Бычков М.Н. Популярный справочник. Творческие портреты композиторов

Подождите немного. Документ загружается.

Национальную принадлежность Генделя оспаривают Германия и Англия. В

Германии Гендель родился, на немецкой почве сложилась творческая личность

композитора, его художественные интересы, мастерство. С Англией же связана

большая часть жизни и деятельности Генделя, формирование эстетической

позиции в музыкальном искусстве, созвучной просветительскому классицизму А.

Шефтсбери и А. Пола, напряженная борьба за ее утверждение, кризисные

поражения и триумфальные успехи,

Гендель родился в Галле, в семье придворного лекаря-цирюльника. Рано

проявившиеся музыкальные способности были замечены курфюрстом Галле -

герцогом Саксонским, под влиянием которого отец (намеревавшийся сделать сына

юристом и не придававший серьезного значения музыке как будущей профессии)

отдал мальчика на обучение лучшему музыканту города Ф. Цахову. Хороший

композитор, эрудированный музыкант, знакомый с лучшими сочинениями своего

времени (немецкими, итальянскими), Цахов раскрыл Генделю богатство разных

музыкальных стилей, привил художественный вкус, помог отработать

композиторскую технику. Сочинения самого Цахова во многом вдохновили Генделя

на подражание. Рано сформировавшийся как личность и как композитор, Гендель

уже к 11 годам был известен в Германии. Изучая право в университете Галле

(куда он поступил в 1702 г., выполняя волю уже умершего к тому времени

отца), Гендель параллельно служил органистом в церкви, сочинял, преподавал

пение. Он работал всегда много и упоенно. В 1703 г. движимый желанием

совершенствования, расширения сфер деятельности, Гендель уезжает в Гамбург -

один из культурных центров Германии XVIII в., город, имеющий первый в стране

публичный оперный театр, соревнующийся с театрами Франции и Италии. Именно

опера влекла к себе Генделя. Желание ощутить атмосферу музыкального театра,

практически познакомиться с оперной музыкой, заставляет его поступить на

скромную должность второго скрипача и клавесиниста в оркестр. Насыщенная

художественная жизнь города, сотрудничество с выдающимися музыкальными

деятелями того времени - Р. Кайзером, оперным композитором, бывшим тогда

директором оперного театра, И. Маттезоном - критиком, литератором, певцом,

композитором - оказало огромное воздействие на Генделя. Влияние Кайзера

обнаруживается во многих операх Генделя, притом не только ранних.

Успех первых оперных постановок в Гамбурге (_Альмира_ - 1705, _Нерон_ -

1705) окрыляет композитора. Однако пребывание его в Гамбурге оказывается

недолгим: банкротство Кайзера ведет к закрытию оперного театра. Гендель

направляется в Италию. Посещая Флоренцию, Венецию, Рим, Неаполь, композитор

вновь учится, впитывая самые разнообразные художественные впечатления,

прежде всего - оперные. Способности Генделя к восприятию разнонационального

музыкального искусства были исключительными. Проходит буквально несколько

месяцев, и он осваивает стилистику итальянской оперы, притом с таким

совершенством, что превосходит многие признанные в Италии авторитеты. В 1707

г. Флоренция ставит первую итальянскую оперу Генделя _Родриго_, через 2 года

Венеция - следующую, _Агриппину_. Оперы получают восторженное признание у

итальянцев, весьма требовательных и избалованных слушателей. Гендель

становится знаменитым - входит в известную Аркадскую академию (наряду с А.

Корелли, А. Скарлатти. Б. Марчелло), получает заказы на сочинение музыки для

дворов итальянских аристократов.

Однако главное слово в искусстве Генделю надлежит сказать в Англии,

куда его впервые приглашают в 1710 г. и где он окончательно обосновывается с

1716 г. (в 1726 г. принимая английское подданство). С этого времени

начинается новый этап в жизни и творчестве великого мастера. Англия с ее

ранними просветительскими идеями, образцами высокой литературы (Дж.

Мильтона, Дж. Драйдена, Дж. Свифта) оказалась той плодотворной средой, где

раскрылись могучие творческие силы композитора. Но и для самой Англии роль

Генделя была равна целой эпохе. Английская музыка, потерявшая в 1695 г.

