Ответы по истории искусств
Подождите немного. Документ загружается.
Вопросы.
1. Роль Ватто в формировании различных течений в живописи Франции в 1 ой половине 18 в.
2. Творчество Ф. Буше и О. Фрагонар.
3. Шарден – выразитель этических идеалов 3-го сословия. Жанровые картины Шардена, его портреты и
натюрморты.
4. Французская скульптура 18 века. Творчество Пигаля, Фальконе
5. Гудон – крупнейший скульптор 2-ой половины 18 века.
6. Творчество Хогарта. Критическая направленность его бытового жанра.
7. Сравнительная характеристика творчества крупнейших английских портретистов 2-ой половины 18 века
Рейнольдса и Гейнсборо.
8. Развитие английской пейзажной живописи 1ой половины 19 в. Творчество Констебля . Реалистический
пейзаж, особенности живописной сис-мы
9. Реалистич. Пейзаж ДЖ. Тернера.
10. Революционный классицизм Давида. Обращение художника к темам общественного и героического
звучания.
11. Гойя – крупнейший художник Испании конца 18-начала 19 века. Наваторский и бунтарский характер его
творчества
12. Графические серии Гойи.
13. Творчество Энгра. Проблематика его искусства.
14. Исторические корни и идейно-эстетическая программа романтизма. Творчество Жерико.
15. Творчество Делакруа. Глава французского романтизма. Обращение художника к темам национально-
освободительной борьбы и революционным событиям.
16. Романтизм в изобразительном искусстве Германии . Творчество Рунге и Фридриха.
17 Домье как зачинатель и крупнейший мастер критического реализма во Франции
18. Курбе как глава реалистического направления во Франции. Социальная заострённость его творчества.
1. Роль Ватто в формировании различных течений в живописи Франции в 1 ой половине 18 в.
Создатель галантного жанра, интимной живописи настроения, певец тонких душевных движений и чувств.
Искусство Ватто, тонкого наблюдателя жизни, часто принимало романтическую окраску, окрылялось мечтой о
прекрасном, вместе с тем в нем звучали то скептические, иронические, то пессимистические интонации. В
картинах и в многочисленных рисунках Ватто проходит широкий круг характерных типов, наблюденных в
жизни. Это пёстрое бродячее население Франции, босые крестьяне, ремесленники («Точильщик», «Баскский
крестьянин» - сангина), странствующие музыканты, солдаты, нищие, актеры и как контраст им – светские
дамы и кавалеры, чернокожие слуги.
Творческий путь художника начался с изображения небольших жанровых сцен, навеянных жизнью
разорённого войной Валансьена. Развивая жанровую линию Ватто проявил своё понимание темы в картинах
«Бивуак», «Тягости войны». Близкая человеку и опоэтизированная природа постоянная эмоциональная среда
героев Ватто.
Творческая зрелость 1710-1717гг. Исследование человеческой души через раскрытие театральной темы и
сопоставление характеров и чувств. В масках итальянской комедии Ватто дал яркие портретные образы
«Актёры итальянской комедии».
«Общество в парке» «Паломничество на остров Киферу» «Жиль» «Меценат» «вывеска для антикварной
лавки Жерсена»
2. Творчество Ф. Буше и О. Фрагонар.
БУШЕ. Яркий представитель РОКОКО.
«Первый художник» короля Людовика XV, любимец аристократии.
Буше (Boucher) Франсуа (1703–1770), французский живописец. В 1755-1765 руководил Королевской
мануфактурой гобеленов в Париже, с 1765 – директор Королевской академии живописи и скульптуры,
“первый живописец короля”, один из ярких мастеров рококо.
Сороковые годы XVIII века — период расцвета во французском искусстве стиля рококо, отразившего
аристократические идеалы дворянского общества. Для стиля жизни этого времени характерно стремление к
роскоши, изощренным, прихотливым формам. Особенность живописи рококо — ее тесная зависимость от
архитектурно - декоративного окружения. Станковая картина создавалась в это время прежде всего как
деталь украшения интерьера дворянского особняка, наряду с мебелью, фарфором, гобеленами и шелковыми
тканями. Самым знаменитым художником рококо был Франсуа Буше, который, помимо живописи, работал во
всех видах декоративного и прикладного искусства: он создавал картоны для шпалер, рисунки для севрского
фарфора, расписывал веера, исполнял миниатюры и декоративные росписи. Живопись Буше в полной мере
отразила декоративные принципы искусства его времени. Буше в начале творческого пути испытал влияние
А.Ватто (гравировал его картины), в дальнейшем писал плафоны, панно, картины с мифологическими,
пасторальными, жанровыми сценами, нарядно-кокетливые портреты, идиллические пейзажи, выдержанные
в мягких серебристо-зеленых тонах (“Вид в окрестностях Бове", Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург).
