Ильина Т.В. История искусств. Западноевропейское искусство
Подождите немного. Документ загружается.
силу. Им была знакома высокая, можно сказать, совершенная культура этюда, в котором поражает
необычайная меткость наблюдения, смелость и неожиданность композиционных решений. Все это
чрезвычайно обогатило язык искусства и имело огромное влияние на все последующие течения, самого
разного характера и идеологических платформ.
Э. Мане. Завтрак на траве. Париж, Музей Орсэ
Э. Мане. Олимпия. Париж, Музей Орсэ
Формирование импрессионистов началось, как уже говорилось, вокруг Эдуарда Мане (1832—1883).
Сын богатых родителей, он получил образование в мастерской Кутюра, одного из столпов
академического искусства, навсегда, видимо, внушившего ему отвращение к «Школе». Подлинными
его учителями явились Тициан, Веласкес, Гойя, Хале, Рубенс. Старые мастера, великие колористы
прежде всего, были для него постоянным предметом восхищения. Иногда он прямо следует в
композиции классически известным произведениям. Мане отличало от импрессионистов то, что он не
отказался от широкого мазка, а главное, от обобщенной реалистической характеристики и сохранил
синтетичность формы и цельность передаваемых характеров, что он никогда не препарировал, не
разлагал, не растворял предметы в световоздушной среде. Живописец, от природы имеющий
повышенное чувство цвета, он лепил форму широким мазком, мощным живописным пятном.
Многое, однако, Мане связывает с импрессионизмом, особенно в работах 70-х годов: это прежде
всего живопись на пленэре, высветленная палитра («Аржантёй», 1874; «Берег Сены в Аржантёйе»,
1874; «Партия в крокет», 1873; «В лодке», 1874). Изображенные им парижские улицы и бары,
парижская толпа, современный ему ландшафт, портреты его друзей, парижская богема — вся со-
временная ему жизнь понята и передана им во всем богатстве остро и точно схваченного движения и
разнообразия случайностей, что несомненно характерно для импрессионизма в целом («Нана», 1877).
Наиболее «импрессионистическая» вещь Мане — «Бар "Фоли-Бержер"» (1881—1882). За спиной
прекрасной барменши отражается в зеркале зал, наполненный людьми. Всю трепетность жизни,
схваченной как бы в одно мгновение, художнику удается передать благодаря тому, что зритель видит
зал как отражение в зеркале. Отсюда ощущение зыбкости и мерцания, образ мира почти ирреального.
Но даже и в этом произведении Мане не теряет цельности характеристики, не лишает предметы их
вещественности и материальности. Последние качества особенно прослеживаются в его натюрмортах,
которые он писал уже будучи недвижимым, прикованным к креслу: они исполнены с чувством
глубокого осмысления классической традиции, поражают богатством колорита и благородством формы
(«Розы в хрустальном бокале», 1882—1883). В творчестве Эдуарда Мане, с одной стороны, нашли
завершение классические реалистические традиции французского искусства XIX в., с другой —
сделаны первые шаги в решении проблем, которые станут принципиально важными в развитии
западноевропейского реализма XX столетия.
К. Моне. Камилла (Дама в зеленом). Бремен, музей
Истинным главой импрессионистской школы явился Клод Моне (1840—1926). Именно в его
творчестве воплотилась основная проблема импрессионизма — проблема света и воздуха. Мир Моне с
его предметами, растворяемыми в световоздушной среде, постепенно лишается материальности и
превращается в гармонию цветовых пятен. Моне десятки раз пишет один и тот же мотив, ибо его
интересуют эффекты освещения различного времени суток или разных времен года в сочетании с
изображаемым предметом. Так появляются его знаменитые «Стога», «Руанский собор». Он первый
изгнал из своей палитры черный цвет, считая, что такого нет в природе и что даже тени в
действительности цветные. Слова Сезанна о Моне: «Моне — это только глаз, но, Бог мой, какой глаз!»
— можно отнести к импрессионизму в целом («Вид Темзы и парламента в Лондоне», 1871; «Бульвар
Капуцинов в Париже», 1873; «Скалы в Бель-Иле», 1886). Мгновение, выхваченное из потока жизни,
пульсация большого города —все схвачено как бы случайно, но увидено зорким взглядом художника.
