Ответы к экзамену по театру

Подождите немного. Документ загружается.

Товстоганов Г.А.(русский режиссер, педагог, театральный деятель) постановка в «Современнике»:

М.Е.Салтыкова-Щедрина «Балалайкин и Ко». Другие: «Дети Ванюшина» С.Найденова, «Идиот»

Достоевского, «Три сестры» А.П.Чехова, «Генрих IV» Шекспира и др.

Любимов Ю.П. (русский режиссер и актер), постановки: «Добрый человек из Сезуана» Б.Брехта, «Мастер и

Маргарита» Булгакова, «Преступление и наказание» Достоевского и др.

Билет № 22

1. Ибсен Г.Ю. (1828–1906) - норвежский драматург и театральный деятель, один из известнейших классиков

западноевропейского театра XIX в. Его творчество – вершина драматического искусства XIX в. Главная тема

в творчестве: духовная борьба персонажей, обличение ханжества. Произведения: «Катилина», «Богатырский

курган», «Иванова ночь», «Борьба за престол», «Комедия любви», «Пер Гюнт», «Кукольный дом»,

«Привидения», «Когда мы, мертвые, пробуждаемся».

Руководил Норвежским национальным театром в Бергене, Норвежским театром в Христиании.

Стриндберг Ю.А. (1849–1912) - крупнейший шведский писатель. У себя на родине почитается мастером

шведской прозы, а за ее пределами приобрел известность как один из ведущих реформаторов современной

драмы. Его пьесы предвосхитили появление экспрессионизма и театра абсурда.

Произведения: «Мистер Улоф», «Красная комната», «Странствия Счастливчика Пера», «Фрёкен Жюли»,

«Игра снов», «Синяя книга» и др.

Метерлинк М. (1862–1949) - бельгийский драматург и философ. Писал на французском языке. Лауреат

Нобелевской премии по литературе. Представитель сиволизма (отказ от конкретного изображения

действительности, стремление выразить мистическую сущность бытия, порой вне конкретных образах и

жизненных ситуаций). Произведения: «Теплицы», «Принцесса Мален», «Синяя птица» и др.

2. Тетры Москвы: Государственный Академический Большой Театр, театр им. Е. Вахтангова, театр

"Геликон-опера", театр Ленком, театр Луны, Малый театр, МХТ им. Чехова, театр на Малой Бронной,

Центральный театр кукол имени С. В. Образцова, Московский областной Камерный театр, театр Романа

Виктюка, театр Сатирикон, театр Современник, театр им. Станиславского, театр Сфера, театр-студия п/р О.

Табакова (Табакерка), театр на Таганке, Центральный Академический Театр Российской Армии, Центр имени

Вс. Мейерхольда, театр Эрмитаж и мн. др.

Театры Санкт-Петербурга: театр драмы имени А. С. Пушкина (Александринский театр), Большой

Драматический Театр, театр-фестиваль "Балтийский дом", Драматический театр на Литейном, Мариинский

театр, Академический Малый Драматический Театр, Санкт-Петербургский театр "Рок-опера", театр на

Фонтанке и др.

Билет 1

1. Античный театр – театральное искусство Др. Греции, Др.

Рима, а также ряда стран Бл. Востока (V до н.э. – V в. н.э.).

Др.греч. театр возник из сельских празднеств в честь бога

Диониса. Театр занимал особое место в жизни людей, был

трибуной для широкого распространения новых мыслей,

освещения наиболее волновавших умы современников

проблем. Велика была его общественная и воспитательная

роль.

Театр был учреждением общественным, содержавшимся

государством. Наиболее состоятельные и почтенные граждане

платили за обучение хора и его содержание (они назывались

хорегами). Профессии драматурга и актёра считались

почётными. Актёрами могли быть только мужчины – они

исполняли и женские роли. Представление шло под открытым

небом, на круглой площадке – орхестре. Скамьи для зрителей

были вырублены в каменистых склонах холма, у подножия

которого устраивалась орхестра. Актеры выступали в масках

(обозначающих либо сценический тип персонажа, либо

душевное состояние или характер), ярких хитонах и на

высоких деревянных сандалиях на ногах (котурнах). В театре

почти не было декораций.

Театр не был делом будничным. Представления шли только

три раза в год в празднества Диониса, на которых пели

дифирамбы (хвалебные песни). Давали обязательно три

трагедии и одну сатировскую драму, т.е. комедию. В каждом

представлении участвовали три драматурга, а зрители должны

были определить лучшую постановку, лучшего актера,

лучшего хорега (организатора представления). В

заключительный день праздника победители получали

награды.

Основными жанрами являлись: трагедия ((в буквальном

переводе – “песнь козлов”) возникла из хоровой песни, из

дифирамба, распевавшегося сатирами, одетыми в козлиные

шкуры и изображавшими веселых спутников греческого бога

виноделия Диониса. Трагиками являлись: Эсхил, Софокл и

Еврипид. Строение трагедии: 1. парод – первая песня хора; 2.

стасим – песнь хора на орхестре (состоит из строф и

антистроф); 3. эписодий – диалогическая часть. Потом шло

чередование стасимов и эписодиев. Эписодий заканчивался

комосом – совместной песнью героя и хора. Вся трагедия

заканчивается эксодом (уходом) – песнью вообще всех.),

комедия (Аристофан).

Почвой др.греч. искусства считают мифологию. В ходе

развития греческой трагедии круг ее сюжетов, помимо мифов о

Дионисе, вошли рассказы о судьбах героев древности - Эдипа,

Агамемнона, Геракла и Тесея и других. Гр. трагедия целиком

основывается на мифологии. Но сквозь мифологическую

оболочку драматург отражал в трагедии современную ему

общественную жизнь, высказывал свои политические,

Билет 2

1. Эсхил (525-456 гг. до н.э.) - греческий трагический поэт. Он

автор героико-патриотических, поднимающих большие

исторические и религиозно-философские темы произведений,

он ввёл 2-го актёра, открыв этим возможность более глубокой

разработки трагического конфликта и усиления действенной

стороны театр, представления. Введение 2-го актёра повлекло

за собой и развитие диалога, который в старой трагедии имел

лишь зачаточный характер. Хор у Эсхила, состоявший из 12

человек, был настоящим действующим лицом. В его ранних

трагедиях хоровые партии составляют более половины пьесы;

в более поздних хор играет уже значительно меньшую роль.

Постановки Эсхила отличались большой пышностью и

включали в себя некоторые зрительные эффекты

(торжественный въезды на колесницах, процессии и прочее).

При Эсхиле определилась классическая форма строения

трагедии и порядок трагического представления. Главная тема

трагедий Эсхила – проблема моральной ответственности за

причиненное зло, проблема рока как силы, стоящей над

обществом, и возмездия. Его произведения: «Персы»,

«Агамемнон», «Прометей Прикованный», трилогия «Орестея»

(три продолжающие друг друга трагедии: «Агамемнон»,

«Хоэфоры», «Евмениды»).

«Орестея» 1. «Агамемнон». Агамемнон возвращается с победой

над Троей домой, вместе с пленницей Кассандрой

(предсказательница). Клитемнестра (его жена) «счастливая»

его встречает. Кассандра предсказывает гибель Агамемнона и

свою от руки царицы. Клитемнестра убивает их (за то, что

Агамемнон принес в жертву богам свою дочь Ифигению).

Клитемнестра и ее любовник Эгист начинают править. Хор

грозит им отмщением Ореста (сын Агамемнона).

2. «Хоэфоры» 8 лет спустя появляется Орест. Орест

переодевается странником, заходит во дворец и убивает

Клитемнестру и Эгиста.

3. «Евмениды» за то, что Орест убил мать его преследуют

Эриннии, пока он не добирается до храма Афины. Там

происходит над ним суд. Орест побеждает. А Эриннии

становятся добрыми богинями Евменидами.

2. Мочалов П.С. (1800-1848) - российский актер. Крупнейший

представитель романтизма в русском театре. Работал в Малом

театре в Москве. Играл все роли трагического и

романтического плана: Гамлет (У. Шекспира «Гамлет»), Карл

Моор, Фердинанд (Ф. Шиллера «Разбойники», «Коварство и

любовь») и др.

Каратыгин В. А. (1802–1853) - крупнейший представитель

позднего театрального классицизма и романтизма, мастер

высокой сценической культуры, первый герой

Александринского театра, выразитель парадного, ампирного

стиля николаевской эпохи.

Дебютировал в петербургском Большом театре. Играл в пьесах

В.А.Озерова («Фингал»; «Дмитрий Донской»), П.Корнеля

Билет 3

1. Софокл (496 - 406 гг. до н.э.) - знаменитый древнегреческий

драматург, автор многочисленных трагедий. До нас дошло

только семь драм (из 123): «Аякс», «Трахинянки», «Антигона»,

«Эдип царь», «Электра», «Филоктет», «Эдип в Колоне».

Творчество Софокла – качественный скачок по сравнению с

драматургией Эсхила. Для Эсхила отдельный индивидуальный

человек ничего не значит, только род. Человек у Эсхила лишь

представитель рода.

Софокл – внимание к судьбе отдельного человека. Софокл:

столкновение героев подразумевает столкновение

определенных общественных сил. Столкновение доходит до

такого накала, что приводит к гибели одной из сторон. Герои

Софокла – «люди, какими они должны быть» (Аристотель),

благородные, приподнятые. Не отрицая непреложной воли

богов, Софокл прежде всего интересуется человеком, его волей,

стремлениями, поступками, готовностью и способностью

отвечать на них, согласовывать с общественными и

божественными установками и т.д.

Творчество Софокла содержит нововведения, способствующие

дальнейшему развитию искусства трагедии. Прежде всего

важной заслугой Софокла явилось введение третьего актера,

которое значительно обогатило собственно драматическую

часть трагедии. Софоклом был также расширен состав хора до

15 человек (до него состоящий из 12 человек). Однако, создав

выразительные хоровые партии, Софокл при этом не увеличил

их объем и роль. Важным обстоятельством является

постепенный отказ от принципа трилогии или тетралогии в

создании отдельных драм. За этим обстоятельством важные

убеждения драматурга. Творчество Софокла отмечено прежде

всего значительным обогащением внутреннего мира героев,

искусства их изображения.

«Антигона». Антигона – дочь Эдипа. У нее 2 брата Этеокл и

Полиник, которые убили друг друга в междуусобном поединке.

Правитель Фив Креонт одного из них, Этеокла, приказывает

похоронить с почестями, а второго, Полиника, как изменника -

бросить на съедение псам и хищным птицам. Однако решение

его вызывает глубокое страдание у сестер Полиника, прежде

всего у Антигоны. Антигона скрытно хоронит Полиника, за это

ее сажают в темницу. Антигона не выдерживает этого и

вешается в темнице. Гемон (сын Креонта), не вынеся смерти

Антигоны, закалывает себя над ее телом; жена Креонта (мать

Гемона) при известии о кончине единственного сына также

кончает с собой. Креонт раздавлен этими потерями, а также

известием об осквернении священных алтарей прахом

Полиника. Он признает полное свое поражение.

