Ответы на билеты по истории искусств
Подождите немного. Документ загружается.
строителями, его идеи нашли распространение в сооружениях многих
итальянских зодчих.
Палладио. Новые черты находят выражение в творчестве Андреа Палладио
(1508-1580), теоретика, исследователя и крупнейшего практика-строителя
второй половины 16 в. В отличие от Браманте, искавшего в античном зодчестве
формы для переработки, Палладио видел в античности идеал, который
стремился оживить в своих сооружениях.
Он тяготеет к классической норме, строгой симметрии фасадов и планов, но
при этом его искусство остается жизнеутверждающим, полным исканий,
проявляясь в богатстве красочного и светотеневого решения. Палладио - мастер
пластических и световых акцентов.
Наиболее значителен вклад Палладио в развитие архитектуры дворцов и вилл.
В решении палаццо он вслед за Альберти применяет большой ордер. Поднимая
здание на высокий цоколь и заканчивая его аттиком, он создает впечатление
грандиозности (палаццо Вальмарана в Виченце). В архитектуре Палладио уде-
лено больше внимания разработке фасада, чем у его предшественников.
Из загородных вилл Палладио наиболее совершенное и законченное решение
получила вилла Ротонда близ Виченцы. Это идеальная центрическая постройка,
перекрытая куполом, квадратная в плане, с четырьмя изящными ионическими
портиками на каждой из сторон. Строгое благородство пропорции и форм этого
сооружения великолепно гармонирует с окружающим пейзажем.
Творчество Палладио оказало огромное воздействие на развитие архитектуры,
во многом обусловив характер архитектуры классицизма в Англии, Франции и
России.
Живопись. Леонардо да Винчи. Однако подлинным основоположником стиля
Высокого Возрождения был Леонардо да Винчи (1452-1519).
Искусство для Леонардо было средством познания мира. Многие его зарисовки
служат иллюстрацией научного труда, и в то же время это произведения
высокого искусства. Леонардо воплощал собой новый тип художника - ученого,
мыслителя, поражающего широтой взглядов, многогранностью таланта.
К числу ранних произведений Леонардо относится «Мадонна с цветком» (так
называемая «Мадонна Бенуа», 1478), решительно отличающаяся от
многочисленных мадонн 15 в. Отказываясь от жанровости и тщательной
детализации, присущих творениям мастеров раннего Возрождения, Леонардо
углубляет характеристики, обобщает формы.
Миланский период творчества оказался самым плодотворным. Много
начинаний, но многое остается не завершенным. К миланскому периоду
относятся живописные произведения зрелого стиля – «Мадонна в гроте» и
«Тайная вечеря».
«Мадонна в гроте» – первая монументальная алтарная композиция Высокого
Возрождения. Формат напоминает окно закругленное наверху. Это единое
целое четырех фигур. Объединены расположением, взглядами, улыбками.
Фигуры в пейзаже. Фигуры как бы вписаны в равнобедренный треугольник.
Вершина – Мадонна. Все его мадонны «Мадонна Бенуа», «Мадонна Лита», «
Мадонна с гвоздикой» представляют такую замкнутую пространственную
пирамиду, где точно вписываются фигуры. Создал новую манеру живописи –
невесомую световоздушную среду, смягчающие контуры. Он помещал
источник света спереди и сзади фигуры. Этот эффект дымки называется
сфумато. В мир реальных страстей и драматических чувств переносит самая
значительная из монументальных росписей - «Тайная вечеря» фреска трапезной
доминиканского монастыря Санта Мария дела Грация. Передал драму
человеческих чувств, психологическое состояние каждого апостола. Иуда
показан в тени. Смысл композиции состоит во взаимосвязи с пространством
интерьера. Фреска - как продолжение помещения трапезной. Для этого, он
увеличил на фреске масштабы фигуры и этим показал значимость
происходящего.
К этому же времени относится портрет Моны Лизы («Джаконда», ок. 1503).
