Ответы к экзамену по театру
Подождите немного. Документ загружается.
Экзаменационные билеты по курсу «История и теория театра».
Билет № 1
1. Возникновение античного театра. Структура античной трагедии. Темы. Герои. Образы. Катарсис.
2. Пьесы А.С. Грибоедова и Н.В. Гоголя. Актер М.С. Щепкин.
Билет № 2
1. Эсхил и его драматургия («Орестея» или другое его произведение).
2. Творчество П.С. Мочалова и В.А. Каратыгина.
Билет № 3
1. Софокл и его драматургия (Содержание трагедии «Эдип, царь» или «Антигона»).
2. А.С. Пушкин и театр.
Билет № 4
1. Развитие трагедии от Софокла до Еврепида. «Медея».
2. Творчество А.Н. Островского и малый театр.
Билет № 5
1. Виды и жанры сценических представлений: трагедия, комедия, драма, водевиль.
2. К.С. Станиславский и основание Московского художественного театра.
Билет № 6
1. Виды и жанры сценических представлений: миракль и мистерия, фарс, трагикомедия, мелодрама, опера,
балет, оперетта, мюзикл.
2. Анализ спектакля (по выбору).
Билет № 7
1. Как смотреть и оценивать спектакль.
2. Краткая история Воронежского театра.
Билет № 8
1. Общий обзор творчества В. Шекспира. Периодизация.
2. Основные принципы «системы Станиславского».
Билет № 9
1. Комедии В. Шекспира (краткое содержание одного произведения по выбору).
2. Театр в России (1672 – 1740).
Билет № 10
1. Трагедии и исторические хроники В. Шекспира.
2. Театр в России в эпоху Елизаветы Петровны (1742 – 1761).
Билет № 11
1. Школьные театры в Европе и в России.
2. А.П. Чехов – драматург и МХТ.
Билет № 12
1. Комедия Дель Арте.
2. М. Горький – драматург и МХТ.
Билет № 13
1. Испанский театр XVI – XVII вв. Лопе де Вега: «Фуэнте Овехуна». Педро Кальдерон.
2. Театральная жизнь России (1917 - 1941).
Билет № 14
1. Французский театр эпохи классицизма. Законы театра классицизма.
2. Творчество В.Э. Мейерхольда и Е.Б. Вахтангова.
Билет № 15
1. Творчество Корнеля и Расина. Театры Парижа.
2. Основание Российского театра. Федор Волков и Иван Дмитриевский.
Билет № 16
1. Творчество Ж.-Б. Мольера.
2. Театр и драматургия при Екатерине II.
Билет № 17
1. Европейский театр XVIII – первой половины XIX века. Бомарше. Гольдони. Шеридиан. (Содержание
пьесы по выбору).
2. М.А. Булгаков – драматург. Творчество Н.Р. Эрдмана.
Билет № 18
1. Немецкий театр XVIII века. Шиллер и Гете.
2. Театральные тенденции нашего времени.
Билет № 19
1. Романтизм и реализм в европейском театре XIX века.
2. Творчество А. Арбузова, А. Володина, В. Розова.
Билет № 20
1. Европейский и американский театр XX века. Ф.Г. Лорка. Б. Брехт. Ж. Ануй. Э. де Филиппо. Т. Уильямс.
2. Творчество А. Вампилова и А. Гельмана.
Билет № 21
1. Театральные принципы Г. Ирвинга и Б. Шоу.
2. О. Ефремов и основание «Современника». Постановки А. Эфроса, Г. Товстоганова, Ю. Любимова.
Билет № 22
1. Драматургия Г. Ибсена, Ю. Стриндберга, М. Метерлинка.
2. Современные театры Москвы и Санкт-Петербурга.
Билет № 1
1. Античный театр – театральное искусство Др. Греции, Др. Рима, а также ряда стран Бл. Востока (V до н.э.
– V в. н.э.). Др.греч. театр возник из сельских празднеств в честь бога Диониса. Театр занимал особое место в
жизни людей, был трибуной для широкого распространения новых мыслей, освещения наиболее
волновавших умы современников проблем. Велика была его общественная и воспитательная роль.
Театр был учреждением общественным, содержавшимся государством. Наиболее состоятельные и почтенные
граждане платили за обучение хора и его содержание (они назывались хорегами). Профессии драматурга и
актёра считались почётными. Актёрами могли быть только мужчины – они исполняли и женские роли.
Представление шло под открытым небом, на круглой площадке – орхестре. Скамьи для зрителей были
вырублены в каменистых склонах холма, у подножия которого устраивалась орхестра. Актеры выступали в
масках (обозначающих либо сценический тип персонажа, либо душевное состояние или характер), ярких
хитонах и на высоких деревянных сандалиях на ногах (котурнах). В театре почти не было декораций.
Театр не был делом будничным. Представления шли только три раза в год в празднества Диониса, на
которых пели дифирамбы (хвалебные песни). Давали обязательно три трагедии и одну сатировскую драму,
т.е. комедию. В каждом представлении участвовали три драматурга, а зрители должны были определить
лучшую постановку, лучшего актера, лучшего хорега (организатора представления). В заключительный день
праздника победители получали награды.
