Бычков М.Н. Популярный справочник. Творческие портреты композиторов
Подождите немного. Документ загружается.
жизненными впечатлениями от путешествий в Италию (солнечная, пронизанная
южным светом и теплом _Итальянская симфония_ - 1833), а также в северные
страны - Англию и Шотландию (образы морской стихии, северного эпоса в
увертюрах _Фингалова пещера (Гебриды), Морская тишь и счастливое плавание_
(обе 1832), в _Шотландской_ симфонии (1830-42).
Основу фортепианного творчества Мендельсона составили _Песни без слов_
(48 пьес, 1830-45) - замечательные образцы лирической миниатюры, нового
жанра романтической фортепианной музыки. В противовес распространившемуся в
то время эффектному бравурному пианизму Мендельсон создает пьесы в камерном
стиле, выявляя прежде всего кантиленные, певучие возможности инструмента.
Привлекала композитора и стихия концертной игры - виртуозный блеск,
праздничность, приподнятость отвечали его артистической природе (2 концерта
для фортепиано с оркестром, Блестящее каприччио, Блестящее рондо и др.).
Знаменитый Скрипичный концерт ми минор (1844) вошел в классический фонд
жанра наряду с концертами П. Чайковского, И. Брамса, А. Глазунова, Я.
Сибелиуса. Оратории _Павел, Илия_, кантата _Первая Вальпургиева ночь_ (по
Гете) внесли значительный вклад в историю кантатно-ораториальных жанров.
Развитие исконных традиций немецкой музыки продолжили прелюдии и фуги
Мендельсона для органа.
Многие хоровые произведения композитор предназначал для любительских
хоровых обществ Берлина, Дюссельдорфа и Лейпцига; а камерные сочинения
(песни, вокальные и инструментальные ансамбли) - для любительского,
домашнего музицирования, во все времена чрезвычайно популярного в Германии.
Создание такой музыки, обращенной к просвещенным любителям, а не только к
профессионалам, способствовало осуществлению главной творческой цели
Мендельсона - воспитанию вкусов публики, активному приобщению ее к
серьезному, высокохудожественному наследию. /И. Охалова/
МЕНОТТИ (Menotti) Джан Карло (р. 7 VII 1911, Кадельяно, Италия)
Творчество Дж. Менотти - одно из самых заметных явлений в американской
опере послевоенных десятилетий. Этого композитора не назовешь открывателем
новых музыкальных миров, его сила - в умении почувствовать, какие требования
тот или иной сюжет предъявляет к музыке и, пожалуй, самое главное - как эта
музыка будет восприниматься людьми. Менотти мастерски владеет искусством
оперного театра как единым целым: он всегда сам пишет либретто своих опер,
часто ставит их как режиссер и руководит исполнением как блестящий дирижер.
Менотти родился в Италии (он итальянец по национальности). Его отец был
бизнесмен, а мать - пианистка-любительница. В 10 лет мальчик написал оперу,
а в 12 поступил в Миланскую консерваторию (где учился с 1923 по 1927 г.).
Дальнейшая жизнь Менотти (с 1928 г.) связана с Америкой, хотя еще долго
композитор сохранял итальянское гражданство. С 1928 по 1933 г. он
совершенствовал свою композиторскую технику под руководством Р. Скалеро в
Музыкальном институте Кертис в Филадельфии. В его стенах завязалась тесная
дружба с С. Барбером - впоследствии видным американским композитором
(Менотти станет автором либретто одной из опер Барбера). Нередко друзья во
время летних каникул вместе ездили в Европу, посещая оперные театры Вены и
Италии. В 1941 г. Менотти снова пришел в институт Кертис - теперь уже в
качестве преподавателя композиции и искусства музыкальной драматургии. Не
прервалась и связь с музыкальной жизнью Италии, где Менотти в 1958 г.
организовал _Фестиваль двух миров_ (в Сполето) для американских и
итальянских певцов. Менотти-композитор дебютировал в 1936 г. оперой _Амелия
едет на бал_. Первоначально она была написана в жанре итальянской
оперы-buffa, а затем переведена на английский язык. Успешный дебют повлек за
собой новый заказ - на этот раз от компании NBC, на радиооперу _Старая дева
и вор_ (1938). Начав свой путь оперного композитора с сюжетов
развлекательно-анекдотического плана, Менотти обратился вскоре и к
драматическим темам. Правда, первая его попытка в этом роде (опера _Бог
острова_, 1942) была неудачной. Но уже в 1946 г. появилась опера-трагедия
_Медиум_ (спустя несколько лет она была экранизирована и получила премию на
Каннском кинофестивале). И наконец, в 1950 г. увидело свет лучшее
произведение Менотти - музыкальная драма _Консул_ - его первая _большая_
опера. Ее действие происходит в наше время в одной из европейских стран.
