в искусстве, но обладают глубокими и разнородными
познаниями во многих областях новой светской культуры. Это люди с
сильным характером, способные заставить считаться со своими
замыслами и предпочтениями всемогущих властителей мира. В центре
их искусства - образ идеального и прекрасного человека, гармонически
сочетающего духовное богатство и физическое совершенство. Будучи
всесторонне одарёнными и талантливыми в разных сферах титаны
Возрождения сумели создать гениальные произведения искусства в
области живописи, скульптуры, архитектуры написали замечательные
труды по теории искусства.
Грандиозный качественный сдвиг в искусстве связан, прежде
всего, с именем Леонардо да Винчи (1452–1519). Гений Леонардо да
Винчи проявился в самых разных областях, но главным делом его
жизни являлась живопись. В произведениях художника отразилось
восхищение красотой окружающего мира, его гармонией и
упорядоточностью. Художника поражало многообразие природных
форм. Он воспевал величие человека, его неисчерпаемость и
загадочность.
Свои первые шаги как живописец Леонарда сделал во Флоренции
в мастерской художника А. Вероккио. На картине «Крещение» учитель
доверил Леонардо написать одного из ангелов. Он выделяется среди
остальных персонажей особой духовностью, естественостью, мягкой
красотой. Уже в этом ученическом произведении чувствуется гений
художника. Первые самостоятельные работы принесли Леонардо
известность. Во Флоренции он писал портреты и религиозные
композиции. В одной из своих ранних работ «Мадонна с цветком» он
одним из первых в Италии перешёл от темперы к живописи маслом,
постоянно экспериментируя в поисках различных составов красок.
Наиболее плодотворным в творчестве Леонардо явился первый
миланский период (482–1499), когда он поступил на службу к герцогу
Лодовико Моро. Здесь он стал самым известным художником Италии,
занимался архитектурой и скульптурой, обратился к фреске и алтарной
картине. Более десяти лет он работал над конной статуей Франческо
Сфорца, о чём свидетельствуют множество сохранившихся рисунков с
различными вариантами. Однако технически отлить из бронзы эту
статую оказалось невозможным. А глиняная модель монумента в
натуральную величину была уничтожена в ходе военных действий.
В своей первой монументальной алтарной композиции «Мадонна
в гроте» Леонардо изобразил свои персонажи в самом пейзаже, вписав
их в равнобедренный треугольник, вершина которого совпадает с
головой Марии. Утяжелив правый нижний угол картины фигурами
ангела и младенца Христа, он уравновесил её с помощью просвета в
левой верхней части картины. При этом художник создал новую манеру
живописи - невесомую световоздушную среду, смягчающую контуры.
Поместив источники света впереди и сзади фигур, так чтобы свет не
растекался в одном направлении, а рассеивался на формах, он создал
эффект едва уловимой дымки, окутывающей фигуру, названный им
сфумато. Все созданные им образы, идеально прекрасны, естественно
связаны с окружающей средой («Мадонна в гроте», «Мадонна Литта»).
Иной драматический настрой отражён в росписи стены трапезной
монастыря Санта Мария делла Грацие на сюжет «Тайная вечеря», где за
ужином Христос объявляет своим ученикам о предстоящем
предательстве одного из них. Используя точный математический
расчет, расположение персонажей и источники света Леонардо показал
физически ощутимую черную предательскую сущность Иуды,
обращённого в профиль к зрителю и спиной к источнику света.
Для Леонардо искусство и наука существовали нераздельно.
Занимаясь искусством, он делал научные изыскания, опыты,
наблюдения, выходил через перспективу в область оптики и физики,
через проблемы пропорции – в анатомию и математику. Кроме того, он
занимался геометрией, фортификацией, мелиорацией, лингвистикой,
стихосложением и музыкой.
С 1499 г. в поисках заказа начинаются годы скитаний художника:
Мантуя, Венеция, Флоренция, Милан, а затем Франция. В этот период
было создано самое замечательное произведение – портрет Моны Лизы,
супруги богатого флорентийца Франческо ди Джокондо. Леонардо
вложил в её удивительный, устремлённый на зрителя взгляд, в
знаменитую, словно скользящую загадочную улыбку, в отмеченное
зыбкой изменчивостью выражение лица заряд такой интеллектуальной
и духовной силы, который поднял её образ на недосягаемую высоту. Её
улыбка наделена странной, таинственной и магической силой. Жизнь
Леонардо окончилась на чужбине, во Франции, в 1519 году.