своего национального гения Г. Перселла и остановившаяся в развитии, вновь

поднялась на мировую высоту только с именем Генделя. Его путь в Англии,

однако, был не простым. Англичане приветствовали Генделя вначале как мастера

оперы итальянского стиля. Здесь он быстро победил всех своих соперников, как

английских, так и итальянских. Уже в 1713 г. его Te Deum исполняется на

празднествах, посвященных заключению Утрехтского мира, - честь, которой до

этого не удостаивался ни один иностранец. В 1720 г. Гендель берет на себя

руководство Академией итальянской оперы в Лондоне и таким образом становится

во главе национального оперного театра. На свет появляются его оперные

шедевры - _Радамист_ - 1720, _Оттон_ - 1723, _Юлий Цезарь_ - 1724,

_Тамерлан_ -1724, _Роделинда_ - 1725, _Адмет_ - 1726. В этих сочинениях

Гендель выходит за рамки современной ему итальянской оперы-seria и создает

(свой тип музыкального спектакля с ярко очерченными характерами,

психологической глубиной и драматической напряженностью конфликтов.

Благородная красота лирических образов опер Генделя, трагическая сила

кульминаций не имели себе равных в итальянском оперном искусстве своего

времени. Его оперы стояли у порога назревающей оперной реформы, которую

Гендель не только почувствовал, но и во многом осуществил (намного раньше

Глюка и Рамо). Вместе с тем социальная ситуация в стране, рост национального

самосознания, стимулированный идеями просветителей, реакция на навязчивое

преобладание итальянской оперы и итальянских певцов порождают негативное

отношение и к опере в целом. На итальянские оперы создаются памфлеты,

высмеивается сам тип оперы, ее персонажи, капризные исполнители. Как пародия

появляется в 1728 г. английская сатирическая комедия _Опера нищих_ Дж. Гея и

Дж. Пепуша. И хотя лондонские оперы Генделя распространяются по всей Европе

как шедевры этого жанра, падение престижа итальянской оперы в целом

отражается и на Генделе. Театр бойкотируется, успехи отдельных постановок не

изменяют общей картины.

В июне 1728 г. Академия перестает существовать, но авторитет Генделя

как композитора с этим не падает. Английский король Георг II заказывает ему

по случаю коронации антемы, которые исполняются в октябре 1727 г. в

Вестминстерском аббатстве. Вместе с тем со свойственным ему упорством

Гендель продолжает бороться за оперу. Он едет в Италию, набирает новую

труппу и в декабре 1729 г. оперой _Лотарио_ открывает сезон второй оперной

Академии. В творчестве композитора наступает пора новых исканий. _Порос_

(_Пор_) - 1731, _Орландо_ - 1732, _Партенопа_ - 1730. _Ариодант_ - 1734,

_Альчина_ - 1734 - в каждой из этих опер композитор по-разному обновляет

трактовку жанра оперы-seria - вводит балет (_Ариодант, Альчина_),

_волшебный_ сюжет насыщает глубоко драматическим, психологическим

содержанием (_Орландо, Альчина_), в музыкальном языке достигает высшего

совершенства-простоты и глубины выразительности. Намечается также и поворот

от серьезной оперы к лирико-комической в _Партенопе_ с ее мягкой иронией,

легкостью, изяществом, в _Фарамондо_ (1737), _Ксерксе_ (1737). Одну из

последних своих опер - _Именео_ (_Гименей_, 1738) Гендель сам назвал

опереттой. Изнурительная, не без политической подоплеки борьба Генделя за

оперный театр кончается поражением. Вторая оперная Академия закрывается в

1737 г. Как раньше, в _Опере нищих_ пародирование не обошлось без

привлечения широко известной всем музыки Генделя, так и сейчас, в 1736 г.

новая пародия на оперу (_Вантлейский дракон_) косвенно затрагивает имя

Генделя. Композитор тяжело переносит крах Академии, заболевает и почти 8

месяцев не работает. Однако поразительные жизненные силы, скрытые в нем,

вновь берут свое. Гендель возвращается к деятельности с новой энергией. Он

создает свои последние оперные шедевры - _Именео, Дейдамию_, - и с ними

завершает работу над оперным жанром, которому отдал более 30 лет жизни.

Внимание композитора сосредоточивается на оратории. Еще в Италии Гендель

начал сочинять кантаты, хоровую духовную музыку. Позднее, в Англии, Гендель

пишет хоровые антемы, праздничные кантаты. Заключительные хоры в операх,

ансамбли также сыграли свою роль в процессе оттачивания хорового письма

композитора. Да и сама опера Генделя является по отношению к его оратории

фундаментом, источником драматургических идей, музыкальных образов, стиля.