Основными жанрами являлись: трагедия ((в буквальном переводе – “песнь козлов”) возникла из хоровой
песни, из дифирамба, распевавшегося сатирами, одетыми в козлиные шкуры и изображавшими веселых
спутников греческого бога виноделия Диониса. Трагиками являлись: Эсхил, Софокл и Еврипид. Строение
трагедии: 1. парод – первая песня хора; 2. стасим – песнь хора на орхестре (состоит из строф и антистроф); 3.
эписодий – диалогическая часть. Потом шло чередование стасимов и эписодиев. Эписодий заканчивался
комосом – совместной песнью героя и хора. Вся трагедия заканчивается эксодом (уходом) – песнью вообще
всех.), комедия (Аристофан).
Почвой др.греч. искусства считают мифологию. В ходе развития греческой трагедии круг ее сюжетов,
помимо мифов о Дионисе, вошли рассказы о судьбах героев древности - Эдипа, Агамемнона, Геракла и Тесея
и других. Гр. трагедия целиком основывается на мифологии. Но сквозь мифологическую оболочку драматург
отражал в трагедии современную ему общественную жизнь, высказывал свои политические, философские и
этические воззрения. Использование мифологии делало трагедию необычайно доходчивой. В каждой пьесе
зритель встречал уже знакомые ему лица и события и мог свободнее следить за тем, как эти мифы
перерабатывала творческая фантазия драматурга.
Главная задача театра – катарсис (очищение). Очищение от снедающих человека страстей. Он должен был
венчать трагедию. Гибель героя не должна была быть бессмысленной. Высший смысл – столкновение
субъективных обстоятельств и объективной закономерности. Первое – это герои, втрое – высший закон
олимпийских богов, судьба. Побеждает всегда судьба, хотя герой и благороден. Греки считали, что везде
должна была быть гармония, а выступление героя нарушает гармонию, расплата за это – жизнь. Герой чаще
всего погибает, и зрители ему сострадают. Жить всегда остаются спокойные, пассивные.
2. Грибоедов А.С. (1795–1829) - русский драматург и дипломат. Самая значительная для театра пьеса –
«Горе от ума»
Гоголь Н.В. (1809–1852) - русский писатель. Пьесы – «Ревизор», комедия «Владимир 3-й степени» (она не
была окончена, но материал послужил для нескольких драматических эпизодов – «Утро делового человека»,
«Тяжба», «Лакейская» и «Отрывок»), «Женитьба», «Игроки».
Щепкин М.С. (1788–1863) - русский актер. Родился в с. Красном Курской губернии в семье крепостных.
Учился в Курском народном училище. Совмещал обязанности секретаря своего помещика с артистической
деятельностью. Играет сначала в Тульском, а затем в Московском Малом театре.
В начале творческого пути играл комические роли (в водевиле Писарева «Хлопотун, или Дело мастера
боится», в комедии М.Н.Загоскина «Г-н Богатонов, или Провинциал в деревне» и др.). Появление на сцене в
1830-е годы комедий А.С.Грибоедова («Горе от ума» - Фамусов) и Н.В.Гоголя («Ревизор» - городничий)
позволило Щепкину вырваться из сферы чисто комической.
Щепкин не ставил себе задачи изобрести новые технические приемы игры. Пользуясь теми же средствами,
что и П.С.Мочалов или В.И.Живокини, Щепкин пришел к постановке вопроса о внутренней технике актера.
Он утвердил на сцене принцип, положенный позже К.С.Станиславским в основу его «системы», – принцип
внутреннего оправдания роли, приема, сценического задания. Щепкин утвердил общественную роль
русского актера, поднял профессию на другой уровень – из лицедея он превратил актера в ответственного
члена общества. Он учил актера сознательной работе над ролью и над собой, учил культуре работы.
Билет № 2
1. Эсхил (525-456 гг. до н.э.) - греческий трагический поэт. Он автор героико-патриотических, поднимающих
большие исторические и религиозно-философские темы произведений, он ввёл 2-го актёра, открыв этим
возможность более глубокой разработки трагического конфликта и усиления действенной стороны
театрального представления. Введение 2-го актёра повлекло за собой и развитие диалога, который в старой
трагедии имел лишь зачаточный характер. Хор у Эсхила, состоявший из 12 человек, был настоящим
действующим лицом. В его ранних трагедиях хоровые партии составляют более половины пьесы; в более
поздних хор играет уже значительно меньшую роль. Постановки Эсхила отличались большой пышностью и
включали в себя некоторые зрительные эффекты (торжественный въезды на колесницах, процессии и
прочее). При Эсхиле определилась классическая форма строения трагедии и порядок трагического
представления. Главная тема трагедий Эсхила – проблема моральной ответственности за причиненное зло,
проблема рока как силы, стоящей над обществом, и возмездия. Его произведения: «Персы», «Прометей
Прикованный», трилогия «Орестея» (три продолжающие друг друга трагедии: «Агамемнон», «Хоэфоры»,
«Евмениды»).
«Орестея» 1. «Агамемнон». Агамемнон возвращается с победой над Троей домой, вместе с пленницей
Кассандрой (предсказательница). Клитемнестра (его жена) «счастливая» его встречает. Кассандра
предсказывает гибель Агамемнона и свою от руки царицы. Клитемнестра убивает их (за то, что Агамемнон
принес в жертву богам свою дочь Ифигению). Клитемнестра и ее любовник Эгист начинают править. Хор
грозит им отмщением Ореста (сын Агамемнона).