Личность Леонардо и неисчерпаемость его творчества выходили
за пределы своего времени, поднимались над ним. О масштабе и
уникальности его дарования говорят и его рисунки, зарисовки, чертежи,
наброски, схемы, посвящённые точным наукам и теории искусства.
Тысячи страниц его рукописей, охватывая буквально все области
знаний, свидетельствуют об универсальности этого гения.
После Леонардо третьим в созвездии гениальных мастеров
Высокого Возрождения был Рафаэль Санти (1483–1520), сын
придворного живописца. Рафаэль синтезировал достижения
предшественников и создал идеал прекрасного гармонически развитого
человека. Неустанное стремление к светлому совершенному началу
пронизывало всё его творчество и составляло его внутренний смысл.
Рафаэля называли Мастером прелестных и лирических Мадонн. Рано
оставшийся без матери, он одним порывом души написал «Мадонну
Конестабиле», в девичьем хрупком образе которой воплотил грёзу о
красоте, об идеальной гармонии. В небольших картинах, посвящённых
вечной теме материнства, женственности, обаяния, Рафаэль воплотил
самые светлые идеалы гуманизма, создав пленительные образы, полные
света и добра.
В «Сиктинской мадонне», он написал образ идеально прекрасной
молодой женщины, прижимающей к себе ребёнка – младенца Христа,
которого она отдаёт в искупление человеческих грехов. Образ матери
насыщен высокой духовностью и трагизмом. Взгляд её устремлён
сквозь зрителя и полон скорбного предвидения трагической судьбы
сына. В ней он соединил воедино античный идеал красоты и
христианский идеал духовности.
Обретя большую известность, Рафаэль получил заказ на роспись
парадных апартаментов Папы в Ватиканском дворце. Будучи учеником
прославленного мастера пространственной композиции Пьетро
Перуджино, он, словно зодчий, мастерски решил проблему синтеза
архитектуры и изобразительного искусства, разработав целую
программу фресковых циклов для прославления католической церкви и
её руководителей («Диспут», «Афинская школа», «Парнас»,
«Мудрость, умеренность и сила» и др.). Тематикой фресок были
избраны и эпизоды религиозных легенд и истории папства. Он явился
создателем простого, усредненного стиля, основой которого стало
идеальное совершенство формы. Живопись фресок понималась им как
преображённая реальность, светлая, радостная, гармоничная,
обладающая духом пленительной идиллии. Рафаэль был величайшим
портретистом своей эпохи, соединившим в своих героях внутреннюю
уравновешенность и гармонию («Папа Юлий II», «Лев Х», «Донна
Велата»).
Еще одним величайшим мастером Высокого Возрождения был –
Микеланджело Буонарроти (1475–1564). Первая половина его
творчества приходится на период расцвета искусства Высокого
Ренесансса, а вторая - на время Контрреформации и начало
формирования искусства барокко. Он превзошёл всех мастеров
насыщенностью образов, гражданским пафосом, чуткостью к смене
общественного настроения. Во Флоренции он сблизился с Лоренцо
Медичи и его передовым окружением, что оказало сильное влияние на
его творчество, лейтмотивом которого стали способность к подвигу,
борьба за утверждение прав человека за свободу. Созданные им образы
наполнены знаменитой микеладжеловской «terribilita» – «напряжением
духа».
Впервые в истории скульптуры Микеланджело соединил идеал
телесной красоты с отвлечённой духовной идеей. Такова его самая
знаменитая статуя «Давида». Герой изображён перед свершением
подвига. Его обнажённая фигура поражает своей совершенной
красотой. Его взгляд, поворот головы, сжимающая пращу рука говорят
о бесстрашии, готовности к борьбе. Не менее знаменита статуя
Микеланджело «Моисей» (Риская церковь Сан Пьетро ин «винколи»).
Пророк изображен полный титанических сил, экспрессии, воли –
качеств, столь необходимых для предстоящих трудных испытаний.
В церкви Сан Лоренцо в ансамбле капеллы Медичей,
Микеланджело воплотил идею трагического бессилия человека перед
неумолимым быстротечным временем. Лёгкая, хрупкая архитектурная
конструкция заполнена массивными выразительными скульптурными
формами, среди которых выделяются статуи «Вечер» и «Утро», «Ночь»
и «День», расположенные на саркофагах герцогов Лоренцо и Джулиана
Медичи. «Утро» олицетворяет молодая, цветущая женщина,
сбрасывающая бремя кошмарных сноведений. Что-то устрашающее
есть в физической мощи «Дня». Погружающийся в сон «Вечер» окутан
мягким движением светотени. Мучителен сон «Ночи»: тело ощущает
бесконечную усталость, голова погружена в тень.
