Емохонова Л.Г. Мировая художественная культура

Подождите немного. Документ загружается.

408

как небольшие павильоны из стекла

и металла, другие в виде металличе-

ских балюстрад со светильниками и

панно для маршрутных схем. Чугун-

ные фо нари, покрытые зеленой кра-

ской, со ставляли неотъемлемую часть

конст рукции и напоминали гигант-

ские эк зотические цветы, свисающие

с ме таллических ветвей. Даже само

слово «метрополитен» было исполне-

но в традиционной для ар нуво графи-

ке. Неслучайно модерн 90-х годов во

Франции называли «стилем Гимар»

или «стилем метро».

В других архитектурных построй-

ках, главным образом в особняках,

виллах, в многоэтажных домах, Гимар

демонстрировал удивительную компо-

зиционную фантазию и тонкое пони-

мание декоративного сочетания раз-

личных материалов - металла, стекла,

дерева, керамики. Причем, сообразуясь

с орнаментальной эстетикой ар нуво,

Гимар задумывал и воплощал свои

проекты целиком, вплоть до послед-

него гвоздя; дверных ручек, светиль-

ников, оконных переплетов, вентиля-

ционных решеток, каминов, витражей. Великолепным примером тому служит

знаменитая решетка входных дверей особняка Кастель Беранже в Париже. Для это-

го особняка Гимар сделал даже эскизы мебели. Все выдерживалось им в одном сти-

ле - динамическом, текучем, «изысканном».

В целом архитектурный и прикладной модерн в «пластическом» направлении

тяготел к ювелирной отточенности, изысканности, тонкости декорировки. В его

формах проявлялись черты элитарности, и неслучайно этот стиль называют «сти-

лем миллионеров».

Одним из направлений модерна, попыткой противостоять «хаосу» разности-

лья, эклектики явилось обращение архитекторов к традициям классицизма. За-

рождение неоклассицизма как общеевропейского направления архитектуры в

рамках модерна связано с постройкой архитектором Францем Штуком (1863-

1928) виллы в Мюнхене. Штук создал лаконичный объем с мощным дорическим

портиком на главном фасаде по типу классических греческих зданий. Архитекту-

ру этого направления - неоклассицизма - отличали монументальность, помпез-

ность. И именно он стал прямым источником архитектуры Германии 30-40-х

го дов XX в.

Совершенно новым в архитектуре модерна, получившим интенсивное разви-

тие в начале XX в., стало рациональное направление, которое возникло как ре-

зультат влияния технического прогресса на архитектуру. Большое значение в

развитии архитектурной формы тут сыграло применение металлических конст-

рукций. Металлический каркас позволял по-новому трактовать внутреннее про-

странство здания, создавать большие остекленные поверхности фасадов. Стекло

Наземный вход станции метро.

Арх. Г. Гимар. Париж

409

и металл стали основой предельно простых

архитектурных форм. При этом выпущенные

серийным методом элементы металлических

конструкций вносили в облик здания опре-

деленное единообразие, что воспринималось

как его «рациональность». Рационалистиче-

ские тенденции в архитектуре модерна кос-

нулись большинства национальных школ, и

общим для них было сочетание горизонталь-

ных и вертикальных линий, контраст голой

стены и намеренно грубых металлических

оконных переплетов, полное преодоление ор-

намента и облицовка фасадной стены мелкой

керамической плиткой.

В рационалистических рамках модер-

на за родилась промышленная архитектура,

проникнутая «машинным» духом. Фабрич-

ные здания, строившиеся из кирпича, и двух-

этажные дома для фабричных рабочих отра-

жали эстетику простоты и аскетизма.

Несмотря на богатство художественных

идей и множество оригинальных направле-

ний, стиль модерн не получил тем не менее

дальнейшего развития.

В различных модернистских течениях бо-

лее позднего времени исчезло художественно-

образное содержание искусства, исчезло чело-

веческое и прервалась «связь времен» и, как

писал Н. Бердяев в 1917 г., «нарушились гра-

ни, отделяющие одно искусство от другого и

искусство вообще от того, что не есть уже ис-

кусство». Именно поэтому искусство модерна называют «последним большим ху-

дожественным стилем».