Одним из любимых жанров живописи рококо были пасторальные мотивы, сюжеты которых художники
находили прежде всего в античной мифологии. В картине «Юпитер и Каллисто» Буше обратился к
«Метаморфозам» римского писателя Овидия, пересказавшего миф о боге Юпитере, который, влюбившись в
нимфу Каллисто и желая ее соблазнить, принял облик богини Дианы. Художник интерпретирует чувственный
эпизод античной мифологии в характерном для рококо поверхностном, игривом духе.
Грациозные, изящные фигурки его античных героинь похожи на фарфоровые статуэтки. Буше любил светлую
живопись и отдавал предпочтение нарядным голубым, розовым и зеленым тонам. В некоторых картинах
Буше 1720-1730-х годов, теплых и насыщенных по колориту (“Геркулес и Омфала”, Государственный музей
изобразительных искусств, Москва), заметны отзвуки фламандского искусства. В более поздних работах
(“Купание Дианы”, 1742, Лувр, Париж; портрет маркизы Помпадур, 1752, собрание Уоллес, Лондон) с
обилием оттенков розового и голубого, извилистых сплетающихся линий и сложных ракурсов усиливаются
свойственные рококо декоративность, чувственность, несколько жеманная грация, впечатление
“фарфоровости” фигур.
ФРАГОНАР.
Фрагонар (Fragonard) Жан Оноре (1732–1806), французский живописец и график. Учился в Париже у
Ж.Б.С.Шардена, Ф. Буше, К.Ванлоо, во Французской академии в Риме (1756–1761); работал в Париже. В 1789-
1794 Фрагонар был хранителем Национального музея - Лувра. Продолжая традиции искусства рококо,
Фрагонар достиг особой проникновенности в воссоздании лирических сцен повседневной жизни, сферы
интимных человеческих чувств, поэзии природы. Его произведения, исполненные трепетной
эмоциональности, чувственной неги, ощущения радости бытия, отличаются изысканной декоративностью
колорита, легкостью живописной манеры, плавными композиционными ритмами (“Качели”, 1766, собрание
Уоллес, Лондон; “Праздник в Сен-Клу”, 1775, Французский банк, Париж; “Поцелуй украдкой”,
Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург). Тонкие светотеневые эффекты характерны для офортов и
многочисленных рисунков Фрагонара - штудий натуры и пейзажей, выполненных в технике сангины , бистра ,
иногда сепии. Связь с рококо проявляется в заостренно-пикантных и вместе с тем иронических ситуациях
("Свидание", "Погоня"). Художник стремился передать интенсивную красочность реального мира, любил
теплую золотистую гамму, игру света. Стиль и манера Фрагонара разнообразны, они менялись,
эволюционировали от декоративного решения то к классическому, с характерным для него точным, упругим
рисунком и локальным сдержанным цветом, данным в границах формы («Задвижка!», 1778г.), то к
романтическому, с типичной для него экспрессивностью мазка, живописностью (серия портретов 1760-х гг.),
тонкостью свето - воздушных эффектов. Он мастер мимолетного наброска с натуры. В портретах Фрагонар
стремился запечатлеть творческую импульсивность, душевную взволнованность, страстность переживаний,
которые должны неизбежно перейти в действие, вывести за пределы обыденности, из интимной сферы
жизни. Художник смело разрушал каноны аристократического портрета 18 в. В «Портрете Дидро» (Париж,
частное собрание) он запечатлел философа в мгновение внутреннего озарения, оторвавшегося от чтения, с
устремленным вдаль вдохновенным взглядом. Экспрессивная роль света, динамика композиционного и
живописного решения рождают впечатление изменчивости натуры. За пределы портретного жанра несколько
выходит образ «Вдохновения» (1769, Париж, Лувр), подчиненный одной страсти — патетическому взлету
мысли, мечты. В интимно-лирических портретах Фрагонара наметились тенденции, ставшие характерными
для романтизма 19-го века.
3. Шарден – выразитель этических идеалов 3-го сословия. Жанровые картины Шардена, его портреты и
натюрморты.