В 1738 г. одна за другой появляются на свет 2 гениальные оратории -

_Саул_ (сентябрь - 1738) и _Израиль в Египте_ (октябрь - 1738)- гигантские,

исполненные победной мощи сочинения, величавые гимны в честь силы

человеческого духа и подвига. 1740-е гг. - блестящий период в творчестве

Генделя. Шедевр следует за шедевром. _Мессия, Самсон, Валтасар, Геракл_ -

теперь всемирно известные оратории - были созданы в невиданном напряжении

творческих сил, в очень короткий промежуток времени (1741-43). Однако успех

приходит не сразу. Неприязнь со стороны английской аристократии,

саботирующей исполнение ораторий, материальные затруднения, сверхнапряженная

работа вновь ведут к заболеванию. С марта по октябрь 1745 г. Гендель

находится в тяжелой депрессии. И вновь титаническая энергия композитора

побеждает. Резко изменяется и политическая ситуация в стране - перед угрозой

нападения на Лондон Шотландской армии мобилизуется чувство национального

патриотизма. Героическое величие генделевских ораторий оказывается созвучным

настроению англичан. Вдохновленный национально-освободительными идеями,

Гендель пишет 2 грандиозные оратории - _Ораторию на случай_ (1746),

призывающую к борьбе с нашествием, и _Иуду Маккавея_ (1747) - могучий гимн в

честь побеждающих врагов героев.

Гендель становится кумиром Англии. Библейские сюжеты и образы ораторий

приобретают в это время особый смысл обобщенного выражения высоких этических

принципов, героизма, народного единения. Язык генделевских ораторий прост и

величествен, он влечет к себе - он ранит сердце и вылечивает его, он не

оставляет за собой равнодушных. Последние оратории Генделя - _Теодора, Выбор

Геркулеса_ (обе 1750) и _Иевфай_ (1751) - открывают такие глубины

психологической драмы, какие не были доступны никаким другим жанрам музыки

времен Генделя.

В 1751 г. композитор слепнет. Страдающий, безнадежно больной, Гендель

остается за органом при исполнении своих ораторий. Он был похоронен, как

того желал, в Вестминстере.

Преклонение перед Генделем испытывали все композиторы, как XVIII, так и

XIX вв. Генделя боготворил Бетховен. В наше время музыка Генделя, обладающая

огромной силой художественного воздействия, получает новое значение и смысл.

Ее могучий пафос созвучен нашему времени, он взывает к силе человеческого

духа, к торжеству разума, красоты. Ежегодные торжества в честь Генделя

проходят в Англии, в ФРГ, в ГДР, привлекая к себе исполнителей и слушателей

со всего мира. /Ю. Евдокимова/

ГЕРШВИН (Gershwin) Джордж (26 IX 1899, Бруклин, р-н Нью-Йорка, - 11 VII

1937, Беверли-Хилс, Калифорния)

О чем рассказывает его музыка? О простых людях, об их радостях и

горестях, об их любви, об их жизни. Вот почему его музыка по-настоящему

национальна...

Д. Шостакович

С именем американского композитора и пианиста Дж. Гершвина связана одна

из интереснейших глав истории музыки. Становление и расцвет его творчества

совпали с _веком джаза_ - так называл эпоху 20-30-х гг. XX в. в США

крупнейший американский писатель С. Фитцджеральд. Это искусство оказало

основополагающее влияние на композитора, который стремился выразить в музыке

дух своего времени, характерные черты жизни американского народа. Гершвин

считал джаз народной музыкой. _Я слышу в нем музыкальный калейдоскоп Америки

- наш огромный бурлящий котел, наш... национальный жизненный пульс, наши

песни_... - писал композитор.

Сын эмигранта из России, Гершвин родился в Нью-Йорке. Его детство

прошло в одном из районов города - Ист-Сайде, где его отец был владельцем

небольшого ресторана. Озорной и шумный, отчаянно проказничавший в компании

своих сверстников, Джордж не давал родителям повода считать себя музыкально

одаренным ребенком. Все изменила покупка пианино для старшего брата. Редкие

уроки музыки у различных учителей и, главное, самостоятельные многочасовые

занятия импровизацией определили окончательный выбор Гершвина. Его карьера

началась в музыкальном магазине нотоиздательской фирмы _Реммик и компания_.

Здесь, вопреки желанию своих родителей, шестнадцатилетним юношей он начал

работать музыкальным продавцом-рекламистом. _Каждый день в девять часов я

уже сидел в магазине за роялем, играя популярные мелодии для каждого, кто

приходил_...- вспоминал Гершвин. Исполняя на службе популярные мелодии Э.

Берлина, Дж. Керна и др., Гершвин сам страстно мечтал заняться творчеством.

Дебют песен восемнадцатилетнего музыканта на эстраде Бродвея положил начало

его композиторскому триумфу. Только за последующие 8 лет он создал музыку

более чем к 40 спектаклям, 16 из которых были настоящими музыкальными

комедиями. Уже в начале 20-х гг. Гершвин - один из популярнейших

композиторов Америки, а затем Европы. Однако его творческому темпераменту

оказалось тесно лишь в рамках эстрадной музыки и оперетты. Гершвин мечтал

стать, по его собственному выражению, _настоящим композитором_, владеющим

всеми жанрами, всей полнотой техники для создания произведений крупной

формы.