Однако за всем этим постепенно теряется цельная картина мира, его материальность («Туман в
Лондоне», 1903).
О. Ренуар. Бал в Буживале. Бостон, Музей, изящных искусств
Исключительно в жанре пейзажа работает Камиль Писсарро (1830—1903). Париж и его окре-
стности под его кистью предстают то в лиловатых сумерках, то в тумане серого утра, то в синеве
зимнего дня («Бульвар Монмартр», 1897). Еще более лиричны и тонки пейзажи Иль де Франса в
творчестве Альфреда Сислея (1839—1899); («Маленькая площадь в Аржантейе», 1872).
Огюст Ренуар (1841—1919)—один из самых пленительных художников-импрессионистов,
обладавший огромным живописным талантом. Как писал один из исследователей импрессионизма
Джон Ревалд, Ренуару были незнакомы почти болезненное честолюбие и оскорбленная непризнанием
гордость Мане, надменная и жесткая самоуверенность Дега, жгучие сомнения Сезанна. Он творил по
внутренней неистребимой потребности, питая отвращение ко всякому систематическому знанию.
Произведения Ренуара действительно производят впечатление сделанных необычайно легко, быстро,
шутя, но на самом деле Ренуар был величайшим тружеником. Его композиции всегда тщательно
обдуманы, в них чаще всего нет элемента случайности, который так характерен для импрессионизма в
целом («Мулен де ла Галетт», 1876; «Зонтики», 1879). В его живописной технике также есть
своеобразие: он широко употребляет лессировки. В ранней молодости Ренуар расписывал веера, шторы,
был живописцем на фарфоровой фабрике и навсегда сохранил некоторую «плавкость», текучесть мазка.
Он писал в основном женскую модель, портреты и «ню» — обнаженную натуру. Его образы построены
на гармонии чистых, мажорных, радостных, красочных сочетаний («Качели», 1876, «Молодой солдат»,
около 1880; «Бал в Буживале», 1883). В них нет психологической глубины, человек воспринимается
художником как часть природы («Мадам Моне», 1872; «Девушка с веером», около 1881, портрет
актрисы Комеди-Франсез Жанны Самари, 1877). Глядя на портреты Ренуара, понимаешь, что человек—
самое прекрасное в общей гармонии мира. Женщины Ренуара одного ярко выраженного типа: у них
свежая матовая кожа, розовые щеки, блестящие влажные глаза, легкие волосы с непокорной челкой над
низким лбом, пухлые красные губы — тип парижской гризетки второй половины XIX в. Их очарование
— в едва уловимых, зыбких оттенках настроения («Завтрак гребцов», 1881). Письмо Ренуара виртуозно.
Трудно сказать, какого цвета платье на мадам Самари: оно буквально соткано из множества оттенков
белого, розового, жемчужного, серого, цвет растворяется в световоздушной среде, фигура окутана
воздухом и создается впечатление трепетности, свежести, необычайной жизненности всего образа. Эти
качества особенно пленяют в детских портретах Ренуара, которые он писал часто по заказу, выставляя
(к огорчению верного юношеским идеалам Моне) в Салонах, и которые имели неизменный успех на
выставках и у заказчика («Мадемуазель Ирен», 1880; «Габриель с Жаном», 1895; портрет сына
художника —Жана, 1898; «Клод Ренуар», около 1906).
О. Ренуар. Зонтики. Лондон, Национальная галерея
Последовательным импрессионистом не был и Эдгар Дега (1834—1917). Выходец из старинной
банкирской семьи, как будто бы далекий от духовного смятения многих его современников, Дега
вполне мог остаться в стороне от всех бурь и столкновений передовой художественной интеллигенции с
официальными кругами. Он получил художественное образование, прочно связанное с академической
школой. Отсюда его следование канонам классического рисунка в трактовке человеческой фигуры и
поклонение до конца жизни таким мастерам, как Энгр и Пуссен; отсюда его занятия исторической
живописью на ранних этапах творчества.