2. «Хоэфоры» 8 лет спустя появляется Орест. Орест переодевается странником, заходит во дворец и убивает
Клитемнестру и Эгиста.
3. «Евмениды» за то, что Орест убил мать его преследуют Эриннии, пока он не добирается до храма Афины.
Там происходит над ним суд. Орест побеждает. А Эриннии становятся добрыми богинями Евменидами.
2. Мочалов П.С. (1800-1848) - российский актер. Крупнейший представитель романтизма в русском театре.
Работал в Малом театре в Москве. Играл все роли трагического и романтического плана: Гамлет (У.
Шекспира «Гамлет»), Карл Моор, Фердинанд (Ф. Шиллера «Разбойники», «Коварство и любовь») и др.
Каратыгин В. А. (1802–1853) - крупнейший представитель позднего театрального классицизма и
романтизма, мастер высокой сценической культуры, первый герой Александринского театра, выразитель
парадного, ампирного стиля николаевской эпохи.
Дебютировал в петербургском Большом театре. Играл в пьесах В.А.Озерова («Фингал»; «Дмитрий
Донской»), П.Корнеля («Сид»), Ж.Расина («Ипполит в Федре»).
Молодой Каратыгин выступал в антитиранических, героических ролях, в которых звучали ноты протеста.
Это были образы цареубийц, мстителей, мятежников.
Позже Каратыгин становится придворным актером, любимым актером императора. В репертуаре
Александринского театра произошли большие перемены. На сцене преобладали мелодрамы, романтические
драмы, лишенные бунтарской темы, но с патриотическими мотивами, прославляющими империю. Актер
нашел свою тему и сыграл много из этого репертуара.
Он был одним из первых русских исполнителей, который пользовался литературными и историческими
материалами в процессе работы над ролью. Особенно много готовился к ролям историческим: тщательно
изучал историческую эпоху, картины и книги того времени. Каратыгин часами отрабатывал перед зеркалом
пластику роли.
Актер был чужд шекспировской поэтике, но сыграл несколько шекспировских ролей: Гамлет, Отелло, Ричард
III, Кориолан, Король Лир.
Билет № 3
1. Софокл (496 - 406 гг. до н.э.) - знаменитый древнегреческий драматург, автор многочисленных трагедий.
До нас дошло только семь драм (из 123): «Аякс», «Трахинянки», «Антигона», «Эдип царь», «Электра»,
«Филоктет», «Эдип в Колоне».
Творчество Софокла – качественный скачок по сравнению с драматургией Эсхила. Для Эсхила отдельный
индивидуальный человек ничего не значит, только род. Человек у Эсхила лишь представитель рода.
Софокл – внимание к судьбе отдельного человека. Софокл: столкновение героев подразумевает столкновение
определенных общественных сил. Столкновение доходит до такого накала, что приводит к гибели одной из
сторон. Герои Софокла – «люди, какими они должны быть» (Аристотель), благородные, приподнятые. Не
отрицая непреложной воли богов, Софокл прежде всего интересуется человеком, его волей, стремлениями,
поступками, готовностью и способностью отвечать на них, согласовывать с общественными и
божественными установками и т.д.
Творчество Софокла содержит нововведения, способствующие дальнейшему развитию искусства трагедии.
Прежде всего важной заслугой Софокла явилось введение третьего актера, которое значительно обогатило
собственно драматическую часть трагедии. Софоклом был также расширен состав хора до 15 человек (до
него состоящий из 12 человек). Однако, создав выразительные хоровые партии, Софокл при этом не
увеличил их объем и роль. Важным обстоятельством является постепенный отказ от принципа трилогии или
тетралогии в создании отдельных драм. За этим обстоятельством важные убеждения драматурга. Творчество
Софокла отмечено прежде всего значительным обогащением внутреннего мира героев, искусства их
изображения.
«Антигона». Антигона – дочь Эдипа. У нее 2 брата Этеокл и Полиник, которые убили друг друга в
междуусобном поединке. Правитель Фив Креонт одного из них, Этеокла, приказывает похоронить с
почестями, а второго, Полиника, как изменника - бросить на съедение псам и хищным птицам. Однако
решение его вызывает глубокое страдание у сестер Полиника, прежде всего у Антигоны. Антигона скрытно
хоронит Полиника, за это ее сажают в темницу. Антигона не выдерживает этого и вешается в темнице. Гемон
(сын Креонта), не вынеся смерти Антигоны, закалывает себя над ее телом; жена Креонта (мать Гемона) при
известии о кончине единственного сына также кончает с собой. Креонт раздавлен этими потерями, а также
известием об осквернении священных алтарей прахом Полиника. Он признает полное свое поражение.
2. А.С.Пушкин внес огромный вклад в русскую литературу, особенно в поэзию, возможно, ему просто не
хватило времени, чтобы вплотную заняться драматургией.
В распоряжении театрального режиссера имеются только «Борис Годунов» и «Маленькие трагедии», а также
2 незаконченные работы – «Русалка» и «Сцены из рыцарских времен».