2. А.С.Пушкин внес огромный вклад в русскую литературу,

особенно в поэзию, возможно, ему просто не хватило времени,

чтобы вплотную заняться драматургией.

Билет 4

1. Софокл (496 - 406 гг. до н.э.) - знаменитый древнегреческий

драматург («Антигона», Эдип царь», «Электра» и др.).

Изображал человека каким он должен быть. Заслуги: ввел 3-го

актера, хор увеличен до 15 человек.

Еврепид (485-400) – младший из трех знаменитых греческих

трагиков («Медея», «Ипполит», «Ифигения»). Он писал

трагедии, но необычные, поэтому они называются либо

«психологические трагедии» или «патетические драмы», а

также писал социально-бытовые или семейные драмы

(«Алкеста», «Елена», «Ион»). Еврипид разрушает жанр

классической трагедии. У Еврипида в трагедиях появляется

развивающийся характер. Еврипид не только меняет внешний

вид трагедии, но и привносит новую тематику. Впервые им

поднимается любовная тематика.

При постановке своих трагедий Еврипид, как и Софокл,

пользовался тремя актерами. Но хор уже не так тесно связан с

развитием действия, увеличена роль театрального элемента:

одевания, события, узнавания мелодраматических событий.

Внес в театр сферу личных взаимоотношений. Показывает

человека как он есть, в развитии его взглядов.

Несмотря на все различия, в творчестве Эсхила, Софокла,

Еврипида, много общего. Прежде всего, это стремление

выразить наиболее существенные социальные, философские и

этические проблемы и подлинно демократические гуманные

позиции. Именно это делало театр - школой для афинян,

воспитателем гражданских идеалов. Еврипид завершил

развитие греческой классической трагедии, наметились два

пути: это трагедия и драма, приближенная к бытовой.

«Медея». Медее изменил ее муж Ясон, чтобы поправить свое

положение. Она узнав об этом думает как отомстить ему. Царь

Креонт приказывает ей покинуть город вместе с детьми. Но

Медея упрашивает его остаться еще на один день, и начинает

обдумывать как отомстить мужу. Медея отправляет к новой

невесте детей с отравленными подарками. Невеста умирает, а

Медея захватив детей спрыгивает с башни и разбивается.

2. Островский А.Н. (1823–1886) - русский драматург.

Островский закончил гимназию, а затем, недоучившись на

юридическом факультете Московского университета служил,

занимая различные, но каждый раз невысокие посты в

судебных учреждениях. Молодого человека угнетало его

домашнее окружение и его работа, однако именно здесь он

приобрел богатый жизненный опыт и получил бесценный

материал для своих первых пьес. Писать начал рано. Первая из

его опубликованных пьес «Свои люди – сочтемся!».

Его пьесы: «Доходное место», «Гроза», «Воевода», «Василий

Шуйский», «Бесприданница», «Таланты и поклонники» и др.

Творчество А.Н.Островского произвело революцию в русском

театре. В своих драмах и пьесах показал мир русской жизни:

все сословия и отношения между ними

Билет 5

1. Драма – сюжетное произведение в разговорной форме

(диалоги) для представления на сцене. В основе – конфликт

(личного, бытового или социального плана). Различают:

социальную драму (конфликт между личным и общественным

или между представителями различных сословий),

психологическую драму (конфликт характеров и интересов).

Главные представители: Эсхил, Софокл, Еврипид, Калидаса, У.

Шекспир, Кальдерон, П. Корнель, А. С. Грибоедов, Н. В.

Гоголь, А. Н. Островский и др.

Трагедия - (буквально – песнь козлов), один из основных

жанров театрального искусства. Трагедия – драматургическое

или сценическое произведение, в котором изображается

непримиримый конфликт личности с противостоящими ей

силами, неизбежно ведущий к гибели героя. Цель трагедии:

катарсис (достижение нравственного очищения, через

сопереживание положительному герою). Основоположники:

Эсхил («Орестея»), Софокл («Эдип, царь», «Антигона»),

Еврепид («Медея»), У. Шекспир («Отелло», «Король Лир») и

др..

Комедия – драматическое произведение имеющее игровой,

мнимый конфликт, комедийный пафос, осмеивает пороки

общественной жизни, быта, нравов людей. Различают: комедия

дель арте (действующие лица – маски, присутствует сюжет,

импровизация, буффонада. Мольер, Гольдони, Гоцци), комедии

«плаща и шпаги» (комедия положений, изображается жизнь и

похождения испанских дворян. Лопе де Вега, Кальдерон),

комедия характеров (конфликт между героями разных

социальных положений. Мольер «Мещанин во дворянстве»),

комедия нравов (конфликт в конкретной бытовой обстановке.

Островский «Свои люди - сочтемся»), комедия-сказка (К.Гоцци

«Любовь к 3 апельсинам», «Турандот»). Представители:

Аристофан («Лисистрата», «Лягушки»), Лукиан («Похвала

мухе»), Лопе де Вега («Собака на сене»), Шекспир («Сон в

летнюю ночь») и др.

Водевиль – вид «комедии положений» (комический эффект

возникает преимущественно из неожиданных поворотов

сюжета) с песнями-куплетами, романсами и танцами.

Представители русского водевиля: А. А. Шаховской, Д. Т.

Ленский, П. А. Каратыгин, Н. А. Некрасов и др.). Классики

жанра Э. Скриб, Э. М. Лабиш.

2. Станиславский К.С. (1863–1938) - русский актер и режиссер,

теоретик сценического искусства. Родился в Москве.

Принадлежал по рождению и воспитанию к высшему кругу

русских промышленников. После окончания Лазаревского

института начал службу в семейной фирме. В семье

увлекались театром, в московском доме был специально

перестроенный для театральных представлений зал, в имении

– театральный флигель. Сценические опыты начал в

Билет 6

1. Миракль - средневековый жанр религиозно-назидательной

стихотворной драмы. Его сюжеты были основаны на чуде,

совершаемым святым или Девой Марией. Пропагандируя

христианство, его идеологию и мораль, миракль провозглашал

торжество добродетели и наказание порока, наступавшее

благодаря вмешательству высших сил. (Бодель А.Ж.«Игра о

святом Николае», Рютбёф «Чудо о Теофиле»).

Мистерия – жанр средневекового европейского религиозного

театра. Содержание мистерии составляли сюжеты Библии и

Евангелия, перемежавшихся с бытовыми интермедиями и

комическими номерами. (А. Гребан «Мистерия Страстей»,

«Мистерия об осаде Орлеана»).

Фарс – жанр драматургии и театральных спектаклей,

имеющий основные черты: легкость и непритязательность

сюжета, буффонный юмор, однозначность характеров, внешние

комические приемы. («Три рыцаря и Филипп», «Бутылка»,

«Адвокат Патлен»).

Трагикомедия – драматургическое или сценическое

произведение, обладающее признаками как трагедии, так и

комедии, и выстроенное по своим специфическим законам.

(Чехов А.П.)

Мелодрама – музыкально-драматическое произведение, в

котором диалоги и монологи чередуются с музыкой или

сопровождаются ею; пьеса с острой интригой, резким

противопоставлением добра и зла, преувеличенной

эмоциональностью. (Островский «Без вины виноватые»).

Опера – музыкальная драма, в которой сценическое действие

находится в органической связи с вокальной и

инструментальной музыкой. (Глюк, Вагнер, Мусоргский,

Р.Штраус)

Балет – вид театрально-музыкального искусства, в котором

художественный образ создается с помощью хореографии,

танцевально-пластического языка, музыки. (П. Бошан, Глюк,

Чайковский, Глазунов)

Оперетта – форма комической оперы, в которой пение

перемеживается с разговором. (Ж. Оффенбах, И. Штраус, У.

Гилберт)

Мюзикл – музыкальное сценическое представление, в котором

драматический сюжет перемеживается с элементами оперы и

оперетты. («Юнона и Авось», «Кошки», «Чикаго»).

2. Анализ спектакля (Ф.Г. Лорка драма «Дом Бернарды

Альбы», Н.В. Гоголь комедия «Ревизор», М. Булгаков

«Зойкина квартира», А.П. Чехов комедия «Вишневый сад», Р.

Куни комедия «Безумная ночь, или Женитьба Пигдена», В.

Соллогуб водевиль «Беда от нежного сердца», П. Бомарше

комедия «Женитьба Фигаро», А.Н. Толстой «Театральный

романс», Н. Птушкина «Ненормальная» и др.

Билет 7

2. Воронежский драматический театр им. Кольцова – один из

старейших русских театров. Начало деятельности театра

положила постановка пьесы А. Эллина «И ошибка кстати»

(премьера состоялась 13 ноября 1802 г.).

В дореволюционный период в театре утверждаются принципы

передового реалистического искусства, отвечающие интересам

демократических слоев русского общества. Этому

способствовало появление на сцене театра пьес Островского и

Гоголя.

После Октябрьской революции в театр пришел новый,

рабочий зритель требующий от искусства ответа на волнующие

его вопросы. Поэтому театр включился в борьбу за

утверждение на сцене современной темы.

В начале ВОВ театр жил в сложных условиях, но всегда

стремился внести свой вклад в разгром фашистских

захватчиков. Многие артисты стали членами фронтовых

концертных бригад. Позже труппа была эвакуирована на Урал

и там активно продолжал свою творческую деятельность.

После освобождения Воронежа коллектив театра вернулся в

родной город. Основное место в творчестве заняла героико-

патриотическая тема, ставились спектакли по произведениям:

А. Фадеева, Л. Леонова, А. Корнейчука, К. Симонова и др. В

дальнейшей своей работе театр, как и прежде, основное

внимание уделял разработке темы современности.

Яркой страницей в истории театра стала постановка спектакля

«Алексей Кольцов». В 1959 г. Воронежскому драматическому

театру присвоено имя Кольцова.

За многолетнюю историю театром осуществлялась постановка

почти всех пьес М. Горького, неоднократно ставились пьесы

Островского, Чехова. Не раз театр обращался к постановке

зарубежной классики: В. Шекспира, Ж. Мольера, Ф. Шиллера,

П. Бомарше, Лопе де Вега и др.

Современные тенденции в театре: 1. стремление к синкретизму

(танец + песня + т.д.); 2. возрождение античной трагедии на

современный лад; 3. обращение к забытым литературным

источникам.

Билет 8

1. У. Шекспир (1564 - 1616) английский драматург, поэт, актер

эпохи Возрождения. Все творчество Шекспира можно

разделить на 3 периода:

1. 1592 – 1600 (оптимистический) – оптимизм, господство

светлых, жизнеутверждающих настроений – комедии «Сон в

летнюю ночь», «Двенадцатая ночь», «Много шума из ничего».

Господствующее начало – фортуна, удача, связанное с

представлением о том, что в жизни нельзя все предугадать и

учесть. К этому периоду относятся исторические хроники

(«Генрих IV», «Ричард III» и др.). Основная тема хроник –

феодальные смуты и распри, оканчивающиеся в конце концов

сплочением наций и торжеством абсолютной власти. Также

относится трагедии «Ромео и Джульетта», «Юлий Цезарь».