Контрольные вопросы и задания

1. Расскажите о традиционных мотивах и сюжетах в живописи и декоративно-приклад-

ном искусстве модерна.

2. Какие направления в архитектуре модерна вы знаете?

АВАНГАРДНОЕ ИСКУССТВО XX ВЕКА

Двадцатый век ознаменовался множеством нововведений в искусстве и лите-

ратуре, связанных с катастрофическими изменениями в общественном сознании

в период революций и мировых войн. Новые условия социальной действительно-

сти оказали воздействие на всю художественную культуру в целом, с одной сто-

роны, дав новое дыхание классической традиции, а с другой - породив новое ис-

кусство - авангардизм (от фр. avant - передовой и gard - отряд), или модернизм

(от лат. modernus - новый, современный), наиболее полно отражавшее лицо време-

Жилой дом. Арх. Г. Гимар. Париж

410

ни- По существу, термином «модернизм» обозначаются художественные тенден-

ции,

течения, школы и деятельность отдельных мастеров XX в., отказавшихся от

преж ней изобразительной формы, порвавших с понятием стиля как целостности

формы, пространства, плоскости, цвета и провозгласивших свободу выражения ос-

новой своего творческого метода.

Художественная культура переживала невиданный до сих пор грандиозный рас-

пад на резко различные движения. Возникли формы, отсутствующие в природе и

присущие только искусству. Изобразительное искусство отошло от «копирова ния

натуры»: акцент делался на создание формы, отражающей духовную сторону при-

роды, невидимую, а следовательно, и неизобразимую.

В этих бурных и многочисленных художественных движениях можно выделить

несколько основных: фовизм, экспрессионизм, абстрактивизм, футуризм, кубизм,

сюрреализм, пуризм, орфизм, конструктивизм,

Фовизм (от фр, les fauves - дикие) основывался на необычной яркости цвета и

нарочитой огрубленности формы, Фовисты максимально усиливали выразитель-

ность цветового пятна за счет контраста с дополнительными тонами, не заботясь

о реальной окраске предметов. При этом чрезмерная красочность их картин, не кая

«зрительная агрессивность», вела к неизбежному упрощению формы, появле нию

резких контуров, разделяющих яркие пятна цвета.

Лидером движения за чистоту цвета считается Анри Матисс (1869-1954), ко-

торый, как сказал его учитель Г, Моро, значительно «упростил» живопись. Он от-

казался от светотеневой моделировки; от линейной перспективы, предпола гавшей

движение цвета от теплых тонов на первом плане к холодным на дальнем; от пе-

редачи световоздушной среды с помощью зыбкой пуантилистической мане ры. От-

крытие Матисса состояло в своеобразной «эмансипации» цветового пятна и линии

от валёров. Красочный слой наносился на холст произвольно - либо крупными пло-

скими пятнами одного цвета, либо хаотичными разноцветными мазками. Он созда-

вал не предметную, а некую «живописную» реальность, в ко торой цвет не зависел

от изображаемого объекта, свет передавался посредством ярких и чистых красок,

а трехмерное пространство уступало место ритмической организации плоскости в

трехцветной гамме красного, зеленого и синего. При этом колорит картины всегда

был более ярким, нежели краски природы, и вызы вал радостное, праздничное ощу-

щение мира. Таков, к примеру, «Вид из окна» (см. цв. вкл.), где с помощью града-

ции холодных синих тонов создается эффект пространства, в бездонной дали ко-

торого виднеются освещенные солнцем светлые постройки. Присущая Матиссу

декоративная манера живописи заключается в том, что контурная линия, очерчи-

вающая плоское цветовое пятно, легко пере водит изображение в орнаментальный

узор и придает ему определенное эмоцио нальное звучание. Так, например, с помо-

щью четкого простого рисунка и ма жорной красочной гаммы в монументальных

панно «Танец» и «Музыка» переда ны ритм танца и звучание музыки. Это уникаль-

ное изобразительное воплощение души танца и музыки.