Гершвин не получил систематического музыкального образования и всем

своим достижениям в области композиции он в основном обязан самообразованию

и требовательности к себе в сочетании с неуемным интересом к крупнейшим

музыкальным явлениям своего времени. Будучи уже всемирно известным

композитором, он не стеснялся обращаться с просьбами о занятиях композицией

и инструментовкой к М. Равелю, И. Стравинскому, А. Шенбергу. Первоклассный

пианист-виртуоз, Гершвин долгое время продолжал брать уроки игры на

фортепиано у известного американского педагога Э. Хатчесона.

В 1924 г. состоялось исполнение одного из лучших сочинений композитора

_Рапсодии в стиле блюз_ для фортепиано и симфонического оркестра. Партию

рояля исполнял автор. Новое произведение вызвало большой интерес

американской музыкальной общественности. На премьере _Рапсодии_, прошедшей с

огромным успехом, присутствовали С. Рахманинов, Ф. Крейслер, Я. Хейфец, Л.

Стоковский и др.

Вслед за _Рапсодией_ появляются: Фортепианный концерт (1925),

оркестровое программное сочинение _Американец в Париже_ (1928), Вторая

рапсодия для фортепиано с оркестром (1931), _Кубинская увертюра_ (1932). В

этих сочинениях сочетание традиций негритянского джаза, афро-американского

фольклора, эстрадной музыки Бродвея с формами и жанрами европейской

музыкальной классики нашло полнокровное и органичное воплощение, определив

главную стилистическую особенность музыки Гершвина.

Одним из значительных событий для композитора стало посещение Европы

(1928) и встречи с М. Равелем, Д. Мийо, Ж. Ориком, Ф. Пуленком, С.

Прокофьевым во Франции, Э. Кшенеком, А. Бергом, Ф. Легаром, И. Кальманом в

Вене.

Наряду с симфонической музыкой Гершвин с увлечением работает в кино. В

30-х гг. он периодически подолгу живет в Калифорнии, где пишет музыку к

нескольким кинофильмам. Тогда же композитор вновь обращается и к театральным

жанрам. Среди созданных в этот период произведений - музыка к сатирической

пьесе _О тебе я пою_ (1931) и _лебединая песня_ Гершвина - опера _Порги и

Бесс_ (1935). Музыка оперы наполнена выразительностью, красотой интонаций

негритянских песен, острым юмором, а порой и гротеском, насыщена самобытной

стихией джаза.

Творчество Гершвина высоко оценивала современная композитору

музыкальная критика. Один из крупнейших ее представителей В. Дамрош писал:

_Многие композиторы ходили вокруг джаза, как кошка вокруг миски с горячим

супом, ожидая, пока он немного поостынет... Джордж Гершвин... смог совершить

чудо. Он - принц, который, взяв Золушку за руку, открыто объявил о ней перед

всем миром как о принцессе к немалой ярости ее завистливых сестер_. /И.

Ветлицына/

ГЛАЗУНОВ Александр Константинович (10 VIII 1865, Петербург - 21 III

1936, Париж)

Глазунов создал мир счастья, веселья, покоя, полета, упоения,

задумчивости и многого, многого другого, всегда счастливого, всегда ясного и

глубокого, всегда необыкновенно благородного, крылатого...

А. Луначарский

Соратник композиторов _Могучей кучки_, друг А. Бородина, дописавший по

памяти его незавершенные сочинения, - и педагог, который в годы

послереволюционной разрухи поддержал юного Д. Шостаковича... В судьбе А.

Глазунова зримо воплотилась преемственность русской и советской музыки.

Прочное душевное здоровье, сдержанная внутренняя сила и неизменное

благородство - эти черты личности композитора привлекали к нему

музыкантов-единомышленников, слушателей, многочисленных учеников. Сложившись

еще в юношеские годы, они определили основной строй его творчества.

Музыкальное развитие Глазунова было стремительным. Родившись в семье

известного книгоиздателя, будущий композитор с детства воспитывался в

атмосфере увлеченного музицирования, поражая родных необыкновенными

способностями - тончайшим музыкальным слухом и умением мгновенно запоминать

в деталях однажды слышанную музыку. Позднее Глазунов вспоминал: _В доме у

нас много играли, и я твердо запомнил все исполнявшиеся пьесы. Нередко

ночью, проснувшись, я восстанавливал мысленно до малейших подробностей то,

что слышал раньше_...

Первыми учителями мальчика были пианисты Н. Холодкова и Е. Еленковский.

Решающую роль в формировании музыканта сыграли занятия с крупнейшими

композиторами петербургской школы - M. Балакиревым и Н. Римским-Корсаковым.