2. 1601 – 1608 (трагический) – период сомнения в себе и в

миропорядке, напряженные размышления о смысле

человеческого существования. Преобладающий жанр –

трагедии «Гамлет», «Отелло», «Король Лир», «Макбет» и др.

Суть трагедий в столкновении гуманистических чувств и

благородной души с пошлостью и низостью. Герои

воспринимают мир как находящийся в стадии катастрофы,

распада всех ценностей и устоев. Следование всем

естественным порывам человеческой природы, уже не

является гарантом счастья. Человек освобождается от всех

иллюзий, приходит к пониманию своей незначительности,

неприкрепленности к земле. За эти годы он пишет лишь две

комедии: «Конец – делу венец» и «Мера за меру», причем

вторая из них фактически относится к драме.

3. 1608 – 1612 (романтический) – трагикомедии, пьесы с

драматическим содержанием, но с неизбежным трагическим

концом – «Зимняя сказка», «Буря». Шекспир не изображает

типичных жизненных положений, он переносит читателя в мир

воображения. На поэтическом фоне показывается

столкновение человеческих чувств, которые всегда

оканчиваются благополучно.

Для творчества Шекспира всех периодов характерно

гуманистическое миросозерцание: глубокий интерес к

человеку, к его чувствам, стремлениям и страстям, скорбь о

страданиях и непоправимых ошибках людей, мечта о счастье

для человека и всего человечества.

2. Система Станиславского, условное название сценической

теории и режиссерско-актерского метода, разработанных

знаменитым русским режиссером, актером, педагогом и

театральным деятелем К.С.Станиславским (1863–1938).

Основным результатом спектакля, поставленного «по

системе», является достижение полной психологической

достоверности актерских работ. Общим местом стал термин

Станиславского «искусство переживания»,

противопоставляемый «искусству представления».

Билет 9

1. Творчество В. Шекспира условно делят на 3 периода: 1.

пишет комедии, исторические хроники, трагедии «Ромео и

Джульетта», «Юлий Цезарь»; 2. трагедии; 3. поэтические

сказки.

Комедии: «Сон в летнюю ночь», «Укрощение строптивой»,

«Двенадцатая ночь», «Много шума из ничего», «Бесплодные

усилия любви» и др.

В ранних комедиях («Как вам это понравится», «Два веронца»,

«Сон в летнюю ночь», «Много шума из ничего», «Двенадцатая

ночь», «Бесплодные усилия любви», «Укрощение строптивой»,

«Комедия ошибок», «Виндзорские насмешницы») в полной

мере присутствует гармоничное отражение совершенства

мироздания, жизнерадостный, оптимистический взгляд на мир.

В них нет плутовских мотивов, столь распространенных в

литературе того времени. Здесь веселятся ради веселья, шутят

ради шутки. Поражает разнообразие жанровых вариаций

комедий – романтическая комедия, комедия характеров,

комедия положений, фарс, «высокая» комедия. Герои

шекспировских комедий всегда незаурядны, в их образах

воплощены типично ренессансные черты: воля, острый ум,

стремление к независимости, и, конечно, сокрушающее

жизнелюбие. Даже на чисто фарсовых ситуациях комедии

положений Шекспир строит сложные реалистические

характеры. Особенно интересны женские образы этих комедий

– равные мужчине, свободные, энергичные, активные и

бесконечно обаятельные. Рядом с героями действуют

комические персонажи, шутки которых смешат зрителя.

Комедии Шекспира от всех других отличаются тем, что

лишены сатирической направленности, в них преобладает дух

жизнеутверждения. Хотя, в них встречаются персонажи,

заслуживающие осуждения, но их у Шекспира гораздо меньше,

чем прекрасных, добрых, благородных людей. Зло лишь

ненадолго одерживает победу в отношениях между людьми и в

их душах, Добро неизменно торжествует. Шекспир в своих

комедиях не изображает современную ему Англию, действие

происходит в Италии, Франции, Сицилии, Греции, о которых

публика шекспировского театра имела смутные

представления. Это нужно было Шекспиру, чтобы придать

действию пьес некоторую отдаленность от повседневной жизни.

Комедии Шекспира наполняют приключения, шутки,

розыгрыши. Также комедии имеют несколько линий действия

(особенно много в «Сон в летнюю ночь»).

«Двенадцатая ночь». Герцог Орсино влюблен в Оливию, но она

его избегает. А Виола влюблена в Орсино, она переодевается в

мужскую одежду и идет на службу к графу. Он отправляет

Виолу к графине, чтобы добиться ее любви. Но графиня

влюбляется в переодетую Виолу. У Виолы есть брат-близнец

Себастьян, который, как она думала, утонул в

кораблекрушении. Себастьян не умер, он появляется в городе.

В конце концов все разрешается: Себастьян женится на

Билет 10

1. Творчество В. Шекспира условно делят на 3 периода: 1.

пишет комедии, исторические хроники, трагедии «Ромео и

Джульетта», «Юлий Цезарь»; 2. трагедии; 3. поэтические

сказки.

В период с 1590 по 1600 Шекспир пишет ряд исторических

хроник. В шекспироведении их принято делить на две

тетралогии, каждая из которых охватывает один из периодов

английской истории. Первая из них – три части « Генриха VI» и

«Ричард III» – о времени борьбы Алой и Белой розы; вторая –

«Ричард II», две части «Генриха IV» и «Генрих V» – о

предшествующем периоде борьбы между феодальными

баронами и абсолютной монархией. Жанр драматической

хроники свойственен только английскому Ренессансу, т.к.

любимым театральным жанром раннего английского

средневековья были мистерии на светские мотивы.

Драматургия зрелого Возрождения формировалась под их

влиянием; и в драматических хрониках сохранены многие

мистериальные черты: широкий охват событий, множество

персонажей, свободное чередование эпизодов. Однако в

отличие от мистерий, в хрониках представлена не библейская

история, а история государства. Здесь, в сущности, он тоже

обращается к идеалам гармонии – но гармонии именно

государственной, которую видит в победе монархии над

средневековой феодальной междоусобицей. В финале пьес

торжествует добро; зло, как бы ни страшен и кровав был его

путь, низвергнуто. Т.о., в первый период творчества Шекспира

на разных уровнях – личностном и государственном –

трактуется главная ренессансная идея: достижение гармонии и

гуманистических идеалов.

Второй период творчества Шекспира (1601–1607) посвящен

преимущественно трагедии. Именно в этот период драматург

достигает вершины своего творчества – «Гамлет», «Отелло»,

«Король Лир», «Макбет», «Антоний и Клеопатра», «Кориолан».

В них уже нет и следа гармонического ощущения мира, здесь

раскрываются конфликты вечные и неразрешимые. Здесь

трагедия заключена не только в столкновении личности и

общества, но и во внутренних противоречиях в душе героя.

Проблема выводится на общий философский уровень, причем

характеры остаются необычайно многогранными и

психологически объемными. При этом очень важно, что в

великих трагедиях Шекспира полностью отсутствует

фаталистическое отношение к року, предопределяющему

трагедию. Главный акцент, как и прежде, ставится на

личности героя, формирующего свою судьбу и судьбы

окружающих.

2. После восхождения на престол в 1741 Елизаветы Петровны

продолжилось внедрение европейского театра. При дворе

гастролировали иностранные труппы – итальянские,

Билет 11

1. «Школьные» театры возникли в «коллегиумах» (и других

учебных заведениях) Западной Европы полтора века назад

«для лучшего усвоения учащимися латинского языка» (на нем

обычно и разыгрывались представления), для запоминания

библейских сюжетов (составлявших основы всех «школьных»

пьес), внося в обучение элемент игры и делая его более

доступным и интересным. Главная же цель, ради которой

преподаватели устраивали «школьные» спектакли, была

назидательная: «внушение добродетели и нравственности», а

также, «чтобы прервать умственную лень и пробудить дух»

учеников.

Однако, несмотря на подобный сугубо педагогический,

дидактический уклон, «школьные» драмы собирали множество

зрителей, давно вышедших из ученического возраста.

«Школьный театр» появился в Москве в нач. XVIII в., после

того как Петр I пригласил в Духовную Академию (в Спасском

«училищном монастыре») преподавателей латинского языка.

Теперь академия получила название Славено-Латинская и

среди прочих наук и упражнений важнейшее место отводила

«риторике» и поэтике, так как будущее поприще учеников,

тогда еще не обязательно духовное, непременно требовало

умения воздействовать на людей и словом своим и манерой

поведения. Поэтому в академии расцвел свой театр

(«школьный»), и дважды в год академический регламент

предусматривал проведение спектаклей. Первый спектакль

назывался: «Ужасная измена сластолюбивого жития с

прискорбным и нищетным».

Более трех десятилетий устраивались «школьные»

представления в стенах Славяно-Греко-Латинской (так она

стала называться) Академии. Через некоторое время в Москве

был открыт «Гошпиталь», который переманивал к себе многих

учеников академии; и в нем также был заведен «школьный»

театр. Здесь были поставлены торжественные пьесы- «Слава

российская...», и «Слава печальная Российскому народу,

смерти Петра Великого весть внесшая».

Вслед за Москвой появились «школьные» театры в духовных

семинариях Твери, Астрахани, Новгорода, Казани, Смоленска,

Петербурга, Тобольска, Иркутска и других городов.

Особенностью развития «школьного» театра в России была его

тесная связь с любительским придворным и городским, а

позднее и полупрофессиональным театром. В этих театрах на

протяжении первой трети XVIII века получали театральные

навыки и начинающие актеры-любители и неопытные

зрители.

2. Чехов А.П. (1860–1904) – русский писатель, драматург.

Родился в Таганроге в семье купца. Пьесы: «Чайка»,

Билет 12

1. Комедия дель арте (комедия масок) – импровизационный

уличный театр итальянского Возрождения, возникший к

середине XVI в. и, по сути, сформировавший первый в истории

профессиональный театр.

Комедия дель арте вышла из уличных праздников и

карнавалов. Ее персонажи – некие социальные образы, в

которых культивируются не индивидуальные, а типические

черты. Пьес как таковых в комедии дель арте не было,

разрабатывалась только сюжетная схема, сценарий, который

по ходу спектакля наполнялся живыми репликами,

менявшимися в зависимости от состава зрителей. Именно этот

импровизационный метод работы и привел комедиантов к

профессионализму – и в первую очередь, к выработке

ансамбля, повышенному вниманию к партнеру. Эти спектакли

были излюбленным развлечением массового,

демократического зрителя. Комедия дель арте вобрала в себя

опыт фарсового театра, однако здесь пародировались и

расхожие персонажи «ученой комедии». Определенная маска

закреплялась за конкретным актером раз и навсегда, однако

роль – несмотря на жесткие типажные рамки – бесконечно

варьировалась и развивалась в процессе каждого

представления.

Число масок, появлявшихся в комедии дель арте чрезвычайно

велико – более сотни. Однако большинство из них было скорее

вариантами нескольких основных масок.

У комедии дель арте было два основных центра – Венеция и

Неаполь. В соответствии с этим сложились и две группы масок.