Бессилие, одиночество и беззащитность перед лицом всевластного
бюрократического аппарата приводит героиню к самоубийству. Напряженность
действия, эмоциональная наполненность мелодий, относительная простота и
доступность музыкального языка сближают эту оперу с творчеством последних
великих итальянцев (Дж. Верди, Дж. Пуччнни) и композиторов-веристов (Р.
Леонкавалло, П. Масканьи). Чувствуется влияние и музыкальной декламации М.
Мусоргского, а звучащие кое-где джазовые интонации указывают на
принадлежность музыки к нашему веку. Эклектичность оперы (пестрота ее стиля)
несколько сглаживается отличным чувством театра (всегда присущим Менотти) и
экономным использованием выразительных средств: даже оркестр в его операх
заменяется ансамблем из нескольких инструментов. Во многом благодаря
политической теме _Консул_ приобрел необычайную популярность: на Бродвее он
шел 8 раз в неделю, ставился в 20 странах мира, (в т. ч. и в СССР), был
переведен на 12 языков.
К трагедии простых людей композитор вновь обратился в операх _Святая с
Бликер-стрит_ (1954) и _Мария Головина_ (1958). Действие оперы _Самый важный
человек_ (1971) происходит на юге Африки, ее герой - молодой ученый-негр -
гибнет от руки расистов. Насильственной смертью завершается опера
_Таму-Таму_ (1972), что по-индонезийски означает гости. Эта опера была
написана по заказу организаторов Международного конгресса антропологов и
этнологов.
Однако трагедийная тема вовсе не исчерпывает творчества Менотти. Сразу
после оперы _Медиум_, в 1947 г., создается веселая комедия _Телефон_. Это
очень коротенькая опера, где только три действующих лица: Он, Она и Телефон.
Вообще сюжеты опер Менотти отличаются исключительным разнообразием.
Телеопера _Амал и ночные гости_ (1951) написана по мотивам картины И. Босха
_Поклонение волхвов_ (сложилась традиция ее ежегодного показа на Рождество).
Музыка этой оперы настолько проста, что может быть рассчитана и на
любительское исполнение.
Кроме оперы, своего основного жанра, Менотти написал 3 балета (в т. ч.
комический балет-мадригал _Единорог, Горгона и Мантикор_, созданный в духе
спектаклей эпохи Возрождения), кантату _Смерть епископа на Бриндизи_ (1963),
симфоническую поэму для оркестра _Апокалипсис_ (1951), концерты для
фортепиано (1945), скрипки (1952) с оркестром и Тройной концерт для трех
исполнителей (1970), камерные ансамбли, Семь песен на собственный текст для
выдающейся певицы Э. Шварцкопф. Внимание к человеку, к естественному
мелодическому пению, использование эффектных театральных ситуаций позволило
Менотти занять видное место в современной американской музыке. /К. Зенкин/
МЕССИАН (Messiaen) Оливье (Эжен Проспер Шарль) (р. 10 XII 1908,
Авиньон)
...Таинство,
Лучи света в ночи,
Отражение радости,
Птицы безмолвия...
О. Мессиан
Французский композитор О. Мессиан по праву занимает одно из почетных
мест в истории музыкальной культуры XX в. Он родился в интеллигентной семье.
Отец - ученый-лингвист, фламандец, мать - известная южнофранцузская поэтесса
Сесиль Соваж. В 11 лет Мессиан покинул родной город и уехал учиться в
Парижскую консерваторию - игре на органе (М. Дюпре), сочинению (П. Дюка),
истории музыки (М. Эммануэль). Окончив консерваторию (1930), Мессиан занял
место органиста парижской церкви Св. Троицы. В 1936-39 гг. он преподавал в
Ecole Normale de Musique, затем в Schola cantorum, с 1942 г. преподает в
Парижской консерватории (гармония, музыкальный анализ, музыкальная эстетика,
музыкальная психология, с 1966 г. - профессор композиции). В 1936 г. Мессиан
совместно с И. Бодрие, А. Жоливе и Д. Лесюром образовал группу _Молодая
Франция_, стремившуюся к развитию национальных традиций, к непосредственной
эмоциональности и чувственной полноте музыки. _Молодая Франция_ отвергла
пути и неоклассицизма, и додекафонии, и фольклоризма. С началом войны
Мессиан ушел солдатом на фронт, в 194041 гг. был в немецком лагере для
военнопленных в Силезии; там был сочинен _Квартет на конец времени_ для
скрипки, виолончели, кларнета и фортепиано (1941) и там же состоялось его
первое исполнение.