Микеланджело известен не только как гениальный скульптор, но и
как великий художник. Самое грандиозное произведение его
монументальной живописи – роспись потолка Сиктинской капеллы в
Ватикане, площадью около 600 кв. м – выполнено им в 1508–1512 гг. В
девяти центральных композициях развёртываются события первых
дней творения, сотворения человека и его истории. Роспись поражает
титанизмом образов, величием деяний, неистовством страстей. Это
торжественный гимн творческой мощи и красоте свободного человека.
Два последних десятилетия жизни великого мастера пришлось на
период усиливающегося давления католической церкви на
гуманистическую культуру. Мастер вынужден был заниматься только
архитектурой и поэзией. О гениальности Микеланджело как
архитектора свидетельствуют, исполненные им лестница
флорентийской библиотеки Лауренцианы, оформление площади
Капитолия в Риме. Ворота Пия. Ему принадлежит рисунок и чертёж
купола собора святого Петра, претворённые в жизнь после смерти
великого мастера.
В ХVI веке одним из самых важных художественных центров
стала Венеция, сумевшая сохранить свою независимость и верность
традициям гуманизма. Венецианская школа живописи отличалась от
флорентийской своим повышенным интересом к цвету, к проблемам
колорита. Творчество ее мастеров джостигло очень высокого уровня.
Джорджоне (Джордже Барабелли да Кастельфранко) (1477–1576)
был учеником прославленного венецианского мастера Джованни
Беллини. Джорджоне был художником лиричным. Его полотна
наполнены тонкими, часто скрытыми переживаниями. Работы
Джорджоне очень поэтичны. Важную роль в его живописи играет
колорит с многообразием тонов и их мягкими переливами. На его
картинах всегда присутствует пейзаж, с которым гармонирует нагое
человеческое тело («Сельский концерт», «Спящая Венера»). Герои
Джорджоне чаще всего пребывают в раздумье, погружены в свой
внутренний мир. Многие его произведения навеяны античной
мифологией или библейскими сюжетами («Юдифь»). В своей
знаменитой и загадочной картине «Гроза» он показал напряжённо
застывшую природу и безмятежного человека. А его «Спящая Венера»
– самый прекрасный идеальный женский образ в искусстве Высокого
Возрождения.
Творчество другого художника Тициана Вечеллио (1476/1477–
1576) отличается исключительно широким и разносторонним охватом
тем и жанровым многообразием. Он один из создателей
монументальной алтарной картины, пейзажа как самостоятельного
жанра, различных типов портрета, в том числе и торжественно-
парадного. В творчестве этого великого колориста идеальные образы
соседствуют с яркими характерами, трагические конфликты – со
сценами ликующей радости, религиозные композиции – с
мифологическими и историческими картинами.
Его жизнь можно условно разделить на четыре творческих
периода. Раннего Тициана привлекала красота обнаженного женского
тела и роскошных тканей («Любовь небесная и земная»). Во 2-й период
(1519–1530) он стал самым именитым художником Венеции, выполнив
заказ герцога Феррарского, создав целый цикл картин античного
содержания («Вакханалия», «Праздник Венеры», «Вакх и Ариада»,
«Венера и Адонис», «Даная»). В это время он создал для церкви Санта
Мария дельи Фрари огромную алтарную картину «Вознесение Марии»,
художественное полотно, подобное целостному организму, все части
которого охвачены стремительным и торжественным движением.
Третий период творчества (начиная с 1530 г.) характеризуется
повышенным интересом художника к народным типам, деталям быта.
Так его «Венера Урбинская» приняла облик привлекательной и
женственной венецианки, окруженной домашней обстановкой. 40-е
годы отмечены расцветом портретного творчества Тициана, герои
которого отличаются благородством облика величественностью осанки,
сдержанностью поз и жестов. В зрелые же годы он создаёт образы
особо драматические, противоречивые характеры, изображённые в
противостоянии. Начиная с 50-х годов Тициана больше волнует
трагическая сторона жизни, зрелище человеческих страданий
(«Бичевание Христа», «Святой Себастьян»). Глубоко переживая
крушение ренессансных идеалов, он изображает своих героев,
поверженными, пронзёнными стрелами, но не сломленных. Безмерная
глубина скорби и величественная красота человека переданы им в
последнем произведении «Оплакивание Христа». В этот период
изменилась и техника письма Тициана. На смену золотистому,
светлому колориту пришла живопись мощная, бурная, пастозная с
использованием широких мазков ограниченной палитры.