Северную (венецианскую) составляли Доктор, Панталоне,

Бригелла и Арлекин; южную (неаполитанскую) – Ковьелло,

Пульчинелла, Скарамучча и Тарталья. Стиль исполнения

венецианской и неаполитанской комедии дель арте тоже

несколько различались: венецианские маски работали в

преимущественно в жанре сатиры; неаполитанские

использовали больше трюков, грубых буффонных шуток. По

функциональным группам маски можно разделить на

следующие категории: старики (сатирические образы

Панталоне, Доктор, Тарталья, Капитан); слуги (комедийные

персонажи-дзанни: Бригелла, Арлекин, Ковьелло,

Пульчинелла и служанка-фантеска – Смеральдина, Франческа,

Коломбина); влюбленные (образы, наиболее близкие героям

литературной драмы, которых играли только молодые

актеры). В отличие от стариков и слуг влюбленные не носили

масок, были роскошно одеты, владели изысканной пластикой и

тосканским диалектом, на котором писал свои сонеты

Петрарка. Именно актеры, исполнявшие роли влюбленных,

первыми отказались от импровизации и начали записывать

тексты своих персонажей.

Авторами сценариев чаще всего бывали главные актеры

Билет 13

1. История испанского театра XVI – XVII вв. может быть

разбита на 3 периода: 1. происходит возрождение светского

театра; 2. становление и расцвет национального театра – от

Лопе де Руэда до Лопе де Вега; 3. театр этого периода связан с

отходом от гуманистических ренессансных традиций. Ведущее

место занимает драматургия Кальдерона, его учеников и

подражателей.

В Испании существовало 2 вида театра: средневековый

религиозный театр - ауто (основной жанр - спектакли,

разыгрываемые на празднике Тела Христова) и светский

театр; их литературную обработку начал Лопе де Вега.

Испанский театр выступал в защиту человека и его

достоинства, ополчался против тирании, сословных

предрассудков, против неравенства мужчин и женщин, внушал

человеку веру и возможность счастья, укреплял дух бодрости и

жизнерадостности. Театр говорил на языке близким и

понятным народу.

Последним значительным драматургом испанского

ренессансного театра был Педро Кальдерон. В драматургии

Кальдерона полностью трансформируется гармоничное

мироощущение Ренессанса, здесь господствуют трагические

мотивы неразрешимых противоречий, ясно ощутимые не

только в поздних религиозно-символических и

мифологических драмах, но и в ранних комедиях («Дама-

невидимка», «Стойкий принц», «С любовью не шутят»,

«Любовь после смерти», «Жизнь – это сон» и др.). Двигатель

сюжетов пьес Кальдерона – не свободная воля героев, но

стечение обстоятельств, случай, рок, судьба.

Пик театра испанского Возрождения приходится на творчество

Лопе де Вега, создавшего огромное количество пьес,

разнообразных как по жанрам, так и по тематике. В его

творчестве присутствуют две основных линии: т.н.

«крестьянская», народная драма (высшим достижением

которой стала пьеса «Фуэнте Овехуна») и «комедия плаща и

шпаги» («Учитель танцев», «Собака на сене», «Валенсианская

вдова», «Девушка с кувшином», «Глупая для других и умная

для себя» и др.).

Историческая драма «Фуэнте Овехуна» («Овечий источник») –

венец драматургического творчества Лопе де Вега. В ней

изображены отношения между господствующей феодальной

верхушкой и бесправным крестьянством. Мировое значение

произведения заключается в том, что в нем воплощены лучшие

черты испанского народа и показана сила организованности и

сплоченности народной массы, борющейся против своих

вековых угнетателей.

2. После революции 1917, поменявшей весь жизненный уклад

России, начался новый этап и в театральной жизни страны.

Билет 14

1. Классицизм (вт. пол. XVII – XIX вв.) - одно из важнейших

направлений искусства прошлого, художественный стиль,

воплотившийв сфере художественного творчества, на языке

худодественных образов основные социальные и идейные

принципы. В театральном искусстве это направление

утвердило себя в творчестве, прежде всего, французских

авторов: Корнеля, Расина, Вольтера, Мольера.

История классицизма начинается в Западной Европе с конца

XVI столетия. В XVII в. достигает высшего своего развития,

связанного с расцветом абсолютной монархии Людовика XIV

во Франции и наивысшего подъема театрального искусства в

стране. Классицизм продолжает плодотворно существовать и в

XVIII – начале XIX вв., пока на смену ему не пришел

сентиментализм и романтизм.

Классицизм предполагал устойчивую ориентацию нового

искусства на античный лад, что вовсе не означало простого

копирования античных образцов. Классицизм осуществляет

преемственность и с эстетическими концепциями эпохи

Возрождения, которые ориентировались на античность.

Французские классики предложили правила построения в

своих произведениях, опирающиеся на основы

рационалистического мышления XVII в. Основные жанры:

высокие (трагедия, ода, эпос) и низкие (комедия, басня, сатира).

Законы классицизма характернее всего выразились в правилах

построения трагедии. От автора пьесы прежде всего

требовалось, чтобы сюжет трагедии, а также страсти героев

были правдоподобными. В трагедиях классицизма разум, воля

были решающими и подавляли стихийные, плохо управляемые

чувства.

И высокие жанры, и низкие обязаны были наставлять публику,

возвышать ее нравы, просветлять чувства. В трагедии театр

учил зрителя стойкости в жизненной борьбе, пример

положительного героя служил образцом нравственного

поведения.

Важнейшие нормативы классицизма – единство действия,

места и времени – вытекают из тех содержательных

предпосылок, о которых шла речь выше. Чтобы точнее донести

до зрителя мысль и вдохновить на самоотверженные чувства,

автор не должен был ничего усложнять. Основная интрига

должна быть достаточно простой, чтобы не путать зрителя и не

лишать картину цельности.

Вершиной классицизма в трагедии стали произведения

французских поэтов П.Корнеля («Сид», «Гораций»,

«Никомед»), которого называли отцом французской

классической трагедии; Ж.Расина («Андромаха», «Ифигения»,

«Федра», «Гофолия») и Ж.Б. Мольера («Смешные

жеманницы», «Мещанин во дворянстве», «Дон Жуан»,

«Тартюф»).

Билет 15

1. Корнель Пьер (1606–1684) - французский драматург, Член

Французской академии, оосновоположник классицистской

трагедии во Франции. Произведения: «Мелита», «Вдова»,

«Галерея суда», «Сид», «Ираклий», «Дон Санчо Арагонский» и

др.

Первый драматургический опыт – комедия в стихах «Мелита».

Пьеса Корнеля – «Сид» – оказалась переломной не только для

самого драматурга, но и для истории всего мирового театра.

Поставленная на сцене театра «Маре», она ознаменовала

наступление новой театральной эпохи. Здесь впервые в полную

силу прозвучал конфликт между чувством и долгом, ставший в

тематике классицистской трагедии обязательным. «Сид»

пользовался оглушительным успехом публики, и стал

настоящим триумфом для драматурга и актеров.

Корнель был первым великим французским драматургом,

основоположником классицистской трагедии, создателем

французского трагического театра.

Расин Жан (1639–1699) - французский драматург, творчество

которого представляет собой вершину французского

классицистического театра. Является соперником Корнеля.

Единственная комедия Расина «Сутяги», трагедии

«Британник», «Андромаха», «Тит и Береника», «Баязет»,

«Ифигения», «Федра» и др. Темой почти всех великих трагедий

Расина является слепая страсть, которая сметает любые

нравственные барьеры и ведет к неизбежной катастрофе. У

Корнеля персонажи выходят из конфликта обновленными и

очищенными, тогда как у Расина они терпят полное крушение.

Основным принципом творчества Расина было тяготение к

простоте и правдоподобию. Чрезвычайно большое значение в

драматургии имеет язык. Его герои и героини говорят языком

современного образованного общества, без всяких прикрас.

Расин умело вводил в свои трагедии самые обыкновенные

фразы разговорного языка, которые получали у него высокое

поэтическое звучание.

Французские театры: «Маре», «Бургунский отель», «Итальен

комедии», «Комедии францез», «Пале-Карденаль».

2. Дмитревский И.А. (1736-1821) - российский актер, режиссер,

педагог, действительный член Российской академии. Работал в

Ярославской труппе Ф. Г. Волкова, с 1756 в труппе первого

русского постоянного публичного театра (Санкт-Петербург).

Один из крупнейших представителей русского классицизма.

Волков Ф.Г. (1729–1763) - русский актер, режиссер,

театральный деятель, создатель первого русского театра.

Билет 16

1. Мольер Ж.-Б. (1622–1673) - французский поэт и актер;

основоположник классицистской комедии и наследник

традиции народного фарса. В его творчестве отразились

устремления и надежды французского народа.

Первые сочинения – комедии «Сумасброд» и «Любовная

размолвка». Пишет произведения: «Смехотворные

жеманницы», «Ревнивый принц», «Школа мужей», «Школа

жен», «Психея», «Мещанин во дворянстве» и мн.др.

Мольер создал новый жанр – комедия-балет (первая комедия-

балет «Докучные»), где он соединил поэтическое слово, музыку

и танец. Он дал комическую трактовку балетным аллегориям,

драматизировал танцевальные номера и органически включил

их в действие пьесы. Они делятся на 2 группы: 1. комедии с

фарсово-бытовыми сюжетами («Брак поневоле», «Мещанин во

дворянстве»); 2. комедии-балеты пасторально-

мифологического содержания («Принцесса Элиды»,

«Блистательные любовники»).

Комедии Мольера затрагивают широкий круг проблем

современной жизни: отношения отцов и детей, воспитание,

брак и семья, нравственное состояние общества (лицемерие,

корыстолюбие, тщеславие и др.), сословность, религия,

культура, наука (медицина, философия) и т.д.

Самыми знаменитыми произведениями становятся: «Тартюф»,

«Дон Жуан», «Мизантроп».

По своему мировоззрению Мольер был материалистом,

наследником лучших традиций гуманистической мысли,

последователем Рабле, Монтеня, Шаррона, страстным

поборником жизненной правды. Он издевался над сословными

предрассудками, над извращениями естественных,

человеческих отношений. Он обличал и высмеивал глупцов и

моральных уродов. При этом он не щадил буржуазию, не

идеализировал ее, резко критикуя, как и другие сословия.

Мольер был единственным драматургом эпохи абсолютизма, в

произведениях которого выражались народные устремления,

народные оценки общественных отношений, народная точка

зрения на различные явления французской жизни.

Мольер хорошо знал и любил народ, знал его быт, песни, игры,

обычаи. Он в совершенстве владел народным языком,

различными наречиями, говорами и ввел их в свои комедии.

Его народные персонажи всегда наделены глубокой народной

мудростью, здравым смыслом и противопоставлены

комическим людям из имущих сословий.

Билет 17

1. Театр XVIII – пер. пол. XIX в. – это театр эпохи

Просвещения. Главной задачей искусства деятели

Просвещения считали перевоспитание людей; проповедь со

сцены казалась им эффективной и удобной формой убеждения.

Но каноны классицизма, которых придерживались писатели

раннего Просвещения, сковывали развитие драматургии,

ограничивали круг тем и героев.