В 60-е годы Дега сближается с Мане, и к этому времени относится начало самостоятельного
творческого пути, на котором он мужественно делит с батиньольцами все невзгоды, непризнание и
презрение публики. Тематика картин Дега типична для импрессионистов и довольно ограничена,
изображение будней театра, в основном балета, и ипподрома перемежается с изображением женщины
за туалетом и сцен труда — прачек, гладильщиц, модисток. Дега никогда не обращался к пейзажу, что
отличает его от более последовательных импрессионистов, ибо именно в пейзаже и возник
художественный метод импрессионизма. В картинах Дега нет той трепетной воздушной дымки,
окутывающей предметы, которая присутствует во всех чисто импрессионистских вещах.
Э. Дега. Женщина в тазу. Париж, Музей Орсэ
П. Гоген. Никогда больше. Лондон, Институт Куртольд
В свои произведения Дега вносит остроту ироничного, даже саркастического ума, его картины
овеяны грустным настроением. Будни балета, подчеркивает Дега, скучны, а танцовщицы некрасивы,
жокеи устали, прачки и гладильщицы изнурены трудом, люди отчуждены друг от друга и бесконечно
одиноки («Урок танцев», 1874, «Проездка скаковых лошадей», 1880, «У фотографа», «Танцовщицы на
репетиции», «Голубые танцовщицы», 1897, «Гладильщицы», 1882, «Прачки», 1876—1878, «Абсент»,
1876). Но сцены Дега полны острого ощущения современности. Он порицал импрессионистов за
принцип мимолетности, за то, что они стремились фиксировать увиденное, ничего не отбрасывая и не
добавляя. Дега старался схватить и запомнить своим острым «внутренним взором» характерное и
выразительное и, когда садился рисовать, умел передать самое главное, отбросив случайное.
Столь же выразителен и колорит произведений Дега, достигающий пронзительной звучности. Это
относится и к тем произведениям, которые исполнены в масляной технике, но еще больше — к его
этюдам пастелью, которой Дега много работал всегда, особенно в последние годы жизни («После
ванны», 1883; «Женщина в тазу», 1866; «Женщина перед туалетом», 1894).
По остроте видения Дега близко творчество Анри Тулуз-Лотрека (1864—1901), в целом далекого от
импрессионизма по методу изображения, чаще называемого историками искусства постимп-
рессионистом. Он работал в основном в графике и оставил острые, иногда даже трагические по
мироощущению, чаще пряные в своей обнаженности, доходящие до гротеска и карикатуры образы. Это
в основном литографии, посвященные типажам парижской богемы и парижского «дна». Он делает
плакаты с изображением знаменитых танцовщиц, певиц кабаре, циркачек, «ночных бабочек»
Монмартра, показывает натужное веселье «Мулен де ла Галетт» и «Мулен Руж» — Парижа, воспетого
Бодлером и Верленом, но увиденного им совершенно по-своему, нервно, экспрессивно, драматически
(«Танец в Мулен Руж», 1890; «В кафе», 1891).
П. Синъяк. Завтрак. Оттерло, музей Крёллер-Мюллер
Тулуз-Лотрек проявил себя и как прекрасный портретист (портреты Аристида Бриана, 1893; Оскара
Уайльда, 1895; Поля Леклерка, 1897). Многочисленные эстампы, пастели, литографии, рисунки говорят
о Лотреке как о выдающемся рисовальщике XIX в. Афиша, театральный плакат XX в. зародились
именно в его творчестве.
Импрессионистический метод был доведен до своего логического конца в творчестве таких
художников, как Жорж Сера (1859— 1891) и Поль Синьяк (1863—1935). Они пытались создать
научную теорию цвета, приложить к искусству научные открытия в области оптики, составляли
диаграммы на основе соотношения основных и дополнительных тонов, стараясь раздельными
укороченными мазками чистых цветов спектра, доведенными до яркой и чистой по цвету точки, никоим
образом не смешанными на палитре, передать сложную световоздушную среду. Отсюда и название
этого последнего этапа импрессионизма — неоимпрессионизм, или дивизионизм (от слова division —
разделение), или пуантилизм (от франц. point —точка). Но в самих пейзажах Синьяка много
непосредственного, лирического чувства («Песчаный берег моря», 1890).