Общение с ними помогло Глазунову удивительно быстро достичь творческой

зрелости и вскоре переросло в дружбу единомышленников.

Путь молодого композитора к слушателю начался с триумфа. Первая

симфония шестнадцатилетнего автора (премьера в 1881 г.) вызвала восторженные

отклики публики и прессы, высокую оценку коллег. В этом же году произошла

встреча, во многом повлиявшая на судьбу Глазунова. На репетиции Первой

симфонии юный музыкант познакомился с искренним ценителем музыки, крупным

лесопромышленником и меценатом М. Беляевым, много сделавшим для поддержки

русских композиторов. Начиная с этого момента пути Глазунова и Беляева

перекрещивались постоянно. Вскоре молодой музыкант стал завсегдатаем

беляевских пятниц. Эти еженедельные музыкальные вечера привлекали в 80-90-х

гг. лучшие силы русской музыки. Вместе с Беляевым Глазунов совершил

длительную заграничную поездку, познакомился с культурными центрами

Германии, Швейцарии, Франции, записывал народные напевы в Испании и Марокко

(1884). Во время этого путешествия произошло памятное событие: Глазунов

посетил в Веймаре Ф. Листа. Там же, на фестивале, посвященном творчеству

Листа, с успехом прозвучала Первая симфония русского автора.

Долгие годы Глазунов был связан с любимыми детищами Беляева -

музыкальным издательством и Русскими симфоническими концертами. После смерти

основателя фирмы (1904) Глазунов вместе с Римским-Корсаковым и А. Лядовым

вошел в состав Попечительского совета для поощрения русских композиторов и

музыкантов, созданного по завещанию и на средства Беляева. На

музыкально-общественном поприще Глазунов обладал большим авторитетом.

Уважение коллег к его мастерству и опыту опиралось на прочный фундамент:

принципиальность, основательность и кристальную честность музыканта. С

особой требовательностью композитор оценивал свое творчество, нередко

переживая мучительные сомнения. Эти качества давали силы для подвижнической

работы над сочинениями ушедшего из жизни друга: музыка Бородина, уже

звучавшая в исполнении автора, но не записанная из-за его внезапной смерти,

была спасена благодаря феноменальной памяти Глазунова. Так была завершена

(совместно с Римским-Корсаковым) опера _Князь Игорь_, восстановлена по

памяти и оркестрована 2 часть Третьей симфонии.

В 1899 г. Глазунов становится профессором, а в декабре 1905 г. -

руководителем старейшей в России Петербургской консерватории. Избранию

Глазунова директором предшествовала полоса испытаний. Многочисленные

студенческие сходки выдвигали требование автономии консерватории от

императорского Русского музыкального общества. В этой ситуации, расколовшей

педагогов на два лагеря, Глазунов четко определил свою позицию, поддержав

студентов. В марте 1905 г., когда Римский-Корсаков был обвинен в

подстрекательстве студентов к возмущениям и уволен, Глазунов вместе с

Лядовым вышли из состава профессоров. Через несколько дней Глазунов

дирижировал оперой Римского-Корсакова _Кащей Бессмертный_, поставленной

силами консерваторских студентов. Спектакль, насыщенный злободневными

политическими ассоциациями, закончился стихийным митингом. Глазунов

вспоминал: _Я тогда рисковал быть выселенным из Петербурга, но тем не менее

я согласился на это_. Как отклик на революционные события 1905 г. появилась

обработка песни _Эй, ухнем_! для хора и оркестра. Лишь после предоставления

консерватории автономии Глазунов вернулся к преподаванию. Вновь став

директором, он с присущей ему обстоятельностью вникал во все детали учебного

процесса. И хотя в письмах композитор жаловался: _Я так перегружен

консерваторской работой, что я не успеваю о чем-либо думать, как только о

заботах настоящего дня_, - общение с учениками стало для него насущной

необходимостью. Молодежь также тянулась к Глазунову, чувствуя в нем

истинного мастера и учителя.

Постепенно просветительские, учебные задачи стали для Глазунова

основными, потеснив композиторские замыслы. Особенно широко развернулась его

педагогическая и общественно-музыкальная работа в годы революции и

гражданской войны. Мастера интересовало все: и конкурсы самодеятельных

артистов, и дирижерские выступления, и общение со студенчеством, и

обеспечение нормального быта профессоров и учащихся в условиях разрухи.

Деятельность Глазунова получила всеобщее признание: в 1921 г. он был

удостоен звания народного артиста.

Связь с консерваторией не прерывалась до конца жизни мастера. Последние

годы (1928-36) стареющий композитор провел за границей. Болезни преследовали

его, гастрольные поездки утомляли. Но Глазунов неизменно возвращался мыслями

к Родине, к соратникам, к консерваторским делам. Он писал коллегам и

друзьям: _Мне вас всех недостает_. Умер Глазунов в Париже. В 1972 г. его

прах перевезен в Ленинград и захоронен в Александро-Невской лавре.