Дерзкая живопись французских фовистов оказала непосредственное влияние

на немецких экспрессионистов (от лат. expressio - выражение), объединившихся

в группы «Мост» и «Синий всадник». Немецкие живописцы отображали в карти-

нах не действительность, а свои внутренние ощущения. Для более сильного выра-

жения их они использовали подчеркнуто примитивные грубые формы, добиваясь

ост рых ритмов за счет нарочитой деформации тел, повторов, абстрактных линий

и плоскостей. Особое значение экспрессионисты придавали локальному цвету, его

красоте и символике, оттеняя его черным и белым контуром. Так, например, круп-

411

нейший представитель этого течения Карл Шмидт-Ротлуфф (1884-1976), основа-

тель группы «Мост», создавал монументальные условные пейзажи с упрощенными

угловатыми формами, ритмизованными цветовыми плоскостями и агрессивной

красочной палитрой, где вода изображалась красной, а прибрежный песок синим.

Второй видный живописец-экспрессионист, один из основателей «Синего всадни-

ка» - Франц Марк (1880-1916), для того чтобы передать возвышенное эмоциональ-

ное состояние, использовал не свойственные природе цвета (см. цв. вкл.) и фраг-

ментированные плоскости. В картинах «Башня синих лошадей» и «Синие лани» он,

представляя животных гораздо одухотвореннее и прекраснее людей, писал их в си-

нем цвете, символизирующем духовную чистоту и мир идеального. Для передачи

движения Марк множил визуальный образ, как в картине «Олень в лесу, № 1», где

пять животных в различных ракурсах изображали путь оленя. В своих позд них ра-

ботах художник, совмещая в одной плоскости ритмичные силуэты живот ных, хол-

мов, деревьев, постепенно перешел от изобразительности к абстракции.

Разновидностью экспрессионизма считается абстрактный экспрессионизм, яв-

ляющийся в то же время одним из составляющих абстрактивизма (от. лат. abst

ractio - отвлечение). Эта наиболее активная тенденция модернизма понималась как

высшая форма искусства, «очистившегося» от изобразительности и создавав шего

беспредметные цветовые и ритмические композиции, которые рождали сво бодные

ассоциации. Абстрактивизм отражал отчуждение художника от действи тельности.

По словам немецкого художника Пауля Клее, «чем ужаснее делался мир, тем аб-

страктнее становилось искусство».

Крупнейшим представителем абстрактного экспрессионизма был русский ху-

дожник Василий Кандинский (1866-1944), в творчестве которого мы видим абсо-

лютное господство цвета над изображением. В его композициях красочные кру-

ги, квадраты и треугольники, сочетаясь с прямыми черными линиями на белом

фоне, вызывали разного рода предметные ассоциации. Кандинский связывал кра-

ски с определенным состоянием души и со звуками предметного мира («фиолето-

вые скрипки», «желтый звук»), выстраивая беспредметные аморфные композиции

по законам музыки. Он опирался на такие элементы музыкальной структуры, как

главная тема, вариации, нарастающие и гаснущие ритмы, инверсии. «Композиция

№ 6», «Композиция № 7», «Композиция № 8» и другие выражают внутренний мир

художника, отстранившегося от внешних факторов и подражания природе.

Ярким представителем абстрактного искусства был немецкий художник Пауль

Клее (1879-1940). Он также придавал первостепенное значение взаимосвязи музы-

ки и цвета, что наиболее наглядно было отражено им в картине «Памятники в Г.».

Полотно представляет собой ритмическое чередование тонких полосок блеклого зеле-

ного, терракотового и приглушенного красного цвета с редким вкраплением яркого желто-

го, на котором процарапаны треугольники и другие ломаные линии.

Согласно концепции Кандинского, устойчивый ритм полос должен был вызы-

вать ассоциации с монотонным звучанием цитры. Вместе с тем чередование цве-

та порождало ассоциацию с бескрайней песчаной пустыней, полосками возде-

ланной земли по берегам Нила и и вызывало ощущение вечности. Треугольники

симво лизировали знаменитые пирамиды фараонов IV династии в Гизе; полоски

и вер тикальные черточки - песчаные дюны и ирригационные каналы; звездочки,

стрелки, иероглифические значки - пальмы и пышную растительность там, куда до-

ходили воды нильских разливов.