Величественная фигура молодой женщины господствует над отдаленным,
окатанным голубоватой дымкой пейзажем со скалами и вьющимися среди них
водными протоками. Кажется, что зыбкая изменчивость самой жизни
ощущается в выражении ее лица, оживленного едва уловимой улыбкой, в ее
спокойно-уверенном, проницательном взгляде. Лицо и холенные руки
патрицианки написаны с удивительной бережностью, мягкостью. Тончайшая,
словно тающая, дымка светотени (так называемое сфумато), окутывая фигуру,
смягчает контуры и тени; в картине нет ни одного резкого взмаха или
угловатого контура.
Леонардо кроме живописи занимался математикой, физикой, астрономией,
ботаникой, анатомией, оптикой, биологией. В Италии нет заказов и он
переезжает во Францию, изготовил герб для короля (лилии выпадающие из
пасти льва). Свое имущество оставил ученику. Умер в 67 лет во Франции в
замке Клу.
Рафаэль Санти. Младший современник Леонардо, прошивший короткую,
чрезвычайно насыщенную жизнь, Рафаэль синтезировал достижения
предшественников и создал свой идеал прекрасного, гармонически развитого
человека в окружении величавой архитектуры или пейзажа.
Родился в г.Урбино. Ученик малоизвестного художника. Позже – у Перуджино.
У него Раф. Воспринял ту плавность линий, ту свободу постановки фигуры в
пространстве, которые стали характерными для его зрелых композиций.
«Мадонна Конестабиле» – просветленный образ молодой матери,
изображенной на фоне прозрачного пейзажа. Здесь воплощены грезы о
красоте, об идеальной гармонии. В небольших картинах посвященных теме
материнства «Мадонна в зелени», «Мадонна-садовница» «Мадонна в кресле»
Рафаэль воплотил идеалы гуманизма, создал образ света и тепла. «Сикстинская
мадонна» идет по небесам к людям и предвидит участь сына. В цикле мадонн
проявилось главное открытие Рафаэля - соединение языческого и
христианского мироощущения, поэтому его мадонны не слишком возвышенны,
и не слишком чувственны. Рафаэль мастер пространственной композиции. Он
точно выстраивает картину, связывает ее в единое целое.
Он расписывал апартаменты папы римского в Ватикане. Дар Раф. –
монументалиста и декоратора – проявился во всем блеске. «Диспут»,
«Афинская школа», «Парнас», «Мудрость, Умеренность и Сила». Здесь виден
синтез архитектуры и изобразительного искусства. Римский период отмечен
достижениями и в области портрета. (Портрет папы Юлия II, папы Льва Х).
В это же время создана «Сикстинская мадонна» (1515-1519),
предназначавшаяся для церк. св. Сикста в Пьяченце. В отличие от ранних,
более светлых по настроению, лиричных мадонн, это величавый образ, полный
глубокого значения. Серьезно и печально-тревожно смотрит мадонна куда-то
вдаль, как будто предвидя трагическую судьбу сына.
Последний монументальный цикл Рафаэля – роспись Лоджий – арочной
галереи ватиканского дворца. Это сочетание живописного декора и небольших
фресковых композиций. 52 фресковые композиции на темы Ветхого завета
«Библия Рафаэля». Рафаэль- создатель стиля, основа которого - идеальное
совершенство форм. Его полотна на столетия определили вкусы живописцев
академического направления.
Микеланджело Буонарроти. 3 из титанов итальянского искусства. Прошел
долгий творческий путь. Гениальный скульптор, живописец, архитектор,
рисовальщик, военный инженер, поэт. Его жизнь совпала с историческим
потрясениями. Вся его жизнь – непрестанная героическая борьба за
утверждение права человека на свободу, на творчество. Поэтому он изображает
человека – борца, действенного, активного, готового на подвиг. Уже в ранних
самостоятельных произведениях – тяготение к большим монументальным
образам, полных героики и силы («Битва кентавров»). Впервые в скульптуре он
соединил телесную красоту с духовной идеей – статуя Давид во Флоренции,
изображен перед свершением подвига. Юноша сильный и отважный. Таким
должен быть человек. Работал над гробницами папы Юлия II и Медичи (ск-ра
«Ночь», «День», «Утро», «Вечер») – символизируют быстротечность времени.