Путь Глазунова в музыке охватывает около полувека. В нем были подъемы и

спады. Вдали от Родины Глазунов почти ничего не сочинял, за исключением двух

инструментальных концертов (для саксофона и виолончели) и двух квартетов.

Основной взлет его творчества приходится на 80-90-е гг. XIX в. и начало

1900-х гг. Несмотря на периоды творческих кризисов, на растущее число

музыкально-общественных и педагогических дел, в эти годы Глазунов создал

множество масштабных симфонических сочинений (поэмы, увертюры, фантазии),

среди которых _Стенька Разин, Лес, Море, Кремль_, симфоническую сюиту _Из

средних веков_. Тогда же появляется большинство струнных квартетов (5 из

семи) и других ансамблевых произведений. Есть в творческом наследии

Глазунова и инструментальные концерты (помимо упомянутых - 2 фортепианных и

особенно популярный скрипичный), романсы, хоры, кантаты. Однако главные

достижения композитора связаны с симфонической музыкой.

Никто из отечественных композиторов конца XIX - начала XX в. не уделял

жанру симфонии такого внимания, как Глазунов: его 8 симфоний образуют

грандиозный цикл, возвышаясь среди произведений других жанров как массивный

горный кряж на фоне холмов. Развивая классическую трактовку симфонии как

многочастного цикла, дающего обобщенную картину мира средствами

инструментальной музыки, Глазунов смог реализовать свой щедрый мелодический

дар, безупречную логику в возведении сложных многоплановых музыкальных

конструкций. Образная несхожесть симфоний Глазунова между собой лишь

оттеняет внутреннее их единство, коренящееся в настойчивом стремлении

композитора объединить 2 ветви русского симфонизма, существовавшие

параллельно: лирико-драматическую (П. Чайковский) и картинно-эпическую

(композиторы _Могучей кучки_). В результате синтеза этих традиций возникает

новое явление - лиро-эпический симфонизм Глазунова, привлекающий слушателя

светлой задушевностью и богатырской силой. Напевные лирические излияния,

драматические нагнетания и сочные жанровые картины в симфониях взаимно

уравновешиваются, сохраняя общий оптимистический колорит музыки. _Разлада в

музыке Глазунова нет. Она - уравновешенное воплощение жизненных настроений и

ощущений, отраженных в звуке_... (Б. Асафьев). В симфониях Глазунова

поражает стройность и ясность архитектоники, неистощимая изобретательность в

работе с тематизмом, щедрое разнообразие оркестровой палитры.

Развернутыми симфоническими картинами можно назвать и балеты Глазунова,

в которых связность фабулы отступает на второй план перед задачами яркой

музыкальной характеристики. Самый знаменитый из них - _Раймонда_ (1897).

Фантазия композитора, издавна увлеченного красочностью рыцарских легенд,

породила многоцветие нарядных картин - празднество в средневековом замке,

темпераментные испано-арабские и венгерские танцы... Музыкальное воплощение

замысла чрезвычайно монументально и красочно. Особенно привлекательны

массовые сцены, в которых тонко переданы приметы национального колорита.

_Раймонда_ обрела долгую жизнь и в театре (начиная с первой постановки

знаменитым балетмейстером М. Петипа), и на концертной эстраде (в виде

сюиты). Секрет ее популярности - в благородной красоте мелодий, в точном

соответствии музыкального ритма и оркестрового звучания пластике танца.

В следующих балетах Глазунов идет по пути сжатия спектакля. Так

появляются _Барышня-служанка, или Испытание Дамиса_ (1898) и _Времена года_

(1898) - одноактные балеты, созданные также в содружестве с Петипа. Сюжет в

них незначителен. Первый - это изящная пастораль в духе Ватто (французского

живописца XVIII в.), второй - аллегория о вечности природы, воплощенная в

четырех музыкально-хореографических картинах: _Зима, Весна, Лето, Осень_.

Стремление к краткости и подчеркнутая декоративность одноактных балетов

Глазунова, обращение автора к эпохе XVIII в., окрашенное оттенком иронии, -

все это заставляет вспомнить увлечения художников _Мира искусства_.

Созвучность времени, ощущение исторической перспективы присуще

Глазунову во всех жанрах. Логическая точность и рациональность конструкции,

активное использование полифонии - без этих качеств невозможно представить

себе облик Глазунова-симфониста. Эти же черты в разных стилистических

вариантах стали важнейшими признаками музыки XX в. И хотя Глазунов оставался

в русле классических традиций, многие его находки исподволь готовили

художественные открытия XX в. В. Стасов назвал Глазунова _русским Самсоном_.