Клее уподоблял картину камерному музыкальному произведению, в котором

горизонтальные темные линии, разделяющие цветные полосы, служили подобием

412

нотного стана, а геометрические фигуры - нотными знаками; желтый цвет соответ-

ствовал «высоким нотам», возвышающим душу, красный создавал ощущение тре-

воги и давал «звучание» громкого барабанного боя, а зеленый обладал уравнове-

шивающим действием и соответствовал певучим звукам скрипки.

Вторым из основных течений абстрактивизма был конструктивный геометризм,

или супрематизм (от лат. supremus - наивысший, последний), изображавший про-

стые геометрические фигуры в цвете. Основоположником течения был тоже рус-

ский художник Казимир Малевич (1878-1935), открывший истинную реальность

«в нуле форм». За основу бытия, «нуль форм» принимался статичный черный ква-

драт. Путем сдвигов, пересечений и делений он превращался в черный крест либо,

вра щаясь вокруг геометрического центра, трансформировался в динамичный чер-

ный круг. На одном из этапов превращений возникал цвет, и многофигурные компо-

зиции состояли из красочных геометрических элементов. На последней стадии су-

прематизма «растворение форм в космических глубинах мироздания» привело к

«белому на белом» - символу бесконечного и непостижимого. Супрематическая

беспредметность обозначала окончательное освобождение от любого образа.

Футуризм (от пят futurum - будущее) получил название по стремлению италь-

янских художников отразить в своих картинах темп и дух индустриальной жиз-

ни. Футуристы абсолютизировали динамизм и, стремясь создать эффект движения,

прибегали к абстрактному синтезу фрагментов натуры, кубистских геометриче-

ских плоскостей и дробящихся, наползающих друг на друга линий. Так, например,

Джино Северини (1883-1966) передал ритм танца в «Бале Табарин» при помощи

наползающих друг на друга по принципу мультипликации дробящихся фрагмен-

тов (фигур женщины в красной юбке и мужчины в монокле, виолончели, абст-

рактных геометрических плоскостей). Умберто Боччони (1882-1916) изображав

один и тот же объект под разными углами зрения, показывая тем самым различ-

ные стадии движения («Динамизм футболиста», «Динамизм велосипедиста»), Кар-

ло Карра (1881-1966) - бегущую лошадь с двадцатью ногами. Автобус на его кар-

тине въезжал в дома, мимо которых двигался, а дома обрушивались на автобус и

сливались с ним.

Формированию кубизма (от фр. cub - куб) как самостоятельного течения в изо-

бразительном искусстве способствовала выставка в 1904 г. картин Сезанна, при-

зывавшего художников сводить весь видимый мир к простейшим геометриче-

ским формам. Выдающимися выразителями кредо кубизма стали француз Жорж

Брак (1882-1963) и испанец Пабло Пикассо (1881-1973). Брак упрощал формы

до маленьких кубиков и, развернув их по разным осям, создавал комбинации из

пе реплетенных плоскостей, начисто абстрагируясь от линейной перспективы и

по казывая предмет одновременно как бы с разных ракурсов. Написанная таким

способом «Гавань в Нормандии» представляет собой изящное соотношение гео-

метрических плоскостей с тончайшими нюансами бежевых, голубых, серо-зеле-

ных тонов. Пикассо под влиянием «дикой» пластики негритянской скульптуры под-

вергал органические природные формы геометризованной деформации, эпатируя

зрителей дерзостью и грубостью. Неслучайно его программная для кубизма кар-

тина «Авиньонские девицы» вызвала скандал и была прозвана «вывеской для бор-

деля». Тела на ней, рассеченные крупными плоскими гранями, оттененные цве том,

образуют жесткий динамичный рельеф.

Вслед за первой, «сезаннистской», фазой развития кубизма последовала вто рая

- «аналитическая», Пикассо дробил на тысячу кусков лицо и тело женщины, пре-

вращая картину в дробный узор мелких геометрических элементов, сквозь который

проглядывало абстрагированное от действительности изображение.