«Пьета» – создал несколько композиций. Грандиозной была роспись сводов
Сикстинской капеллы. В течение 4 лет расписывал собственноручно громадный
плафон. Сюжеты взяты из Библии. Написал около 200 фигур и композиций.
Люди как живые, это могучие титаны, разнообразные позы. «Отделение света
от тьмы», « Сотворение Адама», «Грехопадение», «Опьянение Ноя» и др.
Новое наступление католической церкви, период инквизиции и костров -
создает в Сикстинской капелле полную мятежного духа протеста и обличения
огромную фреску «Страшный суд». В центре - Христос рядом люди, они
напуганы, но фигуры полны мощи, их движения конвульсивны, динамичны,
они беспомощны перед роком. Завершил постройку собора Св. Петра в Риме,
планировка площади и лестницы на Капитолийском холме. Мощь создаваемых
образов объясняется желанием передать Величие души в телесной
прекрасной оболочке, которая была и темницей. Влияние Микеланджело на
современников и последующие поколения огромна.
Джорджоне. Особого расцвета достигла венецианская живопись. Живопись
Джорджоне пронизана глубоким лиризмом и созерцательностью. Раскрытию
поэтичности и гармонии его образов способствует пейзаж, занимающий видное
место в его творчестве. Огромную роль в его композициях играет колорит.
Мастерски использует свойства масляной краски. Среди ранних произведений
– «Юдифь». В картинах «Гроза», «Сельский концерт» настроение создают не
только люди, но и природа. Образ совершенной возвышенной красоты и
поэтичности получил свое идеальное воплощение в «Спящей Венере».
Тициан. Представитель венецианской школы. Его творчество принадлежит
двум эпохам. Высокого и Позднего Возрождения. Много писал на античные
темы, мифологические сюжеты: «Вакханки», «Даная», «Венера и Адонис» -
показал простые радости земного бытия, воспевал женскую красоту. Ранние
произведения отмечены поэтичностью мировоззрения. Но в отличие от
Джорджоне Тициан создает образы более полнокровные, активные,
жизнерадостные - «Любовь земная и небесная». К концу жизни мироощущение
худ-ка меняется, он обращается к трагическим темам мученичества и
покаяния – «Кающаяся Магдалина», «Оплакивание», «Пьета». Техника
живописи тоже меняется. Золотистый светлый колорит сменился густыми
красками. Отказался от ярких, ликующих красок, обращается к пасмурным,
стальным, оливковым оттенкам. Широкие мазки даже пальцами. Тициан
заменил господство линии господством цветового пятна. На протяжении всей
жизни обращается к жанру портрета.
Его творчество оказало влияние на Рубенса, Веласкеса.
Позднее Возрождение. (с 40-х гг. 16в.) Италия под властью иностранных
держав. Католичество переживает кризис. Лишь богатая Венеция свободна и
может развивать искусство. Представители Позднего Возрождения: Тициан,
Паоло Веронезе, Тинторетто.
Живопись. Наряду с образами отдельных героев все чаще в произведениях
возникает образ толпы. Веронезе. Младший современник Тициана. Он
обращается к более непосредственному отображению современной ему жизни.
Воспевает праздничную, шумную аристократическую Венецию. Пиры, дорогое
убранство, наряды. Мастер колорита. Строит его на чередовании насыщенных
цветовых пятен и нежнейших оттенков, но при этом предпочитает холодную
серебристую краску. Излюбленные темы: изображение искрящихся весельем
торжественных пиров и празднеств – «Брак в Кане», «Пир в доме Левия».
Декоративно-монументальная живопись маслом. «Тайная вечеря», «Пир в доме
Левия» – Свободно трактует евангельские сюжеты, за что вызван на суд
инквизиции. Украшает дворец Дожей в Венеции – «Триумф Венеции» -
декоративная пышность, бравурность, предвосхищающие искусство барокко 17
века.