Художников Высокого Возрождения называют титанами. И это
определение очень верно. Оно подчеркивает мощь их таланта, уровень
мастерства, глубину мысли и неиссякаемую жажду творчества. В 40-е
годы в художественной жизни Италии произошли изменения, которые
говорили о новом этапе в развитии культуры.
Позднее Возрождение характеризуется тем, что молодые
художники сохраняют высокий уровень мастерства, но уже не ставят
перед собой тех глобальных, грандиозных тем, которые разрабатывали
титаны Возрождения. В творчестве многих из них в 80–90-е годы
начали проявляться элементы нового стиля – барокко.
Наиболее значительными мастерами Позднего возрождения были
художники венецианской школы: Паоло Кальяри, по прозвищу
Веронезе (1528–1588) и Якопо Робусти, известного как Тинторенто
(1518–594).
Паоло Веронезе называют последним певцом праздничной,
ликующей Венеции ХVI в. Художник-монументалист создал
великолепные декоративные ансамбли стенных и плафонных росписей
с множеством персонажей и занимательных деталей. Блестящий мастер
колорита, Веронезе писал в светозарной гамме насыщенных звучных
цветов и тончайших оттенков, объединённых общим серебристым
тоном. В росписи потолка церкви Сан-Себастьяно, посвящённой
истории библейской героини Эсфири, он использовал эффект
«прорыва» потолка, в результате чего перед зрителем «открывалось»
голубое небо, на фоне которого предстают персонажи в
головокружительных ракурсах. Автор также прославился росписями
Дворца Дожей в Венеции, принимал участие в оформлении виллы
Барбаро. Фресковая живопись Веронезе, виртуозная, праздничная,
отмеченная ликующей жизнерадостностью, явилась прообразом всей
дальнейшей декоративной живописи.
Центральное место в его станковой живописи занимают
знаменитые монументальные холсты на евангельские сюжеты. Эти
произведения известны под общим названием «Пиры Веронезе» («Брак
в Кане Галилейской», «Пир в доме Левия»). В этих произведениях
чувствуется любовь к праздничной и красивой атрибутике, пирам,
процессиям, чернокожим слугам и златоволосым женщинам. В его
великолепных композициях персонажи представлены на фоне пышной
архитектуры, облачены в тяжёлые одеяния из парчи и бархаты. В
сочных, красочных картинах всегда царит атмосфера праздника,
блестящего и изысканного театрального зрелища.
Другой известный художник Тинторетто был творцом
вулканического темперамента, бурных страстей и героического накала.
Отличаясь поистине нечеловеческой трудоспособностью и
неутомимостью исканий, он глубже и быстрее, чем его современники,
чувствовал трагизм своего времени. Отказавшись от соблюдения
симметрии, статичности и строгого равновесия, он насытил свои
произведения динамикой, драматизмом действий, стал ярче выражать
человеческие чувства. Создавая массовые сцены, он объединял свои
персонажи единством переживаний. Это были уже черты барокко.
Искусство Тинторетто многогранно и богато: это и большие
композиции на религиозные темы, и исторические полотна, и картины
с мифологическим сюжетом, и замечательные «поэзии», и
многочисленные портреты. В работах раннего периода (30–40-гг.)
преобладает радость и оптимизм («Чудо св. Марка»), в работах
позднего творчества – драматизм и психологическая глубина
происходящих событийт («Тайная вечеря», «Введение во храм»,
«Похищение тела св. Марка»). Полон тяжких раздумий, мучительной
тревоги, душевного смятения и автопортрет Тинторетто. Замкнутыми в
своём величии он изображал и своих современников – патрициев и
дожей.
Стараясь уйти от трагизма текущих событий, он создаёт серию
картин из мира мечты, в которых соединяет самые красивые вещи в
мире: молодое женское тело, золотые волосы, шёлк, жемчуга,
радужные переливы небесного сияния («Сусанна», «Св. Георгий»,
«Происхождение млечного пути»). Но главным в творчестве
Тинторетто все же остаются монументальные полотна, исполненные
для залов Скуолы ди Сан-Рокко («Распятие», «Голгофа»,
Благовещение», «Христос перед Пилатом») и романтические картины
на античные сюжеты для веницианского дворца Дожей («Бахус и
Ариада», «Кузница вулкана», «Меркурий и грации», «Миневра и
Марс»).