413

Для третьей фазы - «син-

тетического кубизма» - ха-

рактерны многоцветные

жи вописные композиции, пред-

ставляющие собой наложен-

ные один на другой плоские

фрагменты предметов, как

правило, музыкальных инст-

рументов - скрипок, виолон-

челей, гитар. В «Трех музы-

кантах» Пикассо красочные

плоскости костюмов, нот,

масок, музыкальных инстру-

ментов в контрасте с черным

фоном создают многосту-

пенчатую глубину изобра-

жения. Композиции синте-

тического кубизма отличают

джазовость и упрощенная

декоративность с примене-

нием коллажа, заключающе-

гося в наклеивании на осно-

ву материалов другой фак туры

и цвета (papiers codes).

На основе кубизма сформи-

ровался новый вид искусства - ассамблаж, когда объемные, предметно раскрашен-

ные изделия из разных материалов подвешивались к вертикальной плоскости.

Творчество Пикассо не замыкается, впрочем, одним кубизмом, и значение его

гораздо шире иных течений, ибо, по меткому определению, «Пикассо - это двад-

цатый век, и, как все искусство двадцатого века, Пикассо вне стилей». Самый ран-

ний период творчества художника называют «голубым» из-за холодной гаммы си-

него цвета и тем обреченности, горя, одиночества. Героями его картин тогда были

нищие, бродяги, одинокие старики. В «розовый период», для которого ха рактерно

более светлое мировосприятие и пристрастие к пепельно-розовым тонам, худож-

ник изображал бродячих цирковых артистов, арлекинов и акробатов. Отказавшись

от кубизма, после 1914 г. Пикассо менял одну манеру за другой, по ражая совре-

менников множеством разнообразных стилей, манер, приемов. В 1937 г. он напи-

сал знаменитое панно «Герника», посвященное уничтожению этого испан ского го-

рода во время фашистской бомбардировки. Панно являет собой художе ственный

символ всемирной катастрофы, той жестокой и бессмысленной бойни, в кото-

рую фашизм вверг человечество. Оно построено по принципу калейдоскопич-

ности: отдельные фрагменты, обломки реальных и фантастичных предметов

разламываются, рушатся и вместе с тем составляют единое, безупречно выверен-

ное целое.

Значительное место в авангардном искусстве заняла иррационалистиче-

ская тенденция, наиболее рельефно выразившаяся в дадаизме (от фр. dada - ко-

нек, де ревянная лошадка, детский лепет), отрицавшем искусство как ненужное и

бес смысленное занятие. Лидер течения Марсель Дюшан (1887-1968) выдвинул

про грамму «антиискусства», в соответствии с которой создание собственно художе-

ственных произведений заменяли экспонированием нелепых реальных предметов

П. Пикассо. Герника. Предо. Мадрид

414

(перевернутый писсуар, велосипедное колесо), подражанием детскому рисунку или

искусству дикарей. Характерным примером творчества дадаистов служит «Мона

Лиза с усами», где прославленный шедевр Леонардо да Винчи красуется с прири-

сованными усами и бородкой.

В русле иррационализма в Италии возникла так называемая метафизическая

живопись (от греч, meta - после и phisika - природа), отражавшая духовные явле-

ния, недоступные опытному знанию и раскрывавшиеся через загадочные сочетания

реальных предметов, архитектурных фрагментов и ирреальных объектов. Созда-

телем ее стал Джорджо де Кирико (1888-1978), В его «метафизических» компози-

циях «Меланхолия политика», «Метафизическая муза» геометрические пейзажи

с застылыми фигурами-манекенами без лиц, погруженными в тягостное безмол-

вие, вызывали ощущение остановившегося времени, символизируя тем самым

вечность, и подчеркивали иррациональные связи между внешне не связанными

предметами.

Оба иррациокалистических течения - «метафизическое искусство» и дадаизм

-стали провозвестниками сюрреализма (от фр. sur - над, сон и realism - реализм),

провозгласившего источником искусства сферу подсознания - инстинкты, сно-

видения, галлюцинации. Главным в сюрреализме считается понятие trompl'oeil

(«обман зрения»), предполагавшее изображение знакомых предметов, но либо де-

формированных, либо в парадоксальных сочетаниях. Стилевые очертания сюр-

реализма напрямую связаны с персональными наклонностями художника.

Бельгийский живописец Рене Магритт (1898-1967) сталкивал точную пред-

метную изобразительность с внутренним подтекстом; причем уже в самих назва-

ниях картин заключалось некое про-

тиворечие: нередко поэтичные, они

лишены видимой связи с мотивов.