Тинторетто. Его бунтарское искусство, полное страстности, титанической
мощи, пронизано необузданной фантазией, одухотворенностью, динамикой.
Восстал против традиции симметрии, уравновешенности, расширил границы
пространства, заполнил пространство динамикой, чувствами. Создавал
грандиозные по размаху декоративные росписи и целые циклы фресок,
алтарные картины, объединенные в ансамбли, портреты своих современников.
Ранние произведения – в традициях Выс. Возрождения, с его величием,
героикой, оптимизмом. Но уже в них ощущается повышенный интерес худ-ка к
динамике резко освещенной формы, необычным ракурсам, к изображению
народной толпы, охваченной единым действием, настроением, состоянием –
«Чудо св. Марка», «Введение Марии во храм», «Тайная вечеря». В последнем –
порывает с традиционным решением этого сюжета, переносит действие в
полуподвальное помещение таверны, располагая стол и сидящих за ним
апостолов под углом к картинной плоскости, беспорядочность движений,
незначительные жанровые эпизоды – все это усиливает драматизм главного
действия.
Драматическое, полное эмоциональной силы искусство Тинторетто не только
завершает этап позднего Возрождения, но намечает пути дальнейшего развития
европейского искусства – реализм 17 века.
Маньеризм. В связи с изменениями, происшедшими в Италии в 1520—1530-е
гг., в искусстве распространяются явления, чуждые культуре Возрождения,
получившие впоследствии название «маньеризм».
Внутренний разлад и чувство бессилия перед неразрешимыми противоречиями,
которые переживали многие художники, приводили их к отказу от идеалов
гармонической личности, к пессимистическому надлому, осознанию одино-
чества. Они насыщали свои произведения настроениями тревоги и
беспокойства, религиозной экзальтации, а иногда чувственности. Созданные
ими образы в большинстве своем отличаются внутренней хрупкостью,
опустошенностью и холодностью. Деформация, крайне удлиненные пропорции
фигур, причудливо извивающиеся линии, беспокойные ритмы характерны для
произведений мастеров этого направления: Понтормо (1494-1557),
Пармиджанино (1503-1540)- «Маданна с длинной шеей» и др.
Искусство маньеристов, по сути своей антинародное и ложное, с
преобладанием внешней формы над содержанием, вызвано было нарастанием
субъективизма и болезненного излома, явившихся выражением кризиса
гуманизма.
27.Специфика развития художественного стиля Нидерландов в эпоху
Возрождения. Северным Возрождением называют период в культурном
развитии стран, расположенных к северу от Альп, - Нидерланды, Германии,
Франции 1-й трети 15-16 вв. Сев. Возрождение зародилось под влиянием
Италии. Готическое искусство было той почвой, на которой взошло сер.
Возрождение. В Северной Европе на становление новой культуры наибольшее
влияние оказало не античное наследие, а христианство. Как и в Сред. Века, так
и позднее, художники понимали что Бог в принципе неизобразим. Считалось,
что образ Бога яснее всего запечатлен в окружающем мире. Поэтому предметом
внимания североевропейского художника эпохи Возрождения сделались небеса
и солнечный свет, вода и камни, растения и животные, сам человек, его
жилище. Североевропейское искусство осмысливало место человека в
мироздании иначе, чем итальянское. В искусстве Италии человек, наделенный
безграничными творческим возможностями, способный преобразовать мир,
рассматривался как центр Вселенной. В искусстве Сев. Европы человек – не
вершина творения, а лишь одно из многочисленных свидетельств
всемогущества Творца. Для них человек и прекрасен, и величав, но все же не
более, чем любой камень или травинка.
Северное Возрождение - образы не наделялись гармонией (как в Италии), а
копировали мельчайшие детали до натурализма. Худ-ков Северного
Возрождения мало волновали красота человеческого тела, для них
выразительней была готическая экспрессивность, нарушение пропорции
фигур, складки одежды в беспокойном движении, мускулы и жилы на шее.