французский живописец, который сознательно избегал торжественных и пасторально-мифологических
сюжетов, свойственных искусству XVIII века. Основным предметом его натюрмортов и жанровых сцен
является повседневная домашняя жизнь парижских обывателей, переданная в спокойной, задушевной,
реалистической манере. Большой интерес представляют пастельные портреты, исполненные Шарденом на
склоне лет.
Он рано стал известен парижской публике как превосходный мастер натюрморта. Бытовой жанр и натюрморт
органически связаны в его искусстве как аспекты целостного и поэтически глубокого восприятия реальности.
Вслед за голландцами французский жанрист умел выразить очарование интерьера и тех предметов
домашнего обихода, которые окружают человека. Для своих композиций Шарден выбирал самые обычные
предметы — кухонный бак для воды, старые кастрюли, овощи, глиняный кувшин, и лишь изредка в его
натюрмортах можно увидеть величественные атрибуты наук и искусств. Достоинство этих картин — не в
драгоценности вещей, которую так любили голландцы, а в их одухотворенной поэтической жизни, в
уравновешенности построения, создающих образ гармонического бытия.
В совершенстве владея знанием цветовых отношений, Шарден тонко чувствовал взаимосвязь предметов и
своеобразие их структуры. Дидро восхищался тем умением, с которым художник заставляет ощутить
движение соков под кожицей плода. В цвете предмета Шарден видел множество оттенков и маленькими
мазками передавал их. Из подобных оттенков соткан его белый цвет. Необычайно многочисленны серые и
коричневые тона, которыми владел Шарден. Пронизывающие полотно лучи света придают предмету ясность
и чёткость.
В 1730-х гг. Шарден обратился к жанровой живописи, к повседневным семейным и домашним сценам,
полным любви и покоя, удивительной образной и колористической цельности («Молитва перед обедом»,
1744). В жанровых сценах Шарден воссоздал спокойный, размеренный уклад повседневной жизни — то в
самые заурядные, но лирически возвышенные моменты, то в эпизодах, имеющих внутреннее нравственное
значение.
«Натюрморт с атрибутами искусств» исполнен по заказу Екатерины II в 1766 г.
Картины жанровой живописи, отличающиеся наивной простотой содержания, силой и гармоничностью
красок, мягкостью и сочностью кисти, ещё более, чем прежние работы Шардена, выдвинули его из ряда
современных ему художников и укрепили за ним одно из видных мест в истории французской живописи. В
1728 г. он был сопричислен к парижской академии художеств, в 1743 г. избран в её советники, в 1750 г.
принял на себя должность её казначея; кроме того, с 1765 г. он состоял членом руанской академии наук,
словесности и изящных искусств.
В произведениях разных лет и разных жанров, таких, как «Прачка» (1737), «Банка с оливками» (1760) или
«Атрибуты искусств» (1765), Шарден всегда остается превосходным рисовальщиком и колористом,
художником «тихой жизни», поэтом повседневности; его пристальный и нежный взгляд одухотворяет самые
обыденные предметы. В последние годы жизни Шарден обратился к пастели и создал несколько
великолепных портретов (автопортрет, 1775), в которых проявил присущую ему эмоциональную тонкость, но
также способность к психологическому анализу.
Много для распространения славы Шардена сделали энциклопедисты, которые противопоставляли его
«буржуазное» искусство «оторвавшимся от народа» придворным художникам — мастерам эротических и
пасторальных виньеток в духе рококо. Дидро сравнивал его мастерство с колдовством: «О, Шарден, это не
белая, красная и черная краски, которые ты растираешь на своей палитре, но сама сущность предметов; ты
берешь воздух и свет на кончик своей кисти и накладываешь их на холст!»
4. Французская скульптура 18 века. Творчество Пигаля, Фальконе
Жан-Батист Пигаль (Jean-Bapeste Pigalle, 1714—1785) — разносторонний французский скульптор, последний
выдающийся мастер эстетики барокко. Его именем названы площадь и квартал в Париже.
Первоначальное художественное образование получил под руководством Лелоррена и Лемуана, потом жил
несколько времени в Италии. По возвращении Пигаля на родину были им исполнены изваяние Мадонны для
церкви Инвалидов и две статуи Людовика XV, из которых одна отправлена в Реймс, а другая помещена во
дворце Бельвю.