изображения. Такова, к примеру, кар-

тина «Великая война».

Нарядно одетая дама по моде 1910 г

в белом платье, белых перчатках, белой

шляпе со страусиными перьями, под бе-

лым кружевным зонтиком - на фоне мор-

ского простора абсолютно реальна, но

вместо лица у нее прелестный букетик

фиалок. Фиалки поглотили лицо, но и

скрытая плоть воспринимается как расти-

тельная, начисто лишенная плотского или

эротического содержания. Женщина-цве-

ток объявляет великую войну обыденному

и привычному восприятию ее предназна-

чения. Она демонстративно стала буке-

том, чтобы доказать загадочность мира,

при открыть завесу над тайной, которая

может быть выражена только поэзией.

В картине «Империя света» Маг-

ритт, абстрагируясь от привычного

взгляда на жизнь и человеческую лот.

гику, исходя из реальности, создает

; сюрреальное: на фоне лучезарного

дневного неба высятся купы деревьев,

погруженный в сумрак ночи дом с за-

Л. Магритт. Великая война. Частая коллекция

415

крытыми ставнями отражается в водоеме, освещенный неверным светом фонаря.

Ночь и день, тьма и свет составляют единое целое, и в этом дуализме просматри-

вается реальное и условное.

Испанский художник Сальвадор Дали (1904-1989), опираясь на сюрреалисти-

ческий метод «автоматического письма», противопоставлявший творческой воле

художника иррациональные безумные видения, создавал галлюцинаторные фан-

тазмы. Дали умел придать своим картинам эффект оптической иллюзии, объединяя

натуралистическое изображение с абсурдными иррациональными темами. Самые

противоречивые соединения и фантасмагорические существа на картинах Дали

должны были восприниматься как символы бессознательного, а сама живопись

-как галлюцинация. И все же, несмотря на некоторые стилистические различия,

художников-сюрреалистов объединяла передача невозможного и алогичного путем

сочетания натурализма с параноидальным неправдоподобием.

Значительным направлением в новом авангардном искусстве XX в. стал пу ризм

(от лат. purus - чистый), настаивавший на «очищении» действительности от внеш-

них несущественных деталей. Согласно этой идее, объект изображения за менялся

«пластическим символом», графически выражающим суть конструкции. Идеологи

пуризма Амеде Озанфан (1886-1966) и Ле Корбюзье (1887-1965) в своих графиче-

ских натюрмортах уподобляли живопись пластическому сочетанию ли ний и изы-

сканных геометрических силуэтов, написанных в приглушенной гамме.

Живописцы, создававшие «новую реальность» не из линий, а из простейших

цветовых сочетаний, оптически смешивающихся «в глазу зрителя», относили себя

к течению орфизма. Основные черты орфической живописи, названной так по ас-

социации с именем древнегреческого певца и родоначальника мистерий Орфея,

состояли в особой музыкальности линий, отвлеченной беспредметной пластично-

сти силуэтов, мистической иррациональности тончайших цветовых сочетаний.

С. Дали. Искушение св. Антония. Частная коллекция

416

Лидер этого течения Робер Дело-

не (1885-1941) составлял цвето-

вые абстрактные конструкции из

простых геометрических фигур,

как правило, кругов и спиралей,

окрашенных в семь основных

цветов, которые, «смешиваясь в

глазу» по системе М.Э. Шеврё-

ля, создавали эффект движения

и казались разрастающимися. В

од ном из вариантов пуризма по-

добные идеи привели к культу

техники, когда все случайное, не

соответствующее утилитарной

функции, отбрасывалось. Это

течение, представленное творче-

ством французского художника

Фернана Леже (1881-1955), по-

родило конструктивизм (от лат.

constructio - построение), в основе которого лежала простая компоновка объем-

ных и плоскостных фигур. Леже создал оригинальный «индустриальный» стиль,

отразивший новую эстетику в век всемогущества машин. В его картинах «Город»,

«Красный стол», «Ныряльщики на желтом фоне» и других человеческие фигуры,

интерьеры, городские пейзажи составлены из цилиндров, винтов, дисков, шаров,

напоминающих детали машин и узлы механизмов. Объемные криволинейные фор-

мы, подчеркнутые черным контуром, в сочетании с энергичной красочной палит-

рой стали своеобразным символом машинной цивилизации.