Господство разума привело к тому, что искусство

просветителей страдало рассудочностью, рациональный

анализ жизни требовал упорядоченных форм. Однако

просветители, видевшие идеал человека в гармоничной

личности, не могли пренебречь требованиями чувства, когда

речь шла об искусстве. Театр эпохи Просвещения замечательно

выразил и содержанием, и методом новый взгляд на мир,

который был адекватен эпохе.

Бомарше Де (1732–1799) - крупнейший французский драматург

второй половины XVIII в.

Любовь к театру побудила его написать две драмы – « Евгения»

и «Двух друзей». Громкий успех «Севильского цирюльника»

сделал Бомарше лидером национального театра.

Главный персонаж «Севильского цирюльника» (Фигаро)

появится в следующей пьесе Бомарше, «Женитьба Фигаро», где

феодальные привилегии подверглись столь яростной атаке, что

король не разрешил показывать ее публично. Появившись на

сцене почти в канун Французской революции, Фигаро

символизирует торжество тенденций, вызревавших на

протяжении десятилетий в творчестве Вольтера, Руссо, Дидро и

др. «философов». Хлесткие реплики Фигаро и внятные намеки

снискали комедии неувядаемую славу на театральных

подмостках.

Гольдони Карло (1707–1793) - итальянский драматург. С

раннего детства проявил страстный интерес к театру, в 8 лет

написал свою первую пьесу.

Драматическое наследие Гольдони весьма обширно. Его перу

принадлежит более 260 произведений самых разных жанров –

трагедии, трагикомедии, комедии (в т.ч. импровизации),

либретто опер, оперы-буфф, мелодрамы, романтические и

поэтические драмы. Бóльшую часть сочинений Гольдони

составляет проза; некоторые написаны на итальянском языке,

около дюжины – на венецианском диалекте, многое – на смеси

литературного итальянского и диалекта. Из-под его пера

вышло значительное число «характерных пьес», в основном и

составивших литературную славу Гольдони. Среди шедевров–

«Семья антиквария», «Кофейная», «Трактирщица»,

«Самодуры», «Новая квартира» и «Кьоджинские перепалки».

Многие пьесы Гольдони построены по образцу комедии дель

арте, самого популярного в то время на итальянской сцене

жанра. Гольдони, однако, понемногу видоизменял этот жанр,

избавляясь от его основных компонентов – импровизации,

масок и устоявшихся шаблонных персонажей. Его

Билет 18

1. Театр XVIII – пер. пол. XIX в. – это театр эпохи

Просвещения. Главной задачей искусства деятели

Просвещения считали перевоспитание людей; проповедь со

сцены казалась им эффективной и удобной формой убеждения.

Но каноны классицизма, которых придерживались писатели

раннего Просвещения, сковывали развитие драматургии,

ограничивали круг тем и героев.

Господство разума привело к тому, что искусство

просветителей страдало рассудочностью, рациональный

анализ жизни требовал упорядоченных форм. Однако

просветители, видевшие идеал человека в гармоничной

личности, не могли пренебречь требованиями чувства, когда

речь шла об искусстве. Театр эпохи Просвещения замечательно

выразил и содержанием, и методом новый взгляд на мир,

который был адекватен эпохе.

Представители немецкого театра Просвещения:

Шиллер И.К.Ф. (1759–1805) - немецкий поэт, драматург и

философ-эстетик. Произведения: «Разбойники», «Заговор

Фиеско в Генуе», «Коварство и любовь», «Фиеско», «Дон

Карлос», «Мария Стюарт», «Орлеанская дева»

Язык его произведений возвышен, мелодичен и выразителен,

хотя подчас чересчур риторичен и выспрен, однако на сцене он

производит чрезвычайно выигрышное впечатление. Шиллер

обогатил литературу своей страны выдающимися

драматическими произведениями. Кроме собственных пьес, он

создал сценические версии шекспировского «Макбета» и

«Турандот» К.Гоцци, а также перевел расиновскую «Федру».

Гёте И. В. (1749–1832) - крупнейший поэт и универсальный

гений немецкой литературы. Произведения: «Капризы

влюбленного», «Эгмонт», «Фауст», «Тассо» и др.

Главный творческий принцип Гёте - истинная поэзия должна

идти от сердца и быть плодом собственного жизненного опыта

поэта, а не переписывать давние образцы.

2. Театральные тенденции нашего времени:

Билет 19

1. Романтизм – направление в искусстве, сформировавшееся в

рамках общелитературного течения на рубеже XVIII–XIX вв. в

Германии. Получил распространение во всех странах Европы и

Америки. Наивысший пик романтизма приходится на пер. чет.

XIX в. Романтизм – реакция на жесткую нормативность и

ограниченность классицизма (строгое построение пьесы,

соблюдение правил ее построения, стиля игры, ограниченность

амплуа и характеристик героев, пафосная декламационность).

Романтики стремились к более глубокому изображению

исторического прошлого, наделяли героев исключительными

характерами и сильными страстями.

В основе драматургии и театра эпохи романтизма: 1. принцип

индивидуализации героев противопоставленный принципу

типизации; 2. красочные, грандиозные конфликты

противопостав. бытовым конфликтам; 3. вдохновенный

лиризм речей – прозаическому языку персонажей. Романтики

выражали протест против мещанства и буржуазностей

меркантильного характера.

Представители романтизма: В. Гюго, А. де Виньи, Байрон,

Шелли.

Реализм – возник в Европе в сер. XIX в., пришел на смену

романтизму. Главные принципы: 1. объективное, правдивое

отражение действительности, т.е. отношение человека с

человеком, человека с обществом; 2. острая постановка

социальных проблем; 3. воспроизведение типических

характеров в типических обстоятельствах,

индивидуализированность характеров.

Достоверность изображаемого позволяло использовать также

условные формы и художественную фантазию. Главная тема –

личность и общество, их взаимодействия.

Представители: Стендаль, Бальзак, Диккенс, Флобер, Толстой,

Достоевский, Чехов и др.

2. Арбузов А.Н. (1908–1986) - русский драматург. Первый

большой успех принесла Арбузову комедия «Шестеро

любимых». Произведения: «Годы странствий», «Иркутская

история», «Потерянный сын», «Мой бедный Марат»,

«Жестокие игры» и др.

Мудрый и благожелательный не только в творчестве, но и в

жизни, Арбузов поддержал в свое время начинающих

А.Володина, А.Вампилова, Л.Петрушевскую и многих других

литераторов.

Володин А.М. (1919–2001) - русский драматург, прозаик.

Стихи писал с детства; первая книга – сборник «Рассказы»,

обозначивший постоянный для Володина интерес к

повседневной жизни современников, характерам, языку и быту

людей обычных профессий. Широкую известность принесла

Володину пьеса «Фабричная девчонка». Другие пьесы

Билет 20

1. Происходят поиски новых театральных форм. Театральная

жизнь Европы стала более разнообразной. Появляется большое

количество театров, в которых зритель может найти

постановки на любой вкус: от вечных творений классиков -

Шекспира, Корнеля, Расина, Чехова до современных

драматургов Беккета и Ионеско и остроумных комедий в

«театрах бульваров».

Во Франции появляется так называемый «Новый театр»,

первоначально проигнорированный публикой. Это театр

«драмы абсурда».

Лорка Ф.Г. (1898 - 1936) – великий испанский поэт и драматург.

Произведения: «Кровавая свадьба», «Дом Бернарды Альбы» и

др.

Для его творчества характерно сочетание реалистических

деталей с романтическим пафосом страстей, типичность

характеров с аллегорическими элементами и символикой.

Брехт Б. (1898–1956) - немецкий драматург и поэт.

Предложившил концепцию эпического театра. По этой

концепции спектакль должен воздействовать не на чувства, а

на разум зрителя и внушить ему активное и критическое

отношение к происходящему на сцене. Он должен быть

публицистичным и социально направленным.

Брехт писал стихи и скетчи для антинацистских движений,

создал четыре самые крупные свои пьесы – « Жизнь Галилея»,

«Мамаша Кураж и ее дети», «Добрый человек из Сезуана» и

«Господин Пунтила и его слуга Матти». Главное теоретическое

произведение «Малый органон».

Ануй Ж. (1910–1987) - французский драматург, сценарист,

режиссер. Один из создателей интеллектуальной драмы.

Первая пьеса – «Горностай», потом пьесы «Путешественник

без багажа», «Дикарка», «Бал воров». Любимый прием: «театр

в театре», когда персонажи сами играют те или иные роли

Обратившись к греческим мифам, нашел прием, который

принес его пьесам мировую славу: авторская интерпретация

известных древнегреческих и средневековых сюжетов.

Первыми такими пьесами стали «Эвридика» и «Антигона».

Позже были написаны «Ромео и Джульетта», «Медея»,

«Жаворонок». Последняя из них – о Жанне Д'Арк – многими

критиками считается вершиной творчества Ануя.

Де Филиппо Э. (1900–1984) - итальянский драматург, актер,

режиссер, последний великий актер-автор неаполитанского

театра. Мир открыл его искусство после Второй мировой

войны, когда он был уже зрелым мастером. А путь его в

искусстве начался очень рано.

Произведения: «Говорите ему всегда «да»», «Человек и

джентльмен», «Сик-Сик – мастер чудес», «Кто счастливее

меня», «Любовь и арбалеты» и др.

В комедиях Э.Де Филипппо можно обнаружить черты разных

жанров: комедии, трагедии, фарса, драмы, мелодрамы.

Драматург видит мир в сочетании множества красок и их

Островский принимал непосредственное участие в жизни

Малого театра, был постановщиком своих пьес, требуя от

актеров правильности найденного «тона», стройного ансамбля

всех исполнителей, высокой культуры сценической речи,

достоверности и художественного единства всех компонентов

спектакля. Поэтому Малый театр также будут называть

«Домом Островского». Несмотря на неоправданное засилие в

репертуаре театра пьес-однодневок, генеральное направление в

19 в., наряду с произведениями Островского определяла

классическая драматургия, русская и зарубежная.

В театре ставили его пьесы: «Бедность не порок»,

«Бесприданница», «Таланты и поклонники» и др.

Молодой Каратыгин выступал в антитиранических,

героических ролях, в которых звучали ноты протеста. Это

были образы цареубийц, мстителей, мятежников.

Позже Каратыгин становится придворным актером, любимым

актером императора. В репертуаре Александринского театра

произошли большие перемены. На сцене преобладали

мелодрамы, романтические драмы, лишенные бунтарской

темы, но с патриотическими мотивами, прославляющими

империю. Актер нашел свою тему и сыграл много из этого

репертуара.

Он был одним из первых русских исполнителей, который

пользовался литературными и историческими материалами в

процессе работы над ролью. Особенно много готовился к ролям

историческим: тщательно изучал историческую эпоху,

картины и книги того времени. Каратыгин часами

отрабатывал перед зеркалом пластику роли.

Актер был чужд шекспировской поэтике, но сыграл несколько

шекспировских ролей: Гамлет, Отелло, Ричард III, Кориолан,

Король Лир.

перерабатывала творческая фантазия драматурга.