П. Сезанн. Игроки в карты. Париж, музей Орсэ
Хотя в композициях Сера есть четкость и завершенность структуры, как, например, в его картине
«Гуляние на острове Гран-Жатт» (1884—1886), отличающие его от импрессионистической этюдности,
желание синтезировать пейзаж, а не зафиксировать увиденное, мгновенное, но в них есть и близкое
импрессионизму трепетное ощущение света и чувства массы. Однако общий принцип строгой ре-
гуляции точек, из которых создается иллюзия предметной формы лишь на расстоянии, в расчете на
восприятие человеческого глаза, придал всем произведениям неоимпрессионистов некую одинаковость.
О. Роден. Вечная весна. Мрамор. Санкт-Петербург, Эрмитаж
«Гран-Жатт» Сёра была выставлена на последней импрессионистической выставке 1886 г. В
следующем году Сёра и Синьяк устроили самостоятельную выставку в Брюсселе и были жестоко
осмеяны. В 1891 г. Сёра организует «Салон независимых» в память о Ван Гоге. В этом же году он
умирает, не дожив до 32 лет и не дождавшись признания.
История импрессионизма на этом и кончается, но из Франции импрессионизм распространился в
Англию (Джеймс Уистлер, Дж. Сарджент), Германию (Макс Либерман), Швецию (Андерсон Цорн),
Бельгию (Тео ван Риссельберг) и т. д.
В пластике второй половины XIX в. не наблюдается такого яркого развития
импрессионистического направления, как в живописи. Мы не можем назвать ни одного скульптора,
который бы без оговорок мог быть причислен к импрессионистам. Наиболее близок к импрессионистам
в некоторых работах Опост Роден (1840— 1917)—своим стремлением передать мгновенное в
выражении человеческого лица или в позе человека в противовес синтетическому образу,
подчеркивающему «извечное» у старых классических мастеров. Именно поиск временного,
изменчивого в человеке, стремление воплотить в статическом искусстве всю трепетность жизни, а
также новаторский характер моделировки вызвали бурю негодования общественности, когда в 1878 г.
Роден впервые экспонировал сначала в Брюсселе, а затем в Париже свою скульптуру «Бронзовый век».
С этого момента все выставляемые на суд публики произведения Родена будут поводом к полемике.
Сурово будут встречены и его «Мыслитель», «Ева», «Адам», «Блудный сын», «Мучение» и многие
другие работы, рельефы для дверей Музея декоративных искусств, получившие название «Врата ада»
—так и не законченное произведение, в котором, по справедливому замечанию многих исследователей,
как бы смешались грандиозные видения Микеланджело и Синьорелли с острым современным чувством
тоски и одиночества, а в эпическое величие Дантовой «Божественной комедии» привнесены муки
бодлеровских «Цветов зла». В целом же это произведение перегружено и дробно по композиции и не
совсем ясно по назначению, не соотнесено с архитектурой, что позволило критике назвать его
«воротами в никуда». Однако в лучших вещах Родена есть чувство цельности, законченности, полноты
художественного воплощения идеи. В 1884 г. Роден получил заказ от муниципалитета города Кале на
проект памятника в честь героя Столетней войны Эсташа де Сен-Пьера, пожертвовавшего собой во имя
спасения осажденного города. Памятник был закончен скульптором в 1886 г., но установлен лишь в
1895 г. «Граждане Кале» —это реалистическая монументальная скульптура, в которой Роден сумел
отойти от литературности и воплотить героические образы людей, абсолютно разных, но объединенных
единством судьбы и высокого духовного подъема. Роден, несомненно, был художником-новатором.
Так, в «Гражданах Кале» он решил поставить всю скульптурную группу прямо на мостовую без
постамента. Но оказалось, что это лишило памятник необходимой для подобного произведения
монументальности и героизации. Как большой художник Роден чутко уловил свой просчет и отказался
от первоначального замысла.
Роден много и успешно занимался и жанром портрета. Портреты Родена разнообразны по
характеристике, в них всегда подчеркнута одна главная черта модели: изящный артистичный Далу
(1883), ироничный Рошфор (1897), полный творческого огня, темпераментный Гюго (1897).
В течение своей долгой жизни Роден, восхищаясь молодостью и красотой влюбленных, много раз
повторял темы вечной весны, ускользающей любви, поцелуя. Движение для Родена было основной
формой выражения жизни в скульптуре, он был страстно влюблен в танец, увлекался смелой
современной хореографией, и отсюда его этюды, посвященные Айседоре Дункан и Нижинскому,
знаменитое бронзовое (любимый материал Родена) «Па-де-де» (1908).