Архитектура постмодернизма. Ле Корбюзье

В архитектуре еще на закате модерна железобетонная конструкция здания све-

лась в конечном счете к соответствию внутренних и внешних форм. Конструкти-

визм предполагал серийное проектирование жилых домов, как две капли воды по-

хожих один на другой, где ордерный канон уступал место простому соединению

конструкций. Признанным лидером нового движения стал Ле Корбюзье. Он вы-

двинул новую градостроительную концепцию «Современный город на 3 милли-

она жителей», предвосхитившую на десятилетия композицию городского ансам-

бля: территория должна была застраиваться башенными домами, между которыми

рас полагались зеленые зоны и транспортные магистрали. Любопытно, что Ле Кор-

бюзье охарактеризовал дома как «объекты, поставленные посреди пейзажа», слов-

но предвидя, что эти конструкции будут заведомо чужды природе. В своих зданиях

архитектор широко использовал бетон, структуру ячеек, передвижные перегород-

ки в интерьере, реализуя на практике пять пунктов новой архитектуры: дом подни-

мается над землей на сваях; применение каркаса обеспечивает свободную плани-

ровку интерьера; опоры каркаса отступают вглубь от плоскости фасада, что де лает

возможным любое его оформление; геометрический объем завершается пло-

ской кровлей; ленточные окна выполняют сугубо функциональную роль. Прину-

дительная геометризация, отсутствие зрительных акцентов, «верха» и «низа», ос-

нования и завершения делали конструктивистские здания невыразительными. В

период между двумя мировыми войнами концепция строительства крупно мас-

А. Озанфаи. Графика на черном фоне.

ГМИИ им. А. С. Пушкина. Москва

417

штабных «машин для жилья» существовала лишь в проектах, и высотные здания,

которым отводилась главная градообразующая роль, возводились только в Аме рике

- в гуще городской застройки, вне связи с градостроительной системой.

В Европе наиболее продуктивно развивались две градостроительные тенден-

ции. Первая - антиурбанистическая, основанная на старой идее города-сада, имела

целью рассредоточить население больших городов в расположенных вокруг горо-

дах-спутниках. Идеальная модель города предполагала объединение в одном ан-

самбле жилых районов, парковых и лесных зон с вынесением за пределы этого «зе-

леного пояса» автомобильных дорог.

Вторая - урбанистическая тенденция состояла в благоустройстве жилых, осо-

бенно рабочих, кварталов, рационализации городского транспорта, зонировании

территории. В русле этой тенденции производились частичная реконструкция и

возведение дешевого муниципального жилья в Кёльне, Амстердаме, Берлине, Вене

и других городах. Эта так называемая социальная архитектура соответствовала са-

мым необходимым потребностям жильцов, что и обусловило строительство ма-

лоэтажных домов с малогабаритными «минимальными квартирами». Она бази-

ровалась на использовании новых конструкций (металлического каркаса, сборных

бетонных панелей) и материалов (железобетона, стекла), способствуя зарождению

новой эстетики утилитаризма и рационализма. В многочисленных жилых кварта-

лах и рабочих поселках, застроенных секционными домами, выявились эстетиче-

ская скудость и удручающее однообразие «социальной архитектуры», отвечавшей

лишь аскетическим нуждам человека. Таковы, например, поселки «Сите модерн»

около Брюсселя, «Карл-Маркс-Хоф» в Вене, «Китайская стена» в Берлине. В целом

рационалистическая архитектура превратилась в интернациональное явление, опе-

рирующее едиными градостроительными и архитектурными принципами.

В то же время архитектурный облик административных и общественных зда-

ний, несмотря на использование железобетонных конструкций и новых материа-

лов, оформлялся в духе национальной романтики или неоклассики. Таковы круп-

нейшие общественные здания - Дворец Шайо в Париже, построенный Жаком

Карлю, дворец Стоклетт в Брюсселе, спроектированный Жаном Ван Неком и Вик-

Ле Корбюзье. Павильон в парке Медельхем. Брюссель