Главная задача театра – катарсис (очищение). Очищение от

снедающих человека страстей. Он должен был венчать

трагедию. Гибель героя не должна была быть бессмысленной.

Высший смысл – столкновение субъективных обстоятельств и

объективной закономерности. Первое – это герои, втрое –

высший закон олимпийских богов, судьба. Побеждает всегда

судьба, хотя герой и благороден. Греки считали, что везде

должна была быть гармония, а выступление героя нарушает

гармонию, расплата за это – жизнь. Герой чаще всего погибает,

и зрители ему сострадают. Жить всегда остаются спокойные,

пассивные.

2. Грибоедов А.С. (1795–1829) - русский драматург и дипломат.

Самая значительная для театра пьеса – «Горе от ума»

Гоголь Н.В. (1809–1852) - русский писатель. Пьесы – «Ревизор»,

комедия «Владимир 3-й степени» (она не была окончена, но

материал послужил для нескольких драматических эпизодов –

«Утро делового человека», «Тяжба», «Лакейская» и

«Отрывок»), «Женитьба», «Игроки».

Щепкин М.С. (1788–1863) - русский актер. Родился в с.

Красном Курской губернии в семье крепостных. Учился в

Курском народном училище. Совмещал обязанности секретаря

своего помещика с артистической деятельностью. Играет

сначала в Тульском, а затем в Московском Малом театре.

В начале творческого пути играл комические роли (в водевиле

Писарева «Хлопотун, или Дело мастера боится», в комедии

М.Н.Загоскина «Г-н Богатонов, или Провинциал в деревне» и

др.). Появление на сцене в 1830-е годы комедий А.С.Грибоедова

(«Горе от ума» - Фамусов) и Н.В.Гоголя («Ревизор» -

городничий) позволило Щепкину вырваться из сферы чисто

комической.

Щепкин не ставил себе задачи изобрести новые технические

приемы игры. Пользуясь теми же средствами, что и

П.С.Мочалов или В.И.Живокини, Щепкин пришел к

постановке вопроса о внутренней технике актера. Он утвердил

на сцене принцип, положенный позже К.С.Станиславским в

основу его «системы», – принцип внутреннего оправдания

роли, приема, сценического задания. Щепкин утвердил

общественную роль русского актера, поднял профессию на

другой уровень – из лицедея он превратил актера в

ответственного члена общества. Он учил актера сознательной

работе над ролью и над собой, учил культуре работы.

Инструмент актера – его внутренние (психические) и внешние

(физические) данные, называемые Станиславским

«элементами творчества». Тело актера, голос, темперамент

являются его орудием труда. Профессиональное сценическое

действие возможно лишь при условии полного владения всем

спектром своих психофизических данных. К элементам

творчества Станиславский относит: органы восприятия –

зрение, слух и т.д.; воображение; логичность и

последовательность действий и чувств; память на ощущения;

сценическое обаяние; чувство перспективы действия и мысли;

мышечная свобода; пластичность; владение голосом; чувство

фразы; ощущение характерности; умение действовать словом;

восприятие партнера и воздействие на него; и т.д. Постоянное

совершенствование этих элементов составляет содержание

«работы актера над собой» предполагающую ежедневный

тренинг и муштру, направленные на совершенствование

актерской техники. Владение своим «инструментом» –

психофизикой – позволяет актеру полноценно и

профессионально работать на сцене вне зависимости от

вдохновения, а вернее – входить в нужное творческое состояние

именно тогда, когда это необходимо. Только на основе базовых

постоянных занятий актерской техникой возможна

полноценная «работа актера над ролью».

Ключевыми понятиями в работе над ролью и спектаклем стали

определения «действенного анализа», «сквозного действия»,

«сверхзадачи».

Действенный анализ роли означает сближение и

взаимопроникновение индивидуальностей актера и персонажа.

Сквозное действие – логическая цепочка, непрерывное

действие в смысловой перспективе спектакля. Контрсквозное

действие осуществляется либо в столкновении персонажей,

либо в преодолении героем своих внутренних противоречий.

Сверхзадача – общая творческая, смысловая, нравственная и

идеологическая цель, объединяющая весь постановочный

коллектив и способствующая созданию художественного

ансамбля и единого звучания спектакля.

Русского музыкального общества и состоящей при нем

консерватории. В Обществе искусств руководил режиссерской

частью. Поставил спектакли «Уриэль Акоста» Гуцкова,

«Отелло», «Польский еврей» Эркмана-Шатриана, «Много

шума из ничего», «Двенадцатая ночь», «Потонувший колокол»

и др.

Московский художественный театр, открылся в 1898

премьерой «Царя Федора Иоанновича» А.К.Толстого. Началом

Художественного театра считают встречу его основателей

К.С.Станиславского и Вл.И.Немировича-Данченко. На этой

встрече, они обсуждали основы будущего дела, вопросы

чистого искусства, художественные идеалы, сценическую

этику, технику, организационные планы, проекты будущего

репертуара, и т.д.

Первоначально назывался «Художественно-Общедоступного»,

но из-за цензурных ограничений и финансовых затруднений,

вызвавших повышение цен на билеты, из названия было

убрано слово «общедоступный», хотя ориентация на

демократического зрителя оставалась одним из принципов

МХТ.

Главной задачей МХТ, по мысли его создателей, был поиск

сценического воплощения новой драматургии, не находящей

понимания в старом театре. Планировалось обращение к

драмам Чехова, Ибсена, Гауптмана. В первый период своего

существования МХТ был преимущественно театром

современной драматургии.

Первым спектаклем был «Царь Федор». Спектакль поражал

зрителей своей исторической и бытовой правдой, живостью

массовых сцен, смелостью и новизной режиссерских приемов.

Однако рождением нового театра его создатели считали

постановку «Чайки» Чехова. Театр нашел своего Автора,

именно в чеховских спектаклях произошло открытие

театральной системы, определившей театр XX века, пришло

новое понимание сценической правды, поворачивающее

внимание актера и режиссера от реализма внешнего к

внутреннему реализму, к проявлениям жизни человеческого

духа. В работе над пьесами Чехова определился новый тип

актера, сложились новые принципы режиссуры, создания

«настроения», общей атмосферы действия, определились новые

сценические средства передачи скрытого за словами

содержания («подтекст»). МХТ впервые в истории мирового

театра утвердил значение режиссера – автора спектакля,

интерпретирующего пьесу в соответствии со спецификой

своего творческого видения. МХТ утвердил новую роль

сценографии в спектакле.

С конца XVI в. труппы стали широко гастролировать по

Европе – во Франции, Испании, Англии. Ее популярность

достигла своего пика. Однако к середине XVII в. комедия дель

арте начала приходить в упадок. Ужесточение политики

церкви по отношению к театру вообще, и к комедии дель арте

особенно, привело к тому, что комедианты оседали в других

странах на постоянное местожительство.

Комедия дель арте оказала огромное влияние на развитие

мирового театрального искусства. Ее отголоски явственно

просматриваются в драматургии Мольера, Гольдони, Гоцци.

2. Горький М. (1868–1936) - русский писатель. Родился в

Нижнем Новгороде. Пьесы: «На дне», «Мещане», «Дачники»,

«Враги» и др.

Пять с лишним лет Горький пешком странствовал по России,

накапливая впечатления, позднее питавшие его творчество. В

этот первый период, он описывал общественные неурядицы,

создавая образы протестующих героев, не находящих себе

места в жизни. Его персонажами были по большей части

бродяги, проститутки, воры. Такие рассказы, как «Челкаш»,

«Однажды осенью», «На плотах», «Супруги Орловы» и

«Двадцать шесть и одна»; романы «Фома Гордеев» и «Трое»;

пьесы «Мещане» и «На дне» представляют характерные

образцы горьковского творчества этого времени.

Второй период, отмеченный тесным сотрудничеством с

революционными организациями, отчетливее всего отразился

в пьесах «Дачники», «Враги» и романе «Мать».

В третий период творчества, с 1913 до смерти, Горький

опубликовал ряд автобиографических произведений, наиболее

значительные из них – «Детство», «В людях», «Мои

университеты» и «Заметки из дневника», «Воспоминания».

Грандиозный (незаконченный) роман-эпопея «Жизнь Клима

Самгина» и многочисленные литературно-критические статьи

написаны в последние годы его жизни.

Общественно-политическая линия спектаклей МХТа связанна

прежде всего с постановками пьес М.Горького. Первые его

пьесы «Мещане», «На дне» писались специально для МХТ.

«Революцию жанра» в драматургии Чехов совершил тем, что

отказался (начиная с «Чайки») от принципа одногеройной

пьесы и противопоставления персонажей в качестве

участников драматургического конфликта. Конфликт

возникает не как столкновение отдельных лиц, а как чувство

одиночества и бессилия человека перед обстоятельствами. О

значительных событиях в жизни героев зритель узнает лишь из

их разговоров. То, что в традиционной драме помещалось бы в

центр действия как наиболее выигрышные эпизоды, Чехов

выводит за сцену. Это необходимое условие, чтобы действие

сосредоточилось на духовной жизни героев и развивалось

непрерывно – благодаря «подводному течению».

В своих пьесах он шел тем же путем, что и выдающиеся

западноевропейские деятели «новой драмы»: Ибсен, Гауптман,

Стриндберг, Метерлинк. Однако предпринятая Чеховым

«реформа театра» оказалась более радикальной и

всеобъемлющей. У Чехова главное – разлад персонажа с самим

собой, а многомерные финалы его драматургических

сочинений звучали диалогом, открытым в будущее, – о смысле

жизни, о нитях, связывающих героев с потомками.

Драматургия Чехова оказала ключевое влияние на мировой

театр XX в., предопределив большинство его выдающихся

экспериментов.

Рождением МХТ его создатели (К.С.Станиславский и

Вл.И.Немирович-Данченко) считали постановку «Чайки»

Чехова. Театр нашел своего автора. Именно в чеховских

спектаклях произошло открытие театральной системы,

определившей театр XX века, пришло новое понимание

сценической правды, поворачивающее внимание актера и

режиссера от реализма внешнего к внутреннему реализму, к

проявлениям жизни человеческого духа.

Строится «Эрмитажный театр». Группе немецких актеров

было позволено давать представления и строить театры в ряде

крупных городов. России. Это были публичные театры для

народа.

В середине XVIII в. организуются театры в учебных

заведениях, устраиваются русские театральные представления

в Петербурге, Москве, Ярославле.

Первый русский постоянный публичный театр был открыт в

1756 в Петербурге, в Головкинском доме. Театр возглавил

Сумароков, трагедии которого составили основу репертуара.

Первые публичные спектакли в Москве относятся к 1756,

когда учащиеся университетской гимназии под руководством

своего директора, поэта М.Хераскова, образовали театральную

труппу в стенах университета. На представления

приглашались представители высшего московского общества.

Позже на основе бывшей университетской труппы был создан

драматический театр, получивший название Петровского (он

же – театр Медокса). От этого театра ведут свои родословные

Большой (оперы и балета) и Малый (драматический) театры

России.

Елизавета Петровна утвердила в обществе русский

государственный профессиональный театр, появляются

русские пьесы.