Билет № 4
1. Софокл (496 - 406 гг. до н.э.) - знаменитый древнегреческий драматург («Антигона», Эдип царь»,
«Электра» и др.). Изображал человека каким он должен быть. Заслуги: ввел 3-го актера, хор увеличен до 15
человек.
Еврепид (485-400) – младший из трех знаменитых греческих трагиков («Медея», «Ипполит», «Ифигения»).
Он писал трагедии, но необычные, поэтому они называются либо «психологические трагедии» или
«патетические драмы», а также писал социально-бытовые или семейные драмы («Алкеста», «Елена», «Ион»).
Еврипид разрушает жанр классической трагедии. У Еврипида в трагедиях появляется развивающийся
характер. Еврипид не только меняет внешний вид трагедии, но и привносит новую тематику. Впервые им
поднимается любовная тематика.
При постановке своих трагедий Еврипид, как и Софокл, пользовался тремя актерами. Но хор уже не так тесно
связан с развитием действия, увеличена роль театрального элемента: одевания, события, узнавания
мелодраматических событий. Внес в театр сферу личных взаимоотношений. Показывает человека как он
есть, в развитии его взглядов.
Несмотря на все различия, в творчестве Эсхила, Софокла, Еврипида, много общего. Прежде всего, это
стремление выразить наиболее существенные социальные, философские и этические проблемы и подлинно
демократические гуманные позиции. Именно это делало театр - школой для афинян, воспитателем
гражданских идеалов. Еврипид завершил развитие греческой классической трагедии, наметились два пути:
это трагедия и драма, приближенная к бытовой.
«Медея». Медее изменил ее муж Ясон, чтобы поправить свое положение. Она узнав об этом думает как
отомстить ему. Царь Креонт приказывает ей покинуть город вместе с детьми. Но Медея упрашивает его
остаться еще на один день, и начинает обдумывать как отомстить мужу. Медея отправляет к новой невесте
детей с отравленными подарками. Невеста умирает, а Медея захватив детей спрыгивает с башни и
разбивается.
2. Островский А.Н. (1823–1886) - русский драматург. Островский закончил гимназию, а затем,
недоучившись на юридическом факультете Московского университета служил, занимая различные, но
каждый раз невысокие посты в судебных учреждениях. Молодого человека угнетало его домашнее
окружение и его работа, однако именно здесь он приобрел богатый жизненный опыт и получил бесценный
материал для своих первых пьес. Писать начал рано. Первая из его опубликованных пьес «Свои люди –
сочтемся!».
Его пьесы: «Доходное место», «Гроза», «Воевода», «Василий Шуйский», «Бесприданница», «Таланты и
поклонники» и др.
Творчество А.Н.Островского произвело революцию в русском театре. В своих драмах и пьесах показал мир
русской жизни: все сословия и отношения между ними
Островский принимал непосредственное участие в жизни Малого театра, был постановщиком своих пьес,
требуя от актеров правильности найденного «тона», стройного ансамбля всех исполнителей, высокой
культуры сценической речи, достоверности и художественного единства всех компонентов спектакля.
Поэтому Малый театр также будут называть «Домом Островского». Несмотря на неоправданное засилие в
репертуаре театра пьес-однодневок, генеральное направление в 19 в., наряду с произведениями Островского
определяла классическая драматургия, русская и зарубежная.
В театре ставили его пьесы: «Бедность не порок», «Бесприданница», «Таланты и поклонники» и др.
Билет № 5
1. Драма – сюжетное произведение в разговорной форме (диалоги) для представления на сцене. В основе –
конфликт (личного, бытового или социального плана). Различают: социальную драму (конфликт между
личным и общественным или между представителями различных сословий), психологическую драму
(конфликт характеров и интересов). Главные представители: Эсхил, Софокл, Еврипид, Калидаса, У.
Шекспир, Кальдерон, П. Корнель, А. С. Грибоедов, Н. В. Гоголь, А. Н. Островский и др.
Трагедия - (буквально – песнь козлов), один из основных жанров театрального искусства. Трагедия –
драматургическое или сценическое произведение, в котором изображается непримиримый конфликт
личности с противостоящими ей силами, неизбежно ведущий к гибели героя. Цель трагедии: катарсис
(достижение нравственного очищения, через сопереживание положительному герою). Основоположники:
Эсхил («Орестея»), Софокл («Эдип, царь», «Антигона»), Еврепид («Медея»), У. Шекспир («Отелло»,
«Король Лир») и др..
Комедия – драматическое произведение имеющее игровой, мнимый конфликт, комедийный пафос,
осмеивает пороки общественной жизни, быта, нравов людей. Различают: комедия дель арте (действующие
лица – маски, присутствует сюжет, импровизация, буффонада. Мольер, Гольдони, Гоцци), комедии «плаща и
шпаги» (комедия положений, изображается жизнь и похождения испанских дворян. Лопе де Вега,
Кальдерон), комедия характеров (конфликт между героями разных социальных положений. Мольер
«Мещанин во дворянстве»), комедия нравов (конфликт в конкретной бытовой обстановке. Островский «Свои
люди - сочтемся»), комедия-сказка (К.Гоцци «Любовь к 3 апельсинам», «Турандот»). Представители:
Аристофан («Лисистрата», «Лягушки»), Лукиан («Похвала мухе»), Лопе де Вега («Собака на сене»),
Шекспир («Сон в летнюю ночь») и др.