Позднее Возрождение в Италии породило такое противоречивое и
сложное явление, как маньеризм (от итальянского слова manierismo
вычурность). Это явление отражало кризис художественных идеалов
эпохи Возрождения, характеризовалось преобладанием формы над
содержанием, стремлением заменить главный принцип Ренессанса
«подражать природе» – манерной изощрённостью формы.
В эволюции маньеризма выделяют два периода. Первый период –
20–30-е годы ХVI в. Искусство ранних маньеристов характеризовалось
антиреалистическими тенденциями и утратой гуманистических
идеалов. Образ человека лишился героической значительности, стал
излишне напряжённым. Отказ от изображения реальности привёл к
нарочитому искажению пропорций человеческой фигуры, дисгармонии
форм и иррациональному построению пространства.
Основоположником маньеризма являлся римский художник Якопо
Понтормо (Каруччи) (1494–1557), творчество которого отличалось
высокой духовностью. В своей знаменитой, одной из самых
трагических картин «Положение во гроб», он изобразил свои
персонажи с вытянутыми, причудливо изгибающимися фигурами.
Текучая линия силуэтов лишает их жизненной конкретности.
Искажённое обозначение горизонта создаёт иллюзию парения
персонажей в воздухе. В зрелые годы Понтормо стал тяготеть к
средневековой живописи с ее мистической экзальтацией и экспрессией
образов.
В творчестве другого художника – Франческо Маццола,
прозванного Пармиджанино (1503–1540), ярко проявился эстетический
идеал маньеризма – рафинированная, утончённая, хрупкая, почти
бесплотная красота, противопоставленная объективной реальности.
Художник выработал особый канон изображения, представленный в
чрезмерно вытянутых пропорциях человеческих фигур, в
преуменьшенных кистях рук и головы человека («Мадонна с длинной
шеей»).
Зрелый маньеризм – более изящен, утончен и аристократичен. Он
охватывает период с 40-х годов до конца ХVI века. Это время
укрепления феодально-монархических режимов в городах Италии и
наступление католической реакции – восстановления инквизиции,
создания ордена иезуитов, введения церковной цензуры. Многие
живописцы, поэты, скульпторы, архитекторы в этот период отказались
от идей гуманизма, унаследовав лишь манеру, технику великих
мастеров Возрождения, перешли под покровительство церкви и
монархов. Придворное искусство этого периода свелось в основном к
парадному портрету и так называемым «историям» – грандиозным
многофигурным росписям на религиозно-мифологические сюжеты или
прославления правящих династий.
Среди художников маньеристов этого периода особенно
выделялись Аньоло Бронзино (1503–1572) и Бенвуто Челлини (1500–
1571). Их творчество оставило значительный след в итальянской
живописи. Бронзино известен, как основатель придворного
психологического портрета. Работая при дворе флорентийского герцога
Козимо I, он создал целую серию портретов представителей правящей
династии. За фарфоровую, блистательную живопись, за краски,
сияющие холодным блеском, он получил прозвище – «бронзовый».
Бенвуто Челлини – скульптор, теоретик искусства, автор
разнообразных рельефов, виртуозных по мастерству исполнения
ювелирных изделий. Он представлял так называемое декоративное
направление. В его творчестве отчётливо проявились реалистические
каноны Возрождения (бронзовая статуя «Персей»). В истории культуры
он остался не только как выдающийся ювелир, давший своё имя целому
периоду в развитии прикладного искусства, но и как мемуарист,
талантливо воссоздавший портреты своих современников в книге
«жизнь Бенвуто Челлини».
Безудержная фантазия маньеристов нашла благоприятную почву и
широкое поле деятельности в живописи Испании, Германии,
идерландов и Франции. Маньеристские тенденции в итальянском
искусстве, свидетельствуя о вырождении великих идеалов
Возрождения, предвещали рождение нового стиля – барокко.
Итальянское Возрождение было таким новым и ярким явлением в
духовой жизни, что приклекало к себе внимание всех образованных,
творческих людей Европы. Гуманистические идеи и новые
художественные формы довольно быстро распространились за
пределами Италии. Итальянское Возрождение было той основой, на
которой строилась новая культура во всей Европе.
6.2. Культура Северного Возрождения
Северным Возрождением называют процесс распространения
гуманистических идей и новых художественных форм в странах,