В течение 1750-х годов Пигаль пользовался покровительством маркизы де Помпадур. Для неё он изваял
несколько статуэток детей — обаятельных, но с налётом сентиментальности (напр., «Мальчик с клеткой для
птиц», 1750). С течением времени Пигаль проявил себя и мастером психологического портрета («Дидро»,
1777). Его безупречное с точки зрения анатомии изображение нагого Вольтера, выполненное незадолго до
смерти философа, вызвало скандал, будучи выставленным в Салоне.
В 1774 г. Пигаль был избран в члены Парижской академии, где впоследствии занимал одну за другой
должности профессора (1752), ректора (1777) и канцлера (1785). Для дворца в Сан-Суси он исполнил статую
«Меркурия и Венеры», для Лувра — «Девушку, вынимающую из ноги занозу». После смерти Бушардона
закончил начатую тем конную статую Людовика XV, которая была установлена на площади, ныне носящей
имя Согласия.
Наиболее грандиозные свершения Пигаля — напоминающие театральное представление гробницы герцога
д’Аркура в соборе Парижской Богоматери и маршала Морица Саксонского в церкви св. Фомы в Страсбурге.
Этьен Морис Фальконе (фр. Éeenne Maurice Falconet; 1 декабря 1716, Париж — 24 января 1791, Париж),
французский скульптор, в своих произведениях воплотивший эмоционально-лирическую линию
европейского классицизма 18 века.
Ранние годы
Учился у своего дяди, мраморщика по профессии, затем работал под руководством придворного скульптора-
портретиста Жана Батиста Лемуана, одновременно изучая в версальском парке работы известных
французских мастеров. В 1744 принят в Парижскую Академию за представленную на конкурсе группу «Милон
Кротонский»; в 1754 году за исполнение этой группы в мраморе получил звание академика. В этом раннем
произведении, как и в ряде других работ, Фальконе сохранил свойственную пластике барокко динамику и
театральность, одновременно тяготея к классицистической ясности формы.
В 1753—66 годах Фальконе принимает участие в украшении капелл Распятия и святой Девы в парижской
церкви святого Роха. Из восьми скульптурных групп, исполненных в манере барочных алтарей 17 века,
сохранилась лишь одна - «Моление о чаше», остальные погибли в годы Французской революции. В капелле
Распятия скульптурную группу со Спасителем на кресте Фальконе установил на постаменте в виде груды
необработанных камней, контраст естественной фактуры постамента и отполированных фигур создавал
изысканный декоративный барочный эффект (впоследствии этот прием будет использован в памятнике Петру
I).Произведения 1750-60-х годов
В работах, исполненных по заказу мадам де Помпадур, фаворитки Людовика XV, старался следовать
господствовавшей при дворе моде на искусство рококо.
Статуи «Музыка», «Амур», «Купальщица», полные рокайльной изысканной грации, естественны и изящны без
жеманства, — аллегорические образы по-земному конкретны. В 1757 Фальконе был назначен директором
Севрской фарфоровой мануфактуры (находившейся под покровительством маркизы де Помпадур), для
которой создает целое множество сразу вошедших в моду статуэток из бисквита с изображением аллегорий и
мифологических персонажей.
Преклоняясь перед античным искусством, мастер, однако, никогда не воспринимал его как холодный и
безжизненный канон. «Только природу, живую, одухотворенную, страстную должен воплощать скульптор в
мраморе, в бронзе или в камне», — эти слова всегда были девизом Фальконе. Образы сидящей девочки-
подростка с розами у ног, юной девушки в античном хитоне с голубем в руках, ожившей Галатеи, перед
которой склонился восхищенный Пигмалион, исполнены нежного элегического настроения, силуэты фигур
плавны и изящны, легкие наклоны полны музыкальной грации.
Подлинным шедевром мастера явилась статуя «Зима», о которой восторженно отозвался друг скульптора
Дени Дидро, не раз повторявший, что ценит в творчестве Фальконе прежде всего верность природе. Облик
сидящей девушки, олицетворяющей зиму и прикрывающей плавно спадающими складками одеяния, как
снежным покровом, цветы у ног, полон тихой мечтательной грусти. Аллюзией зимы являются знаки зодиака,
изображенные по сторонам постамента, и чаша у ее ног, расколовшаяся от замерзшей воды. «Это, может
быть, самая лучшая вещь, какую я мог сделать, и я смею думать, что она хороша», — писал Фальконе.