Действительно, только богатырю под силу утвердить неразрывную связь русской

классики и нарождающейся советской музыки, так как это сделал Глазунов. /Н.

Заболотная)

ГЛЕБОВ Евгений Александрович (р. 10 IX 1929, Рославль, Смоленской обл.)

С творчеством Е. Глебова связаны многие лучшие страницы музыкальной

культуры современной Белоруссии, прежде всего в симфоническом, балетном и

кантатно-ораториальном жанрах. Несомненно тяготение композитора к крупным

сценическим формам (помимо балетов им созданы опера _Твоя весна_ - 1963,

оперетта _Притча о наследниках, или Скандал в преисподней_ - 1970,

музыкальная комедия _Миллионерша_ - 1986). Непростым был путь Глебова в

искусство - лишь в 20 лет он смог приступить к профессиональным занятиям

музыкой, которая всегда была для юноши заветной мечтой. В его семье

потомственных железнодорожников всегда любили петь. Еще в детстве, не зная

нот, будущий композитор научился играть на гитаре, балалайке и мандолине. В

1947 г., поступив по семейной традиции в Рославльский железнодорожный

техникум, Глебов не оставляет свое увлечение - он активно участвует в

самодеятельности, организует хор и инструментальный ансамбль. В 1948 г.

появляется первое сочинение молодого автора - песня _Студенческая

прощальная_. Ее успех придал Глебову уверенность в себе.

Переехав в Могилев, где он работает осмотрщиком вагонов, Глебов бывает

на занятиях в местном музыкальном училище. Решающей стала встреча с

известным белорусским музыкантом И. Жиновичем, который посоветовал поступать

в консерваторию. В 1950 г. мечта Глебова сбылась, и уже вскоре благодаря

необычайной настойчивости и целеустремленности он стал одним из лучших

студентов композиторского класса профессора А. Богатырева. Много и

плодотворно работая, Глебов навсегда увлекся белорусским фольклором, который

глубоко вошел в его творчество. Композитор постоянно пишет произведения для

оркестра белорусских народных инструментов, для различных инструментов solo.

Деятельность Глебова многогранна. Уже с 1954 г. он обращается к

педагогике, преподает сначала (до 1963) в минском музыкальном училище, затем

ведет класс композиции в консерватории. Работа в качестве руководителя

эстрадно-симфонического оркестра Гостелерадио БССР, в кино (музыкальным

редактором _Беларусьфильма_), в республиканском театре юного зрителя

(дирижер и композитор) активно повлияла на творчество. Так, детский

репертуар остается неизменной любовью Глебова (песни, оратория _Приглашение

в страну детства_ - 1973, инструментальные пьесы и др.). Однако, несмотря на

разнообразие увлечений, Глебов прежде всего композитор-симфонист. Наряду с

программными сочинениями (_Поэма-легенда_ - 1955; _Полесская сюита_ - 1964;

_Альпийская симфония-баллада_ - 1967; 3 сюиты из балета _Избранница_ - 1969;

3 сюиты из балета _Тиль Уленшпигель_, 1973-74; Концерт для оркестра _Зов_ -

1988 и др.) Глебовым созданы 5 симфоний, 2 из которых тоже программны

(Первая, _Партизанская_ - 1958 и Пятая, _К миру_ - 1985). В симфониях

воплотились важнейшие черты художнической личности композитора - стремление

отразить богатство окружающей жизни, сложный духовный мир современного

поколения, драматизм эпохи. Не случайно одно из своих лучших произведений -

Вторую симфонию (1963) - композитор посвятил молодежи.

Почерку композитора свойственна острота выразительных средств,

рельефность тематизма (нередко фольклорного происхождения), точное ощущение

формы, прекрасное владение оркестровой палитрой, особенно щедрой в его

симфонических партитурах. Необычайно интересно качества

драматурга-симфониста преломились в балетах Глебова, которые заняли прочное

место не только на отечественной сцене, но и были поставлены за рубежом.

Большим достоинством балетной музыки композитора является ее пластичность,

тесная связь с хореографией. Театральная, зрелищная природа балета

определила и особую широту тем и сюжетов, обращенных к разным эпохам и

странам. При этом жанр трактуется очень гибко, варьируясь от небольших

характерных миниатюр, философской сказки до многоактных музыкальных драм,

повествующих об исторических судьбах народа (_Мечта_ - 1961; _Белорусская

партизанская_ - 1965; хореографические новеллы _Хиросима, Блюз, Фронт,

Доллар, Испанский танец, Мушкетеры, Сувениры_ - 1965; _Альпийская баллада_ -

1967; _Избранница_ - 1969; _Тиль Уленшпигель_ - 1973; Три миниатюры для

Ансамбля народного танца БССР - 1980; _Маленький принц_ - 1981).