Водевиль – вид «комедии положений» (комический эффект возникает преимущественно из неожиданных
поворотов сюжета) с песнями-куплетами, романсами и танцами. Представители русского водевиля: А. А.
Шаховской, Д. Т. Ленский, П. А. Каратыгин, Н. А. Некрасов и др.). Классики жанра Э. Скриб, Э. М. Лабиш.
2. Станиславский К.С. (1863–1938) - русский актер и режиссер, теоретик сценического искусства. Родился в
Москве. Принадлежал по рождению и воспитанию к высшему кругу русских промышленников. После
окончания Лазаревского института начал службу в семейной фирме. В семье увлекались театром, в
московском доме был специально перестроенный для театральных представлений зал, в имении –
театральный флигель. Сценические опыты начал в домашнем Алексеевском кружке. Усиленно занимался
пластикой и вокалом с лучшими педагогами, учился на примерах актеров Малого театра. Где-то в 25 лет
Станиславского избирают членом дирекции и казначеем Московского отделения Русского музыкального
общества и состоящей при нем консерватории. В Обществе искусств руководил режиссерской частью.
Поставил спектакли «Уриэль Акоста» Гуцкова, «Отелло», «Польский еврей» Эркмана-Шатриана, «Много
шума из ничего», «Двенадцатая ночь», «Потонувший колокол» и др.
Московский художественный театр, открылся в 1898 премьерой «Царя Федора Иоанновича» А.К.Толстого.
Началом Художественного театра считают встречу его основателей К.С.Станиславского и Вл.И.Немировича-
Данченко. На этой встрече, они обсуждали основы будущего дела, вопросы чистого искусства,
художественные идеалы, сценическую этику, технику, организационные планы, проекты будущего
репертуара, и т.д.
Первоначально назывался «Художественно-Общедоступного», но из-за цензурных ограничений и
финансовых затруднений, вызвавших повышение цен на билеты, из названия было убрано слово
«общедоступный», хотя ориентация на демократического зрителя оставалась одним из принципов МХТ.
Главной задачей МХТ, по мысли его создателей, был поиск сценического воплощения новой драматургии, не
находящей понимания в старом театре. Планировалось обращение к драмам Чехова, Ибсена, Гауптмана. В
первый период своего существования МХТ был преимущественно театром современной драматургии.
Первым спектаклем был «Царь Федор». Спектакль поражал зрителей своей исторической и бытовой правдой,
живостью массовых сцен, смелостью и новизной режиссерских приемов. Однако рождением нового театра
его создатели считали постановку «Чайки» Чехова. Театр нашел своего Автора, именно в чеховских
спектаклях произошло открытие театральной системы, определившей театр XX века, пришло новое
понимание сценической правды, поворачивающее внимание актера и режиссера от реализма внешнего к
внутреннему реализму, к проявлениям жизни человеческого духа. В работе над пьесами Чехова определился
новый тип актера, сложились новые принципы режиссуры, создания «настроения», общей атмосферы
действия, определились новые сценические средства передачи скрытого за словами содержания («подтекст»).
МХТ впервые в истории мирового театра утвердил значение режиссера – автора спектакля,
интерпретирующего пьесу в соответствии со спецификой своего творческого видения. МХТ утвердил новую
роль сценографии в спектакле.
Билет № 6
1. Миракль - средневековый жанр религиозно-назидательной стихотворной драмы. Его сюжеты были
основаны на чуде, совершаемым святым или Девой Марией. Пропагандируя христианство, его идеологию и
мораль, миракль провозглашал торжество добродетели и наказание порока, наступавшее благодаря
вмешательству высших сил. (Бодель А.Ж.«Игра о святом Николае», Рютбёф «Чудо о Теофиле»).
Мистерия – жанр средневекового европейского религиозного театра. Содержание мистерии составляли
сюжеты Библии и Евангелия, перемежавшихся с бытовыми интермедиями и комическими номерами. (А.
Гребан «Мистерия Страстей», «Мистерия об осаде Орлеана»).
Фарс – жанр драматургии и театральных спектаклей, имеющий основные черты: легкость и
непритязательность сюжета, буффонный юмор, однозначность характеров, внешние комические приемы.
(«Три рыцаря и Филипп», «Бутылка», «Адвокат Патлен»).
Трагикомедия – драматургическое или сценическое произведение, обладающее признаками как трагедии,
так и комедии, и выстроенное по своим специфическим законам. (Чехов А.П.)
Мелодрама – музыкально-драматическое произведение, в котором диалоги и монологи чередуются с
музыкой или сопровождаются ею; пьеса с острой интригой, резким противопоставлением добра и зла,
преувеличенной эмоциональностью. (Островский «Без вины виноватые»).
Опера – музыкальная драма, в которой сценическое действие находится в органической связи с вокальной и
инструментальной музыкой. (Глюк, Вагнер, Мусоргский, Р.Штраус)
Балет – вид театрально-музыкального искусства, в котором художественный образ создается с помощью
хореографии, танцевально-пластического языка, музыки. (П. Бошан, Глюк, Чайковский, Глазунов)
Оперетта – форма комической оперы, в которой пение перемеживается с разговором. (Ж. Оффенбах, И.