Всю жизнь Фальконе мечтал о создании монументального произведения, — воплотить эту мечту ему удалось
в России. По совету Дидро императрица Екатерина II поручила скульптору создание конного памятника Петру
I. Эскиз из воска был сделан еще в Париже, после приезда мастера в Россию в 1766 началась работа над
гипсовой моделью в величину статуи.
Отказавшись от аллегорического решения, предложенного ему в окружении Екатерины II, Фальконе решил
представить самого царя как «созидателя, законодателя и благодетеля своей страны», который «простирает
десницу над объезжаемой им страной». Голову статуи он поручил моделировать своей ученице Мари Анн
Колло, но впоследствии, по-видимому, внес свои коррективы в образ, пытаясь выразить в лице Петра
сочетание мысли и силы. В статуе царя, усмиряющего коня на крутой вершине скалы, великолепно передано
единство движения и покоя; особое величие монументу придают царственно гордая посадка Петра,
повелительный жест руки, поворот вскинутой головы в лавровом венке, олицетворяющие сопротивление
стихии и утверждение державной воли. Возвышаясь на постаменте в виде уступчатой гранитной скалы,
памятник выразительным силуэтом вырисовывается на фоне перспективы Петербурга. Выбитая на пьедестале
лаконичная надпись "Petro primo Catharina secunda" («Петру Первому Екатерина Вторая») сделана по
предложению Фальконе. Отделку бронзы после отливки (которую делал Ф. Гордеев) в 1775 Фальконе
выполнял сам. Покинув Россию в 1778 до установки монумента (торжественное открытие памятника было
приурочено к двадцатилетию царствования Екатерины II 7 августа 1782 года), Фальконе уехал в Голландию и в
1781 вернулся во Францию. Последние 10 лет жизни, разбитый параличом, он не мог работать.
5. Гудон – крупнейший скульптор 2-ой половины 18 века.
Родился 20 марта 1741 в Версале. Учился у М.Слодца, Ж.Пигаля и Ж.Лемуана. С 1764 по 1768 был
стипендиатом Французской академии в Риме; первый успех пришел к нему после создания статуи Св. Бруно
для римской церкви Санта Мария дельи Анджели.
По возвращении в Париж скульптор первое время продолжал работать в академических традициях. В 1777 он
представил статую Морфей на конкурс на право вступления в члены Академии. Гудон очень быстро
выработал собственный индивидуальный стиль, нашедший воплощение в серии блестящих портретов видных
деятелей Франции, России и Америки того времени. В 1785 скульптор предпринял путешествие в Америку
для выполнения заказанной ему статуи Джорджа Вашингтона, которая была закончена только в 1792
(Ричмонд, шт. Виргиния). Гудон был членом Института Франции (1796), кавалером ордена Почетного легиона
(1804). В годы Империи он продолжал работать, но с 1805 вел только преподавательскую деятельность. Умер
Гудон в Париже 16 июля 1828.
Наивысшие достижения французской скульптуры 18 в. несомненно связаны с жанром портрета, одним из
лучших мастеров которого был Гудон. Меткость психологической характеристики и удивительная способность
выбирать и обобщать позволили ему создать столь различные образы, как старый Вольтер и дочь скульптора,
маленькая Сабина Гудон, Людовик XVI и Дж.П.Джонс.
6. Творчество Хогарта. Критическая направленность его бытового жанра.
Учился в Лондоне у гравера Э.Геймбла. С 1720 г. посещал занятия в Академии Джеймса Торнхилла, в том же
году начал самостоятельно работать как профессиональный художник. Первыми работами Хогарта были
книжные иллюстрации, в том числе к сатирической поэме Сэмюэла Батлера «Гудибрас» (1726). Двумя годами
позже начал писать маслом групповые портреты небольшого формата и с тех пор постоянно занимался как
живописью, так и гравюрой.
Творчество
В 1730—1731 гг. Хогарт выполнил серию из шести картин, получившую название «Карьера проститутки».
Большим успехом пользовались гравюрные оттиски серии, напечатанные в 1732 году. Следующая серия
гравюр — «Карьера мота» — была опубликована в 1735 г., а в 1745 г. появился знаменитый цикл «Модный
брак». Затем последовали другие серии, среди которых — «Прилежание и леность» (1747) и «Выборы» (4
гравюры, 1755—1758). Хогарт выполнил также множество отдельных гравюр, несколько портретов и ряд
исторических картин. В 1753 г. вышел в свет его трактат «Анализ красоты». В 1757 г. Георг II назначил Хогарта
главным живописцем; в этой должности он стал преемником Джона Торнхилла. В 1764 художник выпустил
свою последнюю гравюру «Конец, или Бездна».