Искусство Глебова всегда тяготеет к гражданственности. Это ярко

проявляется в его кантатно-ораториальных сочинениях. Но особое звучание в

творчестве композитора приобретает столь близкая художникам Белоруссии

антивоенная тема, с огромной силой прозвучавшая в балете _Альпийская

баллада_ (по повести В. Быкова), в Пятой симфонии, в вокально-симфоническом

цикле _Помню_ (1964) и в _Балладе памяти_ (1984), в Концерте для голоса с

оркестром (1965).

Творчество композитора получило всенародное признание, верный себе,

Евгений Глебов продолжает своей музыкой _активно отстаивать право жить_. /Г.

Жданова/

ГЛИНКА Михаил Иванович (1 VI 1804, с. Новоспасское, ныне Смоленской

обл. - 15 II 1857, Берлин)

Нам предстоит задача серьезная! Выработать собственный свой стиль и

проложить для оперной русской музыки новую дорогу.

М. Глинка

Глинка... в такой степени соответствовал потребностям времени и

коренной сущности своего народа, что начатое им дело процвело и выросло в

самое короткое время и дало такие плоды, каких неизвестно было в нашем

отечестве в продолжение всех столетий его исторической жизни.

В. Стасов

В лице М. Глинки русская музыкальная культура впервые выдвинула

композитора мирового значения. Опираясь на многовековые традиции русской

народной и профессиональной музыки, достижения и опыт европейского

искусства, Глинка завершил процесс формирования национальной композиторской

школы, завоевавшей в XIX в. одно из ведущих мест в европейской культуре,

стал первым русским композитором-классиком.

В своем творчестве Глинка выразил передовые идейные устремления

времени. Его произведения проникнуты идеями патриотизма, верой в народ.

Подобно А. Пушкину, Глинка воспел красоту жизни, торжество разума, добра,

справедливости. Он создал искусство, настолько гармоничное и прекрасное, что

им не устаешь восхищаться, открывая в нем все новые и новые совершенства.

Что же формировало личность композитора? Об этом Глинка пишет в своих

_Записках_ - замечательном образце мемуарной литературы. Главными

впечатлениями детства он называет русские песни они были _первою причиною

того, что впоследствии я стал преимущественно разрабатывать народную русскую

музыку_), а также крепостной оркестр дяди, который он _любил более всего_.

Мальчиком Глинка играл в нем на флейте и скрипке, став старше, дирижировал.

_Живейшим поэтическим восторгом_ наполняли его душу колокольные звоны и

церковное пение. Юный Глинка неплохо рисовал, страстно мечтал о

путешествиях, отличался живостью ума и богатой фантазией. Два великих

исторических события явились для будущего композитора важнейшими фактами его

биографии: Отечественная война 1812 г. и восстание декабристов в 1825 г. Они

определили основную идею творчества (_Отчизне посвятим души прекрасные

порывы_), а также политические убеждения. По словам друга юности Н.

Маркевича, _Михаило Глинка... не сочувствовал никаким Бурбонам_.

Благотворное влияние на Глинку оказало пребывание в Петербургском

Благородном пансионе (1817-22), славившемся прогрессивно мыслящими

преподавателями. Его воспитателем в пансионе был В. Кюхельбекер, будущий

декабрист. Юность протекала в атмосфере пылких политических и литературных

споров с друзьями, причем кое-кто из близких Глинке людей после разгрома

восстания декабристов оказался среди сосланных в Сибирь. Недаром Глинка был

подвержен допросу относительно связей с _бунтовщиками_.

В идейно-художественном формировании будущего композитора немалую роль

сыграла русская литература с ее интересом к истории, творчеству, жизни

народа; непосредственное общение с А. Пушкиным, В. Жуковским, А. Дельвигом,

А. Грибоедовым, В. Одоевским, А. Мицкевичем. Разнообразными были и

музыкальные впечатления. Глинка брал уроки фортепианной игры (у Дж. Филда, а

затем у Ш. Майера), учился пению, игре на скрипке. Часто бывал в театрах,

посещал музыкальные вечера, музицировал в 4 руки с братьями Виельгорскими,

А. Варламовым, начал сочинять романсы, инструментальные пьесы. В 1825 г.

появился один из шедевров русской вокальной лирики - романс _Не искушай на

стихи_ Е. Баратынского.

Немало ярких художественных импульсов дали Глинке путешествия: поездка

на Кавказ (1823), пребывание в Италии, Австрии, Германии (1830-34).

Общительный, пылкий, увлекающийся юноша, доброту и прямодушие сочетавший с

поэтической чувствительностью, он легко обзаводился друзьями. В Италии