2. Становление придворного театра в России связано с именем

царя Алексея Михайловича. Время его правления связано со

становлением новой идеологии, ориентированной на

расширение дипломатических связей с Европой. Ориентация

на европейский уклад привела ко многим изменениям в жизни

российского двора. К 1660 относится попытка Алексея

Михайловича организовать первый придворный театр. Однако

эта попытка осталась безуспешной; первый спектакль русского

придворного театра состоялся лишь в 1672. Назывался

«Театральная хоромина».

Спектакли стали одним из самых любимых развлечений при

московском дворе. Русских актеров было 26 человек. Юноши

играли женские роли.

Одним из первых драматургов при Алексее Михайловиче был

Симеон Полоцкий Его пьесы отличались от школьных

близостью к жизни и отсутствием аллегорических образов и

представляли собой лирические произведения. Именно его

пьесами («Беседы пастушеские», «Комедия притча о блудном

сыне») начинался русский национальный литературный театр.

Появление первого придворного театра совпало с рождением

Петра I (1672), который в детстве видел последние спектакли

этого театра. Вступив на престол и начав огромную работу по

европеизации России, Петр I не мог не обратиться к театру как

средству пропаганды своих новаторских политических и

социальных идей.

Петр решил через искусство театра популяризировать свои

реформы и нововведения. Он задумал построить в Москве

театр, но не для избранных, а открытый для всех. Был

построен театр на Красной площади, в нем играли немецкие

актеры (под руководством Кунста), которые не знали русского

языка, этим они ограничивали круг своих зрителей, что никак

не устраивало Петра, т.к. общенародного веселья не

получалось. В театре Кунста было восемь человек. Под их

руководством была открыта русская театральная школа.

Спектакли шли дважды в неделю: немецкие чередовались

русскими. После смерти Кунста, театр немного просуществовав

закрылся.

В 1720 Петр делает новую попытку создать театр в России, но

теперь в Петербурге. Он приказывает «нанять из Праги

компанию комедиантов, которые умеют говорить по-славянски

или по-чешски. В Петербурге инициатива создании театра

принадлежит и Наталье Алексеевне. Приехала группа Манна,

но спектакли игрались на немецком языке. Петр часто

посещает их спектакли, но труппа не оправдывает его

ожиданий. Актерский состав труппы был слаб, а репертуар

старомоден.

Петру не удалось создать постоянного публичного театра, и

московская, и петербургская попытки не дали серьезных

результатов. С его смертью государственная забота о развитии

русского профессионального театра прерывается.

2. Правление Екатерины II (1762 – 1796) В 1765 г. были

организованы публичные театры в Москве и Санкт-

Петербурге. Публичные театры содержались за счет гос. казны;

труппа актеров состояла из 11 – 16 человек, которые получали

зарплату за каждый спектакль.

Существовали театры: придворный, публичный, любительские

театры в именьях вельмож, крепостные, театры-«охотников».

Новый расцвет получила итальянская опера.

При Екатерине появляется русская театральная школа.

Первым педагогами и актером Вт. пол. XVIII в. был

Дмитриевский.

Екатерина способствовала развитию литературы. Она

являлась автором около 20 пьес (нравоучительного характера).

Появляются пьесы сентиментализма. Получает развитие

русская драматургия: Фонвизин, Княжин, Копнист.

В XIX в. появляются Малый и Большой театр в Москве,

Александрийский театр в СПб.

Основание Российского театра: К созданию собственного

театра Волков подошел, имея большой запас театральных

знаний, включая знакомство с трагедиями А.П.Сумарокова.

Первые представления театра, организованны им в Ярославле.

Возглавив труппу любителей-разночинцев, он создал театр,

отвечавший потребностям публики. Это был решительный шаг

на пути превращения театра любительского в общедоступный

профессиональный театр. Открылся театр Волкова

представлением трагедии Сумарокова «Хореев» и комедии

Мольера «Лекарь поневоле». Становление русского

национального театра стремительно набирало силу.

Необходимость создания театра на государственном уровне

диктовалось многими причинами, и прежде всего тем, что

Российская империя нуждалась в поднятии собственного

престижа, как просвещенного европейского государства.

Поэтому, когда известие о Ярославском театре доходит до

Петербурга, выходит высочайший указ, требующий доставить

братьев Волковых с их труппой в Санкт-Петербург. Прибыв в

Царское Село, сыграли несколько пьес: «Хореев», «Синав и

Трувор», «Гамлет» Сумарокова и «Комедия о покаянии

грешного человека» Ростовского. После этого императрица

Елизаветы издала приказ об учреждении «русского для

представления трагедии и комедии театра». В отличие от

придворных театров, предназначенных для узкого круга

аристократического зрителя, «Российский театр» был

общедоступным и давал платные представления для широких

слоев городской публики. Основной репертуар театра состоял

из русских драматических произведений, преимущественно

пьес Сумарокова. Ядро труппы составили профессиональные

актеры из числа ярославских комедиантов: Ф.Г.Волков,

И.А.Дмитревский, Я.Д.Шумский и др.

2. Вахтангов Е.Б. (1883–1922) - выдающийся режиссер, актер,

педагог, который практически доказал, что «открытые его

учителем Станиславским законы органического поведения

человека на сцене приложимы к искусству любого

эстетического направления» и к новым сценическим условиям,

продиктованным масштабом революционных событий.

Вахтангов создал новое театральное направления

«фантастического реализма».

Вахтангов утверждал необходимость нового сценического

языка, соответствующего времени. Своим творчеством

режиссер доказывал, что искусство переживания, жизненная

правда и истина страстей могут и должны воплощаться в

формах надбытового, гротескного, ярко театрального

спектакля.

Ставил спектакли: «Принцесса Турандот» К.Гоцци, «Свадьба»

Чехова, «Гадибук» С.Анского и др.

Мейерхольд В. Э. (1874-1940) - российский режиссер, актер,

педагог, народный артист России. Один из реформаторов

театра. Работал в МХТ, затем в провинции.

Развивал символическую концепцию «условного театра»

(«Сестра Беатриса» М. Метерлинка и «Балаганчик» А. А.

Блока). Утверждал принципы «театрального

традиционализма», стремился вернуть театру яркость и

праздничность («Дон Жуан» Мольера, «Маскарад» М. Ю.

Лермонтова и др.). После 1917 возглавил движение

«Театрального Октября», выдвинув программу полной

переоценки эстетических ценностей, политической

активизации театра. Руководил театром в Москве (позже

названный Театр им. Мейерхольда) и существовавшей при нем

школой. Разработал особую методологию актерского тренажа

биомеханику, в которой нашли своеобразное применение

принципы конструктивизма. Поставил спектакли: «Мистерия-

буфф» и «Клоп» В. В. Маяковского, «Великодушный

рогоносец» Ф. Кроммелинка, «Лес» А. Н. Островского,

«Ревизор» Н. В. Гоголя, «Дама с камелиями» А. Дюма-сына.

впервые в истории России театр полностью стал делом

государственным. Ведущим театрам присваиваются звания

академических: Малому театру, МХТ и Александринскому.

Открываются новые театры.

В этот период активно развивается направление агитационно-

мистериального площадного массового театра.

Залогом успеха в этот период стал эксперимент, новация –

разного характера и направления. Театры традиционного

направления (МХАТ, Малый, бывший Александринский и др.)

отдавали дань современности спектаклями революционно-

романтическими и сатирическими, однако источники

свидетельствуют, что 1920-е стали для них периодом

творческого кризиса.

Новый период российского театра начался в 1932

постановлением ЦК ВКП(б) «О перестройке литературно-

художественных организаций». Основным методом в искусстве

был признан метод социалистического реализма. Время

художественных экспериментов закончилось, хотя, это не

означает, что дальнейшие годы не дали новых достижений и

успехов в развитии театрального искусства. Так например,

безусловным достижением российского театра начиная с

середины 1930-х становились спектакли т.н. «ленинианы», в

которых на сцену выносился образ В.Ленина. Практически

обречены на успех были любые спектакли по пьесам

«основоположника социалистического реализма» М.Горького.

Для многих деятелей российского театра 1930-е (и вторая

половина 1940-х) стали трагическими. Однако российский

театр продолжал развиваться. Появлялись новые

режиссерские имена: А.Попов, Ю.Завадский, Р.Симонов,

М.Кнебель, В.Сахновский, Э.Радлов и др. Эти имена были

преимущественно связаны с Москвой и Ленинградом и

режиссерской школой ведущих театров страны.

Во время ВОВ российские театры в основном обращались к

патриотической теме. На сценах ставились пьесы, написанные

в этот период («Нашествие» Л.Леонова, «Фронт»

А.Корнейчука), и пьесы историко-патриотической тематики

(«Петр I» А.Н.Толстого, «Фельдмаршал Кутузов» В.Соловьева

и др.). Несмотря на тяжелые условия театр собирал полный

зал. Как ни парадоксально, чем гибельнее становились условия

жизни в городе, тем более обострялась потребность людей в

искусстве, помогающем выжить. С радостью люди встречали

выездные спектакли и концерты на передовой, во многих

театрах страны были сформированы фронтовые бригады,

выступающие не только в действующей армии, но и в

госпиталях.

Период 1941–1945 имел и еще одно последствие для

театральной жизни России и Советского Союза: существенное

повышение художественного уровня провинциальных театров.

Эвакуация театров Москвы и Ленинграда и их работа на

периферии вдохнула новую жизнь в местные театры,

способствовала интеграции сценического искусства и обмену

Он всегда сам ставил свои пьесы и всегда играл в них главные

роли. Стержнем его театра является главный герой.

Он много работал в кино, снимался у разных режиссеров,

снимал фильмы сам ( «Неаполь-миллионер»). Ставил

спектакли в оперном театре, среди особенно заметных работ в

опере – «Нос» Шостаковича.

Уильямс Т. (1911–1983) - американский драматург, пьесы

которого строятся на конфликте духовного и плотского начал,

чувственного порыва и тяги к духовному совершенству. Как

правило, его герои и героини сходятся в первобытном

противоборстве, где зов плоти варьируется от наваждения и

греха до возможного пути к спасению.

Произведения: «Битва ангелов», «Трамвай «Желание»», «Лето

и дым», «Татуированная роза», «Кошка на раскаленной

крыше».

2. Вампилов А.В. (1937–1972) - русский драматург, прозаик,

публицист.

В годы учебы публиковал в университетской и областной

газетах очерки и фельетоны под псевдонимом А.Санин. Под

этим же псевдонимом вышла его первая книга

юмористических рассказов «Стечение обстоятельств». Вскоре

написал свои первые драматургические произведения –

одноактные пьесы-шутки «Ангел», «Воронья роща», «Дом

окнами в поле» и др.

Ранние произведения Вампилова были основаны на странных,

порой смешных происшествиях, анекдотах. Герои рассказов и

сценок, попадая в эти странные ситуации, приходили к

переоценке своих взглядов.

Окончил Высшие литературные курсы при Литературном

институте им. А.М.Горького в Москве. Во время учебы

написал комедию «Ярмарка» (или «Прощание в июне»).

Вместе с «Провинциальными анекдотами» («История с

метранпажем» + «Ангел») пьеса «Прощание в июне» составила

сатирический цикл.