Искусство этого времени было стилистически неоднородным и по-разному
проявлялось в Нидерландах, Германии, Франции.
Новые черты ренессансного искусства проявились в Нидерландах. Эта страна
была одной из самых богатых промышленно развитых стран Европы. Здесь
свой идеал человека – ясный, трезвый, деловой. Обширные связи позволяли
быстро воспринимать новые направления. Художники копировали каждую
травинку своего пейзажа, мельчайшие детали быта, они во свеем этом видели
прекрасное. В нидерландском искусстве сильны черты фольклора, фантастики,
гротеска, острой сатиры, но главная его особенность – глубокое чувство
национального своеобразия жизни, народных форм культуры, быта, нравов,
типов, а также отображение социальных контрастов в жизни различных слоев
общества. Стиль Возрождения в Нидерландах открыл Ян Ван Эйк. Одно из
самых замечательных произведений - Гентский алтарь. Это двухъярусный
складень, на 26 картин. Картины, составляющие алтарь объединены в 2
изобразительных цикла: повседневной жизни (живопись с внешней стороны
алтарных створок, доступная зрителю, когда алтарь закрыт) и праздничная
(внутренняя). Картина повседневности мгновенно сменяется зрелищем земного
рая. Это прославление красоты земной жизни. Здесь видны наблюдения с
натуры, фигуры и предметы в трехмерном объеме и весомы. В др. картине
земной и небесный миры встречаются лицом к лицу – «Мадонна канцлера
Ролена». Батья Ван Эйк открыли масляную живопись. Реалистическое
содержание искусства Яна Ван Эйка проявилось в жанре портрета. Впервые в
Европе был создан парный портрет «Портрет четы Арнольфине» на фоне
жилой комнаты. Переданы черты индивидуального характера через
копирование мельчайших деталей быта, одежды, фигур. Образ человека в
окружении конкретных вещей. Передача перспективы и воздушной среды
передана при помощи зеркала, в котором они отражаются, углубляет
пространство.
Рогир Ван дер Вейден воспринял элементы реалистического изображения
действительности от учителя Ян Ван Эйка, но остался под влиянием готики.
В картине «Снятие с креста» отразился собственный экспрессивный стиль.
Признаки этого стиля: силуэтная линия, четкие линейные контуры, большие
яркие плоскостные цветовые пятна и богатый орнаментальный декор. Вейдена
не привлекало многообразие мира. Он сосредоточен на человеке, видел в них
источник красоты и духовного совершенства. Поэтому окружающую человека
среду он передает без скрупулезности, это фон. А вот орнамент и детали
выписывает скрупулезно в духе нидерландского натурализма. Например,
алтарная картина «Поклонение волхвов» в Мюнхене. Тема религиозная, но из-за
предельного реализма в передаче фигур обрела светское звучание. Поэтому
напоминает жанровую сцену. Портреты, созданные художником, отличаются
вниманием к сложному миру человеческих чувств и настроений.
Вторая половина 15 века - это политические и религиозные раздоры. В это
время творил Иероним Босх. Его творчество стоит особняком в искусстве
Нидерландов. Его живопись проникнута глубоким пессимизмом. В его
творчестве проступает связь с народными поверьями, с фольклором, резче
выявлена тяга к низменному, уродливому, к социальной сатире, облаченной в
аллегорическую, религиозную или мрачную фантастическую форму. Он проник
в глубину человеческой психики. Он сохранил средневековую
уничтожительную оценку человека, от которой отказались все художники
нидерландского Возрождения. В своем творчестве бичует пороки безвольного,
бессильного, погрязшего в грехах человечества. Босх жил в своем
собственном, страшном мире. Сюжет его картин показывали отрицательные
явления жизни. Земное существование людей это греховное, за это будет
Страшный суд. Образ преисподней вырос до грандиозных размеров. «Сад
наслаждений», «Страшный суд», «Воз сена». В его композициях нет центра,
нет главных действующего лица. Пространство заполняется многочисленными
фигурами и предметами: преувеличенными гадами, жабами, пауками, в них
соединены части разных существ и предметов. Цель композиции Босха –
моральное назидание. Даже в бытовых картинах Босх дает низкую оценку
человечеству. Он основоположник жанровой живописи. «Несение креста»,
«Корабль глупцов», «Блудный сын» – здесь люди носители зла и безумия. Для
его творчества характерна связь с народными традициями. В свои картины
художник вводил пейзажные и жанровые мотивы. Босх писал прозрачными
голубыми, розовыми, изумрудными красками, создавал нежные
колористические сочетания.