Штраус, У. Гилберт)
Мюзикл – музыкальное сценическое представление, в котором драматический сюжет перемеживается с
элементами оперы и оперетты. («Юнона и Авось», «Кошки», «Чикаго»).
2. Анализ спектакля (Ф.Г. Лорка драма «Дом Бернарды Альбы», Н.В. Гоголь комедия «Ревизор», М.
Булгаков «Зойкина квартира», А.П. Чехов комедия «Вишневый сад», Р. Куни комедия «Безумная ночь, или
Женитьба Пигдена», В. Соллогуб водевиль «Беда от нежного сердца», П. Бомарше комедия «Женитьба
Фигаро», А.Н. Толстой «Театральный романс», Н. Птушкина «Ненормальная» и др.
Билет № 7
1.
2. Воронежский драматический театр им. Кольцова – один из старейших русских театров. Начало
деятельности театра положила постановка пьесы А. Эллина «И ошибка кстати» (премьера состоялась 13
ноября 1802 г.).
В дореволюционный период в театре утверждаются принципы передового реалистического искусства,
отвечающие интересам демократических слоев русского общества. Этому способствовало появление на
сцене театра пьес Островского и Гоголя.
После Октябрьской революции в театр пришел новый, рабочий зритель требующий от искусства ответа на
волнующие его вопросы. Поэтому театр включился в борьбу за утверждение на сцене современной темы.
В начале ВОВ театр жил в сложных условиях, но всегда стремился внести свой вклад в разгром фашистских
захватчиков. Многие артисты стали членами фронтовых концертных бригад. Позже труппа была
эвакуирована на Урал и там активно продолжал свою творческую деятельность. После освобождения
Воронежа коллектив театра вернулся в родной город. Основное место в творчестве заняла героико-
патриотическая тема, ставились спектакли по произведениям: А. Фадеева, Л. Леонова, А. Корнейчука, К.
Симонова и др. В дальнейшей своей работе театр, как и прежде, основное внимание уделял разработке темы
современности.
Яркой страницей в истории театра стала постановка спектакля «Алексей Кольцов». В 1959 г. Воронежскому
драматическому театру присвоено имя Кольцова.
За многолетнюю историю театром осуществлялась постановка почти всех пьес М. Горького, неоднократно
ставились пьесы Островского, Чехова. Не раз театр обращался к постановке зарубежной классики: В.
Шекспира, Ж. Мольера, Ф. Шиллера, П. Бомарше, Лопе де Вега и др.
Современные тенденции в театре: 1. стремление к синкретизму (танец + песня + т.д.); 2. возрождение
античной трагедии на современный лад; 3. обращение к забытым литературным источникам.
Билет № 8
1. У. Шекспир (1564 - 1616) английский драматург, поэт, актер эпохи Возрождения. Все творчество
Шекспира можно разделить на 3 периода:
1. 1592 – 1600 (оптимистический) – оптимизм, господство светлых, жизнеутверждающих настроений –
комедии «Сон в летнюю ночь», «Двенадцатая ночь», «Много шума из ничего». Господствующее начало –
фортуна, удача, связанное с представлением о том, что в жизни нельзя все предугадать и учесть. К этому
периоду относятся исторические хроники («Генрих IV», «Ричард III» и др.). Основная тема хроник –
феодальные смуты и распри, оканчивающиеся в конце концов сплочением наций и торжеством абсолютной
власти. Также относится трагедии «Ромео и Джульетта», «Юлий Цезарь».
2. 1601 – 1608 (трагический) – период сомнения в себе и в миропорядке, напряженные размышления о
смысле человеческого существования. Преобладающий жанр – трагедии «Гамлет», «Отелло», «Король Лир»,
«Макбет» и др. Суть трагедий в столкновении гуманистических чувств и благородной души с пошлостью и
низостью. Герои воспринимают мир как находящийся в стадии катастрофы, распада всех ценностей и устоев.
Следование всем естественным порывам человеческой природы, уже не является гарантом счастья. Человек
освобождается от всех иллюзий, приходит к пониманию своей незначительности, неприкрепленности к
земле. За эти годы он пишет лишь две комедии: «Конец – делу венец» и «Мера за меру», причем вторая из
них фактически относится к драме.
3. 1608 – 1612 (романтический) – трагикомедии, пьесы с драматическим содержанием, но с неизбежным
трагическим концом – «Зимняя сказка», «Буря». Шекспир не изображает типичных жизненных положений,
он переносит читателя в мир воображения. На поэтическом фоне показывается столкновение человеческих
чувств, которые всегда оканчиваются благополучно.
Для творчества Шекспира всех периодов характерно гуманистическое миросозерцание: глубокий интерес к
человеку, к его чувствам, стремлениям и страстям, скорбь о страданиях и непоправимых ошибках людей,
мечта о счастье для человека и всего человечества.
2. Система Станиславского, условное название сценической теории и режиссерско-актерского метода,
разработанных знаменитым русским режиссером, актером, педагогом и театральным деятелем
К.С.Станиславским (1863–1938).
Основным результатом спектакля, поставленного «по системе», является достижение полной
психологической достоверности актерских работ. Общим местом стал термин Станиславского «искусство
переживания», противопоставляемый «искусству представления».
Основу системы составляют объективные закономерности сценического творчества, заложенные в
органической природе артиста.