Тематика
Хогарт наблюдал жизнь людей разного материального достатка, принадлежавших ко всем слоям общества;
он был не только талантливым портретистом, но и моралистом, и сатириком. В портретной живописи
художник был объективен и прямолинеен, что хорошо заметно в «Портрете капитана Т.Корема» (1740,
Лондон, Сиротский приют Корема) и «Портрете Саймона Фрейзера, лорда Ловета» (1746, Лондон,
Национальная портретная галерея). В искусстве Хогарта, несомненно, важное место принадлежит юмору. Так,
в двух знаменитых гравюрах 1751 г. он противопоставил ужасные последствия, ожидающие тех, кто
злоупотребляет дешевым джином «Переулок джина», процветанию и благополучию тех, кто отдает
предпочтение английскому пиву «Пивная улица». Сатирическое изображение жизни эпохи, особенно в сериях
«Модный брак» и «Выборы», ставит его в один ряд с великими романистами-сатириками 18 в.
Итогом серии таких повествований стал цикл из шести картин «Модный брак» (1742— 1744 гг.). Сюжет,
обычный для Хогарта, был очень злободневным: неравный брак по расчёту между разорившимся
аристократом и богатой девушкой из буржуазной семьи. После брачной сделки, заключённой родителями
(картина «Брачный контракт»), молодые быстро понимают, что они чужие друг другу люди («Вскоре после
свадьбы»). Разочарованный супруг проводит время в кутежах с нежелательными последствиями для
здоровья («Визит к шарлатану»), а ново явленная «светская леди», разумеется, заводит роман («Будуар графи
ни»). Однако заурядная житейская история оборачивается трагедией: в поединке с любовником жены
погибает граф («Дуэль и смерть графа»), а незадачливая графиня принимает яд и в мучениях умирает в
родительском доме («Смерть графини»).
7. Сравнительная характеристика творчества крупнейших английских портретистов 2-ой половины 18 века
Рейнольдса и Гейнсборо.
9. Реалистич. Пейзаж ДЖ. Тернера.
Уильям Тёрнер родился 23 апреля 1775 г. в лондонском районе Ковент-Гарден (впрочем, точная дата
рождения оспаривается рядом исследователей). Отец художника был мастером по изготовлению париков и
брадобреем. В 1785 г. Джозефа Уильяма отправили в лондонский пригород Брентфорд, где он жил у дяди.
Ещё в Брентфорде он проявил интерес к изобразительному искусству, и после пяти лет учёбы в школе 15-
летнего Тёрнера приняли в Королевскую академию искусства. Уже через год после поступления акварельная
работа Тёрнера была выставлена на ежегодную выставку Академии художеств. Первая картина маслом,
которая удостоилась экспозиции, появилась у Тёрнера в 1790 г. Впоследствии Тёрнер постоянно выставлялся
в Академии, а в 1802 г. стал её членом.
ТЁРНЕР Джозеф Мэллорд Уильям(1775-1851) - английский живописец, рисовальщик, гравер, мастер
романтического пейзажа, оказавший влияние на формирование импрессионистического направления.
Родился в семье цирюльника. Брал уроки живописи у Т.Молтона (ок.1789), учился в Королевской Академии в
Лондоне (1789-1793). В 1802 г. стал академиком, а в 1809 г. профессором в академических классах. Совершал
многочисленные поездки по Англии и Уэльсу, путешествовал во Францию и Швейцарию (1802), Голландию,
Бельгию и Германию (1817), Италию (1819, 1828). Творческая манера сложилась в основном под влиянием
К.Лоррена, Р.Уилсона и голландских маринистов.
Именно живопись голландских мастеров подсказала Тёрнеру сюжет одной из ранних работ "Мол в Кале"
(1802-1803, Национальная галерея, Лондон), изображающей разыгравшуюся природную стихию и
противостоящих ей людей. В отличие от гладкой и ровной живописи голландцев картина Дж.Тёрнера
представляет собой пример свободного использования разнообразных художественных приемов и
необычайную широту колористической палитры: от чистых голубых, красных, белых цветов до сложных
оттенков свинцово-серых и коричневых тонов. Тот же напряженный драматизм характерен и для написанного
в 1805 г. "Кораблекрушения" (Галерея Тейт, Лондон), уже полностью пронизанного духом романтизма.