В 1891 г. общество литераторов, президентом которого был Эмиль Золя, заказало Родену статую
Бальзака. Скульптор выполнил в процессе работы 22 этюда головы, 7 —фигуры, 16 —одежды и
завершил произведение в 1897 г. Оно вызвало бурю негодования своей необычностью трактовки,
подчеркнутой физиологичностью. Скульптора обвиняли в патологии, в том, что он обрядил великого
писателя «в смирительную рубашку».
Несмотря на справедливость некоторых упреков Родену —то в привкусе натурализма, то в
модернистской стилизации,—нельзя не признать его потрясающего умения выразить напряженные
внутренние движения, подчинить пластическую форму определенному психическому переживанию.
Влияние Родена на современников было огромно. В близкой манере работает Франсуа Помон; с ним
долго сотрудничает такой большой и совершенно самостоятельный мастер, как Эмиль Антуан Бурдель;
Шарль Деспио проходит определенный период большого увлечения Роденом. Аристид Майоль,
развивающийся как скульптор самостоятельно и идущий своим, отличным путем, неизменно
восхищался работами Огюста Родена, равно как и крупнейший представитель реалистического
направления в скульптуре второй половины века, певец труда, автор памятника «Антверпенский
грузчик» бельгиец Константин Менье.
Постимпрессионисты
Художники, которых в истории искусства именуют постимпрессионистами — Сезанн, Ван Гог и
Гоген,—не были объединены ни общей программой, ни общим методом. Они начали работать
параллельно с импрессионистами и испытали их влияние. В действительности же каждый из них
представляет собой яркую творческую индивидуальность, каждый оставил свой собственный след в
искусстве.
Поль Сезанн (1839—1906) начал творческий путь вместе с импрессионистами, участвовал в их
первой выставке 1874 г., затем уехал в родной Прованс (г. Экс), где жил замкнутой, но напряженнейшей
творческой жизнью. К концу 80-х годов имя Сезанна стало чем-то вроде легенды, мифа, чему немало
способствовали рассказы единственного покупателя его картин коллекционера Ива Танги. В 1894 г.
Танги умер, и картины Сезанна пошли с молотка. В следующем, 1895 году торговец картинами Воллар
предложил Сезанну прислать свои произведения на выставку, и художник, не выставлявшийся до этого
20 лет, отправил в Париж 150 картин. Прогрессивная парижская художественная интеллигенция
приветствовала Сезанна как великого художника. Молодое поколение видело в Сезанне единственного
импрессиониста, который отказался от импрессионизма, сохранив его технику, чтобы исследовать
пространство и восстановить формы в картине, т. е. пластическую материальность живописи и
устойчивую композицию. С XX столетия Сезанн становится вождем нового поколения.
До конца жизни Сезанн подписывал свои произведения, добавляя к своему имени «ученик
Писсарро», отдавая этим дань уважения знаменитому импрессионисту (о чем Писсарро так никогда и не
узнал) и подчеркивая свои связи с художниками этого направления. С ними он начал свою жизнь в
искусстве, с ними он делил трудные годы непризнания и нищеты. Но Сезанн не был импрессионистом,
он являлся скорее реакцией на импрессионизм, на импрессионистический метод видеть и писать.
Прежде всего Сезанн не дематериализует форму. Мир, природа, человек утверждаются им во всей
цельности и крепости (по терминологии самого художника это «реализация натуры»). У Сезанна нет
картин сложного содержания: портреты близких людей, друзей и множество автопортретов, пейзажи
(«Берега Марны», 1888), натюрморты («Натюрморт с корзиной фруктов», 1888—1890), портреты-типы
(«Курильщик», 1895—1900), редко сюжетные изображения («Игроки в карты», 1890—1892) — мир,
полный созерцательности, задумчивости и сосредоточенности. Но во всех случаях это не этюд, а
законченное произведение, картина.