Инструмент актера – его внутренние (психические) и внешние (физические) данные, называемые
Станиславским «элементами творчества». Тело актера, голос, темперамент являются его орудием труда.
Профессиональное сценическое действие возможно лишь при условии полного владения всем спектром
своих психофизических данных. К элементам творчества Станиславский относит: органы восприятия –
зрение, слух и т.д.; воображение; логичность и последовательность действий и чувств; память на ощущения;
сценическое обаяние; чувство перспективы действия и мысли; мышечная свобода; пластичность; владение
голосом; чувство фразы; ощущение характерности; умение действовать словом; восприятие партнера и
воздействие на него; и т.д. Постоянное совершенствование этих элементов составляет содержание «работы
актера над собой» предполагающую ежедневный тренинг и муштру, направленные на совершенствование
актерской техники. Владение своим «инструментом» – психофизикой – позволяет актеру полноценно и
профессионально работать на сцене вне зависимости от вдохновения, а вернее – входить в нужное творческое
состояние именно тогда, когда это необходимо. Только на основе базовых постоянных занятий актерской
техникой возможна полноценная «работа актера над ролью».
Ключевыми понятиями в работе над ролью и спектаклем стали определения «действенного анализа»,
«сквозного действия», «сверхзадачи».
Действенный анализ роли означает сближение и взаимопроникновение индивидуальностей актера и
персонажа. Сквозное действие – логическая цепочка, непрерывное действие в смысловой перспективе
спектакля. Контрсквозное действие осуществляется либо в столкновении персонажей, либо в преодолении
героем своих внутренних противоречий. Сверхзадача – общая творческая, смысловая, нравственная и
идеологическая цель, объединяющая весь постановочный коллектив и способствующая созданию
художественного ансамбля и единого звучания спектакля.
Билет № 9
1. Творчество В. Шекспира условно делят на 3 периода: 1. пишет комедии, исторические хроники, трагедии
«Ромео и Джульетта», «Юлий Цезарь»; 2. трагедии; 3. поэтические сказки.
Комедии: «Сон в летнюю ночь», «Укрощение строптивой», «Двенадцатая ночь», «Много шума из ничего»,
«Бесплодные усилия любви» и др.
В ранних комедиях («Как вам это понравится», «Два веронца», «Сон в летнюю ночь», «Много шума из
ничего», «Двенадцатая ночь», «Бесплодные усилия любви», «Укрощение строптивой», «Комедия ошибок»,
«Виндзорские насмешницы») в полной мере присутствует гармоничное отражение совершенства мироздания,
жизнерадостный, оптимистический взгляд на мир. В них нет плутовских мотивов, столь распространенных в
литературе того времени. Здесь веселятся ради веселья, шутят ради шутки. Поражает разнообразие жанровых
вариаций комедий – романтическая комедия, комедия характеров, комедия положений, фарс, «высокая»
комедия. Герои шекспировских комедий всегда незаурядны, в их образах воплощены типично ренессансные
черты: воля, острый ум, стремление к независимости, и, конечно, сокрушающее жизнелюбие. Даже на чисто
фарсовых ситуациях комедии положений Шекспир строит сложные реалистические характеры. Особенно
интересны женские образы этих комедий – равные мужчине, свободные, энергичные, активные и бесконечно
обаятельные. Рядом с героями действуют комические персонажи, шутки которых смешат зрителя.
Комедии Шекспира от всех других отличаются тем, что лишены сатирической направленности, в них
преобладает дух жизнеутверждения. Хотя, в них встречаются персонажи, заслуживающие осуждения, но их у
Шекспира гораздо меньше, чем прекрасных, добрых, благородных людей. Зло лишь ненадолго одерживает
победу в отношениях между людьми и в их душах, Добро неизменно торжествует. Шекспир в своих
комедиях не изображает современную ему Англию, действие происходит в Италии, Франции, Сицилии,
Греции, о которых публика шекспировского театра имела смутные представления. Это нужно было
Шекспиру, чтобы придать действию пьес некоторую отдаленность от повседневной жизни. Комедии
Шекспира наполняют приключения, шутки, розыгрыши. Также комедии имеют несколько линий действия
(особенно много в «Сон в летнюю ночь»).
«Двенадцатая ночь». Герцог Орсино влюблен в Оливию, но она его избегает. А Виола влюблена в Орсино,
она переодевается в мужскую одежду и идет на службу к графу. Он отправляет Виолу к графине, чтобы
добиться ее любви. Но графиня влюбляется в переодетую Виолу. У Виолы есть брат-близнец Себастьян,
который, как она думала, утонул в кораблекрушении. Себастьян не умер, он появляется в городе. В конце
концов все разрешается: Себастьян женится на Оливии, герцог на Виоле.
2. Становление придворного театра в России связано с именем царя Алексея Михайловича. Время его
правления связано со становлением новой идеологии, ориентированной на расширение дипломатических
связей с Европой. Ориентация на европейский уклад привела ко многим изменениям в жизни российского
двора. К 1660 относится попытка Алексея Михайловича организовать первый придворный театр. Однако эта
попытка осталась безуспешной; первый спектакль русского придворного театра состоялся лишь в 1672.
Назывался «Театральная хоромина».
Спектакли стали одним из самых любимых развлечений при московском дворе. Русских актеров было 26
человек. Юноши играли женские роли.