Его пьесы публиковались в журналах «Театр», «Современная

драматургия», «Театральная жизнь», входили в репертуар

лучших театров страны. Критики говорили о «театре

Вампилова» и видели в персонажах его пьес, незаурядных

людях, способных на высокий духовный взлет и в то же время

слабых по натуре, наследников классических героев русской

литературы – Онегина, Печорина, Протасова, Лаевского.

Вампилов написал пьесы «Старший сын» и «Утиная охота», в

которых в полной мере воплотилась трагическая

составляющая его драматургии.

Гельман А.И. (р. 1933) - русский драматург, публицист.

В жанре публицистической драматургии (не пренебрегающей,

однако, элементами бытовой мелодрамы), основанной на

глубоком знании производственных и психологических

конфликтов рабочей среды, Гельман создал сценарии фильмов

«Ночная смена», «Считайте меня взрослым», «Ксения,

любимая жена Федора».

Характерная для драматургии Володина художественная

свобода – от реалистического жизнеподобия до условности

притчи, литературного парафраза и сатирического гротеска,

выявляя глубину и многоаспектность постижения автором

современной действительности, в то же время обусловили

неоднозначность восприятия его творчества театральной

публикой и критикой, вызвав громкий и продолжительный

успех одних произведений и замалчивание, даже нападки на

другие пьесы.

Володин является также автором сценариев популярных

фильмов отечественного кино: «Пять вечеров», «Звонят,

откройте дверь!», «Похождения зубного врача», «Дочки-

матери», «Осенний марафон».

Розов В.С. (1913–2004) - русский драматург. Произведения: «Ее

друзья», «Страницы жизни», «Традиционный сбор», «В день

свадьбы», «Затейник», «С вечера до полудня», «Гнездо

глухаря» и др.

Автор около 20 пьес в жанре социально-психологической

драмы, написанных на материале современности и

обращенных в основном к проблемам нравственности. Уже в

первых пьесах «Ее друзья» и «Страницы жизни» обозначились

черты художественной манеры и круг интересов Розова:

точность бытописания, любовь к простым житейским истинам,

внимание к юношеским характерам. Герой драматурга

принадлежит, как правило, к одному и тому же возрастному и

социальному кругу, только его проблемы и нравственный

облик меняются в зависимости от времени. Внутренняя

ценность личности как залог сохранения и укрепления

навственного потенциала нации – главная мысль Розова,

которая определяет основную коллизию и других пьес

драматурга. Пьесы Розова неоднократно экранизировались.

Всемирный успех выпал на долю фильма «Летят журавли».

Шеридан Р. Б. (1751-1816) - английский драматург.

Сатирические комедии нравов «Соперники», «Поездка в

Скарборо» и «Школа злословия» направлены против

безнравственности «высшего» света, пуританского лицемерия.

Гольдони «Слуга двух господ» Главный герой Труффальдино,

чтобы побольше поесть он устраивается работать у двух господ

Беатриче (переодетую под умершего брата) и Флориндо.

Беатриче и Флориндо влюблены друг в друга, но из-за

внезапного убийства брата Беатриче Фрориндо уехал из города

(т.к. он первый подозреваемый), а Беатриче в мужском одеании

едет его искать. Они приезжают в одну и ту же гостиницу, у них

служит один на двоих Труфальдино, и никто не знает друг о

друге. В конце концов все встает на свои места.

2. Булгаков М.А. (1891–1940) - русский писатель.

Еще студентом Булгаков начал писать прозу, в основном

связанную с медицинской тематикой, а затем земской

врачебной практикой.

Первый фельетон Булгакова «Грядущие перспективы», давал

жесткую и ясную картину как современного писателю

общественно-политического и экономического состояния

России так и будущего страны.

Первая пьеса, сюжетно и тематически связанна с Белой

гвардией и получившая впоследствии название «Дни

Турбинных». Процесс ее создания описан автором в

«Театральном романе». Пьеса, которую Булгаков несколько

раз переделывал, представляла собою не инсценировку романа,

а самостоятельное драматургическое произведение. Спектакль

«Дни Турбинных», имел огромный успех у зрителей.

Вскоре после Дней Турбиных Булгаков написал две

сатирические пьесы о советской жизни «Зойкина квартира» и

драму о Гражданской войне и первой эмиграции «Бег».

Булгаков подвергался нападкам официальной критики. В

начале 1930-х на сцене МХАТа шла только его инсценировка

«Мертвых душ» Гоголя; пьеса о Мольере «Кабала святош». Он

написал пьесу «Батум», центральной фигурой которой стал

молодой Сталин, но пьеса была запрещена.

Эрдман Н.Р. (1900-1970) - русский драматург. Гротескно-

сатирическое изображение индивидуализма, воинствующего

хамства в антимещанских драмах «Мандат», «Самоубийца».

Сценарии фильмов, в т. ч. «Веселые ребята», «Смелые люди».

Билет 21

1. Ирвинг Г. (1838–1905) - английский актер.

Начал играть в труппе театра г. Сандерленда и дебютировал в

пьесе Э.Булвер-Литтона «Ришелье». Его первый столичный

успех – роль в пьесе «Две розы». Руководил театром «Лицеум».

Ирвинг стал знаменит прежде всего трактовкой

шекспировских образов – Макбета, Ричарда III, Отелло; из

других его работ наиболее удачными были главные роли в

«Фаусте» Гёте и в пьесе «Беккет» А.Теннисона. Ирвинг первым

из английских актеров был возведен в рыцарское достоинство.

Стиль актерской игры Ирвинга можно было назвать

экспрессивным и романтическим. Ирвинг более, чем кто-либо

другой из его современников-актеров, способствовал

популяризации Шекспира на сцене.

Шоу Дж.Б. (1856–1950) - английский драматург, философ и

прозаик, лауреат Нобелевской премии, выдающийся критик

своего времени и самый прославленный – после Шекспира –

драматург, писавший на английском языке.

Писал пьесы: сборник «Пьесы приятные и неприятные»

(«Оружие и человек», «Кандида», « Избранник судьбы»,

«Ученик дьявола» и др.), отдельные произведения: «Цезарь и

Клеопатра», «Обращение капитана Брасбаунда», «Человек и

сверхчеловек».

Шоу писал пьесы, рецензии, выступал как уличный оратор,

пропагандируя социалистические идеи, и, кроме того, был

членом муниципального совета.

2. Ефремов О.Н. (1927–2002) - режиссер, актер, педагог.

Театр «Современник» - московский драматический театр,

организованный в 1956 как Студия молодых актеров (в

основном выпускников Школы-студии МХАТ) под

руководством О.Ефремова. Театр, созданный силами

энтузиастов поколения «оттепели» на коллективной студийной

основе, сумел глубоко и эмоционально выразить надежды

своего поколения, стать символом духовного обновления.

Одной из важнейших задач юного театрального коллектива

была борьба со сложившимися сценическими канонами

официального искусства 1930–1950-х. «Современник» дал свой

тип спектакля, во многом возвращаясь к театральным

открытиям МХТ первого десятилетия, а также его

Билет 22

1. Ибсен Г.Ю. (1828–1906) - норвежский драматург и

театральный деятель, один из известнейших классиков

западноевропейского театра XIX в. Его творчество – вершина

драматического искусства XIX в. Главная тема в творчестве:

духовная борьба персонажей, обличение ханжества.

Произведения: «Катилина», «Богатырский курган», «Иванова

ночь», «Борьба за престол», «Комедия любви», «Пер Гюнт»,

«Кукольный дом», «Привидения», «Когда мы, мертвые,

пробуждаемся».

Руководил Норвежским национальным театром в Бергене,

Норвежским театром в Христиании.

Стриндберг Ю.А. (1849–1912) - крупнейший шведский

писатель. У себя на родине почитается мастером шведской

прозы, а за ее пределами приобрел известность как один из

ведущих реформаторов современной драмы. Его пьесы

предвосхитили появление экспрессионизма и театра абсурда.

Произведения: «Мистер Улоф», «Красная комната»,

«Странствия Счастливчика Пера», «Фрёкен Жюли», «Игра

снов», «Синяя книга» и др.

Метерлинк М. (1862–1949) - бельгийский драматург и философ.

Писал на французском языке. Лауреат Нобелевской премии по

литературе. Представитель сиволизма (отказ от конкретного

изображения действительности, стремление выразить

мистическую сущность бытия, порой вне конкретных образах и

жизненных ситуаций). Произведения: «Теплицы», «Принцесса

Мален», «Синяя птица» и др.

2. Тетры Москвы: Государственный Академический Большой

Театр, театр им. Е. Вахтангова, театр "Геликон-опера", театр

Ленком, театр Луны, Малый театр, МХТ им. Чехова, театр на

Малой Бронной, Центральный театр кукол имени С. В.

Образцова, Московский областной Камерный театр, театр

Романа Виктюка, театр Сатирикон, театр Современник, театр

им. Станиславского, театр Сфера, театр-студия п/р О. Табакова

(Табакерка), театр на Таганке, Центральный Академический

Театр Российской Армии, Центр имени Вс. Мейерхольда, театр

Эрмитаж и мн. др.

Театры Санкт-Петербурга: театр драмы имени А. С. Пушкина

(Александринский театр), Большой Драматический Театр,

театр-фестиваль "Балтийский дом", Драматический театр на

Литейном, Мариинский театр, Академический Малый

Драматический Театр, Санкт-Петербургский театр "Рок-

опера", театр на Фонтанке и др.

Первой Студии, в которых главным критерием были верность

жизненной правде и постижение «жизни человеческого духа»

во всей ее глубине и психологической точности. Эти установки

для главного режиссера театра Олега Ефремова были

важнейшим условием развития «Современника». Основу

школы Ефремов видел в системе Станиславского. Человек, как

личность, духовная единица, но рассмотренная в строгом

социальном контексте, в единстве с позитивной гражданской

мыслью – вот что интересовало театр в начале своего пути.

Первым спектаклем стала пьеса «Вечно живые» В. Розова.

Постановка в «Современнике» Эфроса А.В. (русский советский

режиссер и педагог): «В добрый час!». Эфрос был одним из

основоположников «Современника», об этом свидетельствует и

то, что он поставил один из первых спектаклей нового театра –

«Никто» Эдуардо де Филиппо с Ефремовым и Лилией

Толмачевой. (другие постановки: «В поисках радости»,

«Неравный бой», «Перед ужином» Розова, «Три сестры»

Чехова, «Ромео и Джульетта», «Отелло» Шекспира и мн. др.)

Товстоганов Г.А.(русский режиссер, педагог, театральный

деятель) постановка в «Современнике»: М.Е.Салтыкова-

Щедрина «Балалайкин и Ко». Другие: «Дети Ванюшина»

С.Найденова, «Идиот» Достоевского, «Три сестры» А.П.Чехова,

«Генрих IV» Шекспира и др.

Любимов Ю.П. (русский режиссер и актер), постановки:

«Добрый человек из Сезуана» Б.Брехта, «Мастер и Маргарита»

Булгакова, «Преступление и наказание» Достоевского и др.