Наиболее сильная сторона таланта Сезанна — колорит. Он все видит как проявление живописной
стихии. Сущность сезанновских исканий — в передаче цветом неизменной вечной реальности, вы-
явлении геометрической структуры природных форм. Питая всю жизнь отвращение ко всяким теориям,
он тем не менее сформулировал свои поиски: «Все в природе лепится в форме шара, конуса, цилиндра;
надо учиться писать на этих простых фигурах, и, если вы научитесь владеть этими формами, вы
сделаете все, что захотите. Нельзя отделять рисунок от красок, нужно рисовать по мере того, как
пишете, и чем гармоничнее становятся краски, тем точнее делается рисунок. При наибольшем богатстве
красок форма неизменно достигает своей полноты». Взамен кажущейся случайности импрессионистов
Сезанн принес материальную крепость, чувство массы, пластическую ясность форм, устойчивость,
чеканную выразительность своих простых и суровых образов (портрет жены художника, 1872—1877).
Но отвоевав у импрессионистов объемность и материальность предметов, Сезанн утратил некоторую
конкретность формы, чувство ее фактуры. На натюрмортах Сезанна трудно определить, какие фрукты
изображены, на портретах—в какие ткани облачены фигуры. В портретах, в изображениях людей,
кроме того, есть некоторая бездушность, ибо художника не столько занимают духовный мир и
характеры моделей, сколько основные формы предметного мира, переданные цветовыми со-
отношениями. Эти элементы абстрагирования, несомненно заложенные в искусстве Сезанна, привели
его многочисленных последователей —«сезаннистов», существующих и поныне,—к живописной
отвлеченности, ибо они сумели усвоить только его формальные достижения.
Ван Гог. Автопортрет (Посвящается П. Гогену). Массачусетский музей искусств
Постимпрессионистом называют и «великого голландца» Винсента Ван Гога (1853—1890),
художника, воплотившего душевную смятенность современного человека. Он начал заниматься
живописью еще в Бельгии, когда был миссионером в «черной стране» бельгийских шахтеров —
Боринаже («Едоки картофеля», 1885). Ранние его работы имеют определенные черты старой
голландской традиции. В 1880—1881 гг. он посещает Брюссельскую Академию художеств. Только
после 30 лет Ван Гог целиком посвящает себя живописи. В 1886 г. он приезжает в Париж и через брата
Тео, служившего в одной частной картинной галерее, сближается с импрессионистами. Под влиянием
импрессионистов техника Ван Гога становится более свободной, смелой, палитра высветляется
(«Пейзаж в Овере после дождя», 1890). Вскоре он переезжает в Прованс, в город Арль, где вместе с
Гогеном мечтает организовать нечто вроде братства художников. Здесь, на юге Франции, он находит,
как пишет своему брату Тео, цветовую гамму Делакруа, линии японской гравюры (увлечение которой
было тогда повсеместньм) и пейзажи, «как у Сезанна». В невиданном творческом подъеме Ван Гог
начинает лихорадочно работать, как будто чувствуя, как мало времени ему отпущено («Красные
виноградники в Арле», 1888). Но будучи человеком душевнобольным, он обостренно воспринимает все
жизненные конфликты и кончает жизнь самоубийством.
Творчество Ван Гога охватывает около десятилетия, причем наиболее важны последние пять лет.
Это были годы напряженнейшего, почти нечеловеческого творческого труда, в результате которого Ван
Гог создал произведения, оставившие неизгладимый след в мировой культуре. Жизнь, полная
противоречий и несправедливости, вызывала у Ван Гога обостренное чувство, почти физически
ранящее художника, отсюда пессимистический и тревожный, болезненно-нервозный, экспрессивный
характер его творчества. Так тревожно, повышенно-эмоционально Ван Гог воспринимает не только
людей, но и пейзаж, и мертвую природу. Свойственная лишь ему особая острота в восприятии
действительности сообщает его произведениям сложное переплетение как будто взаимоисключающих
настроений: восторг перед миром и пронзительное чувство одиночества в этом мире, щемящей тоски,
постоянного беспокойства. Под его кистью изображение простых домов или комнат («Хижины», 1888;
«Спальня», 1888) полно подлинного драматизма. Он очеловечивает мир вещей, наделяя его собственной
горькой безнадежностью. Ван Гог достигает внутренней экспрессии при помощи особых приемов
наложения краски резкими, иногда зигзагообразными, а чаще параллельными мазками, как в упоминае-
мых уже «Хижинах», где земля и хижины написаны мазками, идущими в одном направлении, а небо —
в противоположном. Это усиливает общее впечатление напряженности. Тому же служит пронзительно
звонкий цвет: зелень травы на склоне, где лепятся хижины, и яркая синева неба. Динамизм мазков,
предельная насыщенность красочных тонов помогают художнику передать всю сложность его
мировосприятия. Ван Гог в большинстве случаев писал с натуры, но даже его этюды имеют характер
законченной картины, ибо он не отдается всецело непосредственному впечатлению от натуры, а
привносит в образ свой сложнейший комплекс идей и чувств, обостренную чувствительность к
уродствам и дисгармонии жизни, многообразные ассоциации и прежде всего глубочайшее сострадание
к человеку, соединенное с безысходным трагизмом. Именно эти качества лежали в основе
мировоззрения Ван Гога («Прогулка заключенных», 1890; «Автопортрет с перевязанным ухом», 1889).