Величие и грандиозный масштаб происходящего подчеркнуты резким цветовым контрастом темного и
светлого, холодного (изумрудные отливы темного моря) и горячего (красные и желтые пятна, изображающие
человеческие фигуры).
Дж.Тёрнер очень редко пользовался этюдами, написанными с натуры, обычно он ограничивался
карандашными набросками и записями своих впечатлений. Так на основании записей и зарисовок были
созданы его швейцарские акварели (1800-е).
В содержании пейзажей Дж.Тёрнера всегда присутствует элемент борьбы как неотъемлемой части жизни.
Даже в тех случаях, когда он воспроизводит природу в моменты тишины и покоя, он создает величественное
полотно, отражающее полное торжество стихии света или тьмы ("Морозное утро", 1813, Галерея Тейт,
Лондон).
Новаторское для своего времени мироощущение Дж.Тёрнер старался спрятать за изображением условных
классицистических пейзажей, служащих фоном для некоторых его картин на мифологические и исторические
темы ("Ганнибал, пересекающий Альпы в метель", 1819, Галерея Тейт, Лондон; "Улисс и Полифем", 1828-1829,
Национальная галерея, Лондон).
10. Революционный классицизм Давида. Обращение художника к темам общественного и героического
звучания.
Давид - художник французской революции В. Березина Каждый должен служить отечеству своими талантами,
говорил Жак-Луи Давид живописец, активный участник французской буржуазной революции конца XVIII века.
Эти слова являются эпиграфом и к творчеству самого мастера. Задолго до начала революционных событий
Давид призывал своим искусством каждого к выполнению гражданского долга. Особенно отчетливо этот
призыв прозвучал у Давида в картине Клятва Горациев, в основу сюжета которой был взят легендарный
эпизод древнеримской истории. В период вражды Рима с Альба-Лонгой трем братьям-близнецам из
римского рода Горациев предстояло пойти на смертельный поединок с друзьями детства братьями
Куриациями из Альба-Лонги. Борьба городов решалась исходом этого поединка. Выбрав такой сюжет, Давид
должен был ответить зрителю, как поступать, когда возникает противоречие между гражданским долгом и
личными чувствами. Он мог показать колебания героев, акцентировать горе семьи. Но Давид выбрал момент
непреклонной решимости юношей выполнить долг перед государством: отец Горациев поднимает мечи, и
братья клянутся победить или умереть. Мать и сестры юношей полны сдержанной печали. Художник
представляет их как персонажи второстепенные, они важны ему лишь для полноты раскрытия сюжета.
Словно в античных барельефах, все участники сцены расположены на первом плане. Построение композиции,
рисунок, цвет все служит выявлению главной идеи. Клятва Горациев на выставке 1785 года в Париже имела
огромный успех. В канун революции прозвучавший в картине призыв жертвовать личным во имя
общественного был с воодушевлением встречен французами. Нравилось все -и сюжет, и его художественное
воплощение. Стиль произведения знаменовал появление в искусстве Франции направления, получившего
название классицизм. Давид стал его вождем. Определились и основные черты классицизма: обращение к
античным образцам, логически ясное построение композиции, строгий отбор и обобщенность...
Давид (David) Жак Луи (1748–1825), французский живописец. Учился в Королевской академии живописи и
скульптуры у исторического живописца Ж.М.Вьена (1766–1774), в 1775–1780 изучал античное искусство в
Риме. В 1780–1790-е годы Давид стал основоположником и признанным лидером так называемого
революционного классицизма – направления во французском искусстве, воспринявшего у
рационалистической просветительской философии XVIII века культ разума и естественного чувства,
выдвинувшего новый тип художника-борца, призванного воспитывать у зрителя высокие моральные качества
и гражданские добродетели. Для произведений Давида 1780-х годов характерны публицистическая
направленность, стремление выразить героические свободолюбивые идеалы предреволюционной эпохи
через образы античной истории (“Смерть Сократа”, 1787, Метрополитен-музей; “Ликторы приносят Бруту тела
его сыновей”, 1789, Лувр, Париж). Возвышенность замысла, сценическая торжественность образного строя,
чеканная барельефность композиции, преобладание объемно-светотеневого начала над колористическим
особенно ярко воплотились в картине “Клятва Горациев” (1784, Лувр, Париж), воспринятой обществом как
призыв к революционной борьбе. Классицистические представления о волевом и деятельном начале как
сущностном ядре человеческой личности отразились в портретах Давида этого периода (“Портрет А.Леруа”,
1783, Лувр, Париж). Воодушевленный событиями Великой французской революции, Давид стремился к
созданию исторической картины на современную тему (“Клятва в зале для игры в мяч”, 1791, не закончена,
центральная часть в Национальном музее Версаля и Трианонов). Черты портрета и исторической картины
совмещены в картинах “Убитый Лепелетье” (1793, не сохранилась, известна по гравюрам) и особенно “Смерть
Марата” (1793, Музей современного искусства, Брюссель) с их трагическим звучанием, простотой и
лаконизмом композиции, суровой сдержанностью цвета и скульптурной монументальностью форм. Давид
был активным деятелем революции, членом Конвента, организовывал массовые народные революционные
празднества в Париже, создал Национальный музей в Лувре.