Новый подъем нидерландской живописи наступил в 16 в. Сопровождался
разнообразием исканий, мучительной ломкой старых традиций, борьбой между
новыми художественными течениями. Это привело к отказу от
художественных традиций 15 в.. Художники обращались к более
непосредственному отражению действительности, современности. В
нидерландской живописи окреп источник народного реалистического
искусства. К сер 16 в. не только изменился характер религиозной живописи, но
и все более утверждались темы, посвященные жизни народных масс – крестьян,
бедняков, бродяг, нищих, - развился монументальный бытовой жанр,
натюрморт, индивидуальный и групповой портрет. Особого расцвета достигает
«гротескный реализм» с характерными для него сказочно-смеховыми
сюжетами и фольклорными мотивами.
Вершиной нидерландского Возрождения был Питер Брейгель Старший, его
можно назвать певцом толпы. Его прозвали Мужицкий за любовь к народной
тематике. Картины показывают жизненный уклад и обычаи своего народа в
серед.16 века. Его искусство выросло на нидерландских традициях и народном
фольклоре. «Нидерландские пословицы», «Игры детей» отражена активная
бессмысленная деятельность людей. Они живут по законам безумного
«перевернутого мира». Картины Брейгеля создавались не для крестьян, она
для знатоков. Он не писал картины для общественных зданий, церквей.
Мрачный дух того времени (притеснения и казни испанцами) отразились в
картинах «Безумная Грета» и «Триумф Смерти». С его именем связано
развитие жанра пейзажа. Он изображает множество мелких фигур на
бескрайних просторах природы. Особенность композиций - взгляд сверху
(«Зимний пейзаж», «Охотники на снегу», «Падение Икара», «Детски игры»).
Пейзажная и жанровая живопись Брейгеля – это его философские
размышления. Создал серию «Времена года» где впервые изобразил полезную
и осмысленную деятельность человека. Человек составная часть природы,
зависит от нее и ищет гармонию с ней. В конце жизни Брейгель пишет картину
«Слепые» – иллюстрация евангельской притчи о слепых. Слепота здесь
символизирует слепой рок. Художник в образе калек символизирует образ
человечества, физически и духовно слепого.
Своим творчеством Брейгель завершил искания нидерландских живописцев 15-
16 вв. Вместе с тем он проложил путь к искусству 17 в., искусству Рубенса и
Рембрандта.
28.Своеобразие развития немецкое и французское Возрождение.
Черты Возрождения в искусстве в Германии появились позднее чем
Нидерландах. В 15 веке искусство Германии стремилось точно передать
увиденное, рассказывать и поучать. Изобретением Германии явилось
книгопечатанье и ис-во графики. Изобразительное ис-во Германии было
стилистически неоднородно. Основоположник немецкого Возрождения был
Альбрехт Дюрер, в своем творчестве он передал дух эпохи (предчувствие
конца света) и появление нового гуманистического мышления.
Распространению нового ренессансного мышления способствовали
произведения античных авторов. Дюрер – типичный художник Ренессанса, он
был живописцем, гравером, математиком, инженером. Особенности стиля и
выбор тематики обусловлен его глубокой религиозностью. Он мастер гравюры.