Последний год жизни Ван Гог проводит в больницах для душевнобольных сначала на юге Франции
в Сен-Реми, затем в Овере под Парижем. Его творческая активность в этот год поразительна. С какой-то
истовостью, необычайной обостренностью восприятия он пишет природу (цветы, деревья, траву),
архитектуру, людей («Овер после дождя«, «Церковь в Овере», «Портрет доктора Гаше» и пр.). Ван Гог
оставил после себя большое эпистолярное наследие, наибольшую ценность имеют его письма к брату
Тео, в которых он предстает во всей своей душевной смятенности, болезненности, но и в величии
духовного богатства и огромности художественного таланта.
При жизни Ван Гог не пользовался никакой известностью. Его огромное влияние на искусство
сказалось много позднее. Экспрессионисты стали называть его своим предтечей. Однако у Ван Гога не
было такого количества подражателей, как у Сезанна, так как его искусство значительно более
субъективно. Тем не менее нет почти ни одного большого художника современности, который так или
иначе не испытал бы влияния напряженно-эмоционального и глубоко искреннего искусства великого
голландца.
Не менее своеобразным, самостоятельным путем шел и еще один художник, которого также
называют постимпрессионистом,— Поль Гоген (1848—1903). Как и Ван Гог, он довольно поздно стал
заниматься живописью систематически. Ему было более 30 лет, когда, оставив службу в банке, он
целиком посвятил себя искусству (1883). Первые его произведения несут на себе определенную печать
импрессионизма. Но вскоре Гоген вырабатывает свою манеру. В 1886 г. вместе с учениками и
последователями (Э. Бернар, Л. Анкетен, П. Серюзье, Я. Веркаде и др.) он поселяется на некоторое
время в Бретани, деревушке Понт-Авен, поэтому за ними закрепляется название «Понт-Авенская
школа». Но Гоген не удовлетворен ни темами, которые предоставляет ему европейский
цивилизованный мир, ни самой буржуазной цивилизацией, сковывающей творчество. Он бежит от нее в
экзотические страны, пленяясь примитивной жизнью полинезийских племен, сохранивших, по его
мнению, безмятежный покой, первозданную чистоту и цельность, присущие детству человечества. В
1887 г. он ненадолго возвращается в Париж и в Понт-Авен, в конце 1888 г. появляется в Арле, где
происходит его трагический разрыв с Ван Гогом, и после устройства в Париже «Выставки
импрессионистов и синтетистов», которая не имела успеха, Гоген в 1891 г. уезжает на Таити. С его
отъездом перестает существовать и Понт-Авенская школа.
На «Выставке импрессионистов и синтетистов» в кафе Вольпини в 1889 г. Гоген и художники его
круга продемонстрировали, что их главная задача — передавать не видимость предметов, максимально
приближенно к оптическому восприятию человеческого глаза, а их сущность, идею, используя образ
как знак, символ. В этом уже было принципиальное отличие постимпрессионистов от их предшествен-
ников импрессионистов. В 1893 г. Гоген еще раз появляется в Париже для устройства выставки,
привлекшей к нему внимание поэтов-символистов. В 1895 г. он снова на Таити. Последние годы жизни
Гоген живет на острове Доминика (Маркизские острова).
Первые впечатления (несомненно, идеализированные) от островов Полинезии Гоген передал в
талантливо и поэтично написанном дневнике «Ноа-ноа» («Благоуханная земля»). В действительности
жизнь художника в этом краю не была столь безмятежной. Он жил там в непрерывной нужде, часто