Одним из первых драматургов при Алексее Михайловиче был Симеон Полоцкий Его пьесы отличались от
школьных близостью к жизни и отсутствием аллегорических образов и представляли собой лирические
произведения. Именно его пьесами («Беседы пастушеские», «Комедия притча о блудном сыне») начинался
русский национальный литературный театр.
Появление первого придворного театра совпало с рождением Петра I (1672), который в детстве видел
последние спектакли этого театра. Вступив на престол и начав огромную работу по европеизации России,
Петр I не мог не обратиться к театру как средству пропаганды своих новаторских политических и
социальных идей.
Петр решил через искусство театра популяризировать свои реформы и нововведения. Он задумал построить в
Москве театр, но не для избранных, а открытый для всех. Был построен театр на Красной площади, в нем
играли немецкие актеры (под руководством Кунста), которые не знали русского языка, этим они
ограничивали круг своих зрителей, что никак не устраивало Петра, т.к. общенародного веселья не
получалось. В театре Кунста было восемь человек. Под их руководством была открыта русская театральная
школа. Спектакли шли дважды в неделю: немецкие чередовались русскими. После смерти Кунста, театр
немного просуществовав закрылся.
В 1720 Петр делает новую попытку создать театр в России, но теперь в Петербурге. Он приказывает «нанять
из Праги компанию комедиантов, которые умеют говорить по-славянски или по-чешски. В Петербурге
инициатива создании театра принадлежит и Наталье Алексеевне. Приехала группа Манна, но спектакли
игрались на немецком языке. Петр часто посещает их спектакли, но труппа не оправдывает его ожиданий.
Актерский состав труппы был слаб, а репертуар старомоден.
Петру не удалось создать постоянного публичного театра, и московская, и петербургская попытки не дали
серьезных результатов. С его смертью государственная забота о развитии русского профессионального театра
прерывается.
Билет № 10
1. Творчество В. Шекспира условно делят на 3 периода: 1. пишет комедии, исторические хроники, трагедии
«Ромео и Джульетта», «Юлий Цезарь»; 2. трагедии; 3. поэтические сказки.
В период с 1590 по 1600 Шекспир пишет ряд исторических хроник. В шекспироведении их принято делить
на две тетралогии, каждая из которых охватывает один из периодов английской истории. Первая из них – три
части «Генриха VI» и «Ричард III» – о времени борьбы Алой и Белой розы; вторая – «Ричард II», две части
«Генриха IV» и «Генрих V» – о предшествующем периоде борьбы между феодальными баронами и
абсолютной монархией. Жанр драматической хроники свойственен только английскому Ренессансу, т.к.
любимым театральным жанром раннего английского средневековья были мистерии на светские мотивы.
Драматургия зрелого Возрождения формировалась под их влиянием; и в драматических хрониках сохранены
многие мистериальные черты: широкий охват событий, множество персонажей, свободное чередование
эпизодов. Однако в отличие от мистерий, в хрониках представлена не библейская история, а история
государства. Здесь, в сущности, он тоже обращается к идеалам гармонии – но гармонии именно
государственной, которую видит в победе монархии над средневековой феодальной междоусобицей. В
финале пьес торжествует добро; зло, как бы ни страшен и кровав был его путь, низвергнуто. Т.о., в первый
период творчества Шекспира на разных уровнях – личностном и государственном – трактуется главная
ренессансная идея: достижение гармонии и гуманистических идеалов.
Второй период творчества Шекспира (1601–1607) посвящен преимущественно трагедии. Именно в этот
период драматург достигает вершины своего творчества – «Гамлет», «Отелло», «Король Лир», «Макбет»,
«Антоний и Клеопатра», «Кориолан». В них уже нет и следа гармонического ощущения мира, здесь
раскрываются конфликты вечные и неразрешимые. Здесь трагедия заключена не только в столкновении
личности и общества, но и во внутренних противоречиях в душе героя. Проблема выводится на общий
философский уровень, причем характеры остаются необычайно многогранными и психологически
объемными. При этом очень важно, что в великих трагедиях Шекспира полностью отсутствует
фаталистическое отношение к року, предопределяющему трагедию. Главный акцент, как и прежде, ставится
на личности героя, формирующего свою судьбу и судьбы окружающих.
2. После восхождения на престол в 1741 Елизаветы Петровны продолжилось внедрение европейского театра.
При дворе гастролировали иностранные труппы – итальянские, немецкие, французские, среди них –
драматические, оперно-балетные, комедия дель арте. В этот же период были заложены и основы
национального русского профессионального театра.
Строится «Эрмитажный театр». Группе немецких актеров было позволено давать представления и строить
театры в ряде крупных городов. России. Это были публичные театры для народа.
В середине XVIII в. организуются театры в учебных заведениях, устраиваются русские театральные
представления в Петербурге, Москве, Ярославле.
Первый русский постоянный публичный театр был открыт в 1756 в Петербурге, в Головкинском доме. Театр
возглавил Сумароков, трагедии которого составили основу репертуара.
Первые публичные спектакли в Москве относятся к 1756, когда учащиеся университетской гимназии под
руководством своего директора, поэта М.Хераскова, образовали театральную труппу в стенах университета.
На представления приглашались представители высшего московского общества. Позже на основе бывшей