«Апокалипсис» это 15 больших гравюр на дереве. Здесь есть ощущение
перемен и пророческих событий, лист «Четыре всадника» символизируют
бедствия – войну, мор, голод, неправедный суд. Средневековый символизм и
мистическая фантастика в гравюрах – «Всадник, смерть и дьявол», «Иероним в
келье», «Меланхолия». В портретах, алтарных картинах, в акварелях
проявляется рационализм. Его теоретические труды посвящены изучению
перспективы и пропорций человеческого тела. В портретах видим познание
человеческой души, характерно типично ассиметричное, некрасивое, полное
сосредоточенной мысли лицо. Индивидуальный облик подчинен обдуманному
идеальному представлению. «Автопортрет», «Портрет молодой женщины»,
«Портрет молодого человека». Особенность изобразительного искусства
Германии – это религиозность и что страдание Христа каждый человека
переживает как собственную трагедию. Матиас Грюневальд создал
Изенгеймский алтарь где совместилось уродливое и прекрасное,
натуралистическое и метафизическое. Натуралистичны мучения Христа, его
фигура возвышается над другими. Грюневальд прекрасный колорист, умел
передавать свечение, исходящее от фигур. Ганс Гольбейн Младший сначала
работал в Швейцарии, Англии. Сначала занимался иллюстрацией книг, это
привело к знакомству с гуманистами. Первые работы – алтарные образы,
портреты, росписи домов. Он ввел моду на фрески, со сложной перспективой, с
элементами ложной архитектуры, множеством планов, античными и
жанровыми сюжетами. Отличие его стиля - рациональный подход к
действительности и светскость. Очень реалистично и бесстрастно изображает
мертвого Христа. В Серии гравюр на дереве «Пляски смерти» - смерть
является спутником событий, бытия. Здесь художник выражает свои
социальные и политические взгляды, превозносит добродетели и бичует
пороки. К портрету Гольбейн обращается в молодые и зрелые годы.
«Портрет французских послов» (англ.Король Генрих 8). Он не пытается
передать духовную жизнь, передает сходство, образ человека эпохи
Возрождения, энергичного, целеустремленного.
Франция. Начало эпохи Возрождения во Франции (первая четверть XIV в.)
совпало с одним из самых трагических периодов её истории - война с Англией.
Однако трагические события Столетней войны разбудили национальное
чувство французов — в борьбе против захватчиков-англичан они впервые
ощутили себя единым народом
В тяжёлый период, который переживала страна, французское искусство не
только не погибло, но и приобрело изысканные, утончённые формы. При
дворах крупнейших феодальных правителей возникла культура, причудливым
образом соединившая черты уходящего в прошлое Средневековья и
наступающей эпохи Возрождения. «Осень Средневековья» — так поэтично
назвал эту культуру нидерландский историк Иохан Хёйзинга. Яркий, пышный,
театрализованный придворный ритуал, рыцарские турниры, галантное
поклонение прекрасной даме, легенды, оживавшие на страницах рыцарских
романов, и традиционные формы готического искусства - всё связывало
французскую культуру того времени с прошлым. Однако под внешними
средневековыми чертами возникло стремление постичь окружающий мир,
закладывались основы светской культуры, начинались поиски новых
принципов искусства. Реалистические тенденции впервые проявились в
книжной миниатюре. Новое отношение к окружающему миру, переход от
условного изображения к реалистическому мы видим в иллюстрациях
псалтырей, евангелий, часословов, исторические хроник. Стиль французского
Ренессанса ХVв. зарождался в Туре (центр Франции, резиденция короля), в
творчестве худ-ков. Представитель ХV в. - Жан Фуке. Большая часть его
наследия – портреты. Однако, как и все фран. художники ХV в. – он был
прежде всего миниатюрист («Большие французские фроники», «Иудейские
древности»).
Окончание столетней войны с Англией, итальянские походы фран. королей –
новый этап. Начало 16 в. – в первое время соединения 2 культур – французской
и итальянской – носило достаточно случайный, а подчас и противоречивый
характер. Орнаментами и росписями в итальянском духе украшали порталы и
оконные рамы мощных средневековых замков. Фонтаны и беседки, созданные
приезжими мастерами-итальянцами, скульптуры, вывезенные в качестве
трофеев из Италии, преобразили сады, которые стали островками нового