11. Гойя – крупнейший художник Испании конца 18-начала 19 века. Наваторский и бунтарский характер его
творчества
Биография и творчество
В 1746 г. в семье мастера-позолотчика и дочери обедневшего дворянина родился сын. В 1760 г. семья
переезжает в Сарагосу и здесь юноша был отдан в мастерскую художника Лусана-и-Мартинеса. Через
несколько лет, замешанный в драке, он вынужден бежать из Сарагосы. В 1766 г. Гойя попадает в Мадрид.
Здесь он знакомится с работами придворных художников, совершенствует свое мастерство и даже участвует в
конкурсах мадридской Академии художеств, надеясь быть принятым в Королевскую Академию изящных
искусств Сан Фернандо. Его картина была отвергнута, и он отправился в Италию. Оказывается в Риме, где
знакомится с живописью итальянских мастеров. Однако, являясь натурой авантюрной, вновь попадает в
неприятную историю: ночью пробирается в женский монастырь, чтобы похитить возлюбленную; застигнутый
на месте преступления, он вынужден покинуть Рим.
В 1771, получив вторую премию пармской Академии художеств за картину на тему из античной истории,
возвращается в Сарагосу, где работает над фресками в традициях позднего итальянского барокко (боковой
неф церкви Нуэстра Сеньора дель Пилар, 1771-72).
Около 1773 Гойя обосновался в Мадриде у своего друга Франсиско Байеу, и работал у него в мастерской.
Байеу был тогда официальным придворным художником короля Карла IV и королевы Марии Луизы.
Франсиско познакомил Гойю со своей сестрой Хосефой, от которой тот был в восторге и вскоре соблазнил ее.
В 1775 году Гойе пришлось жениться на ней, когда она была на пятом месяце беременности. Через пять
месяцев родился мальчик, которого назвали Эусебио, он прожил недолго и вскоре умер. Всего Хосефа родила
пять (по разным данным и больше) детей, из которых выжил лишь один мальчик по имени Хавьер —
Франсиско Хавьер Педро — который стал художником. Как только Гойе стали доступны встречи с
придворными аристократками, Хосефа была тут же им практически забыта. Гойя написал только один ее
портрет.
По протекции Байеу Гойя выполнил для Королевской шпалерной мануфактуры в 1776-80 45 панно, которые
служили образцами (картонами) для гобеленов и получил постоянную работу на фабрике. Эти работы
принесли Гойе известность. В 1780 Гойя был принят при дворе и написал портрет короля, картину в
академическом стиле «Распятие» и стал членом Королевской Академии (с 1785 вице-директор, а с 1795 —
директор её живописного отделения), а в 1786 был назначен придворным живописцем; после смерти Карла
III стал придворным художником Карла IV и с 1799 его первым живописцем.
В 1791 Гойя познакомился с герцогиней Альба, которая стала его возлюбленной и покровительницей. Он
начинает ухаживать за ней. Но в 1792-93 гг. художник переносит тяжелую болезнь, в результате которой
теряет слух. Во время выздоровления в 1792 Гойя начал работать над серией офортов Капричос (закончена к
1799) — сатирой на политические, социальные и религиозные порядки. В 1798 Карл IV поручил Гойе
расписать купол своей загородной церкви Сан Антонио де ла Флорида.
В 1796 году муж герцогини скончался, она едет оплакивать эту потерю в свое поместье в Андалузию, и берет
Гойю с собой. Он писал ее портреты много раз; два самых знаменитых из них — «Маха обнажённая» (ок.
1797) и «Маха одетая» (ок. 1802, Прадо). После ее смерти создает «Маху на балконе» (около 1816,