В послевоенное время Мессиан добивается всемирного признания как
композитор, выступает как органист и как пианист (часто вместе с пианисткой
Ивонной Лорио, его ученицей и спутницей жизни), пишет ряд работ по теории
музыки. Среди учеников Мессиана - П. Булез, К. Штокхаузен, Я. Ксенакис.
Эстетика Мессиана развивает основной принцип группы _Молодая Франция_,
призывавшей возвратить музыке непосредственность выражения чувств. В числе
стилевых истоков своего творчества сам композитор называет помимо
французских мастеров (К. Дебюсси) григорианский хорал, русские песни, музыку
восточной традиции (в частности, Индии), пение птиц. Сочинения Мессиана
пронизаны светом, таинственным сиянием, они искрятся блеском ярких звуковых
красок, контрастами простой, но утонченной по интонации песни и сверкающих
_космических_ протуберанцев, всплесков кипящей энергии, безмятежных голосов
птиц, даже птичьих хоров и экстатического безмолвия души. В мире Мессиана
нет места бытовым прозаизмам, напряжению и конфликтам человеческих драм;
даже суровые, ужасные образы величайшей из войн никак не запечатлелись в
музыке _Квартета на конец времени_. Отвергая низкую, будничную сторону
действительности, Мессиан хочет утвердить противостоящие ей традиционные
ценности красоты и гармонии, высокой духовной культуры, причем не
_реставрируя_ их посредством какой-то стилизации, а щедро используя
современную интонационность и соответствующие средства музыкального языка.
Мессиан мыслит _вечными_ образами католической ортодоксии и пантеистически
окрашенного космологизма. Утверждая мистическое предназначение музыки как
_акта веры_, Мессиан дает своим сочинениям религиозные названия: _Видение
Аминя_ для двух фортепиано (1943), _Три маленькие литургии божественному
присутствию_ (1944), _Двадцать взглядов на младенца Иисуса_ для фортепиано
(1944), _Месса на Пятидесятницу_(1950), оратория _Преображение господа
нашего Иисуса Христа_ (1969), _Чаю воскресения мертвых_ (1964, к 20-летию
окончания второй мировой войны). Даже птицы с их пением - голос природы -
истолковываются Меесианом мистически, они - _служители нематериальных сфер_;
таково значение птичьего пения в сочинениях _Пробуждение птиц_ для
фортепиано с оркестром (1953); _Экзотические птицы_ для фортепиано, ударных
и камерного оркестра (1956); _Каталог птиц_ для фортепиано (1956-58),
_Черный дрозд_ для флейты и фортепиано (1951). Ритмически изощренный
_птичий_ стиль встречается и в других сочинениях.
Нередки у Мессиана и элементы числовой символики. Так, _троичность_
пронизывает _Три маленькие литургии_ - 3 части цикла, каждая трехчастна,
трижды три тембро-инструментальных единицы, унисонный женский хор иногда
делится на 3 партии.
Однако характер музыкальной образности Мессиана, свойственные его
музыке французская чувственность, часто _острая, горячая_ экспрессия,
трезвый технический расчет современного композитора, устанавливающего
автономно-музыкальную структуру своего сочинения,- все это входит в
известное противоречие с ортодоксальностью названий сочинений. Притом
религиозные сюжеты встречаются лишь в части произведений Мессиана (он сам
находит у себя чередование музыки _чистой, светской и теологической_).
Другие стороны его образного мира запечатлены в таких сочинениях, как
симфония _Турангалила_ для фортепиано и волн Мартено с оркестром (_Песнь
любви, гимн радости времени, движению, ритму, жизни и смерти_, 1946-48);
_Хронохромия_ для оркестра (1960); _Из ущелья к звездам_ для фортепиано,
валторны с оркестром (1974); _Семь хайку_ для фортепиано с оркестром (1962);
_Четыре ритмических этюда_ (1949) и _Восемь прелюдий_ (1929) для фортепиано;
Тема с вариациями для скрипки и фортепиано (1932); вокальный цикл _Ярави_
(1945, в перуанском фольклоре ярави - песнь любви, которая заканчивается
только со смертью влюбленных); _Празднество прекрасных вод_ (1937) и _Две
монодии в четвертитонах_ (1938) для волн Мартено; _Два хора о Жанне д'Арк_
(1941); _Кантейоджая_, ритмический этюд для фортепиано (1948);
_Тембры-длительности_ (конкретная музыка, 1952), опера _Святой Франциск
Ассизский_ (1984).
Как теоретик музыки Мессиан опирался главным образом на свое
творчество, но также и на творчество других композиторов (в т. ч. русских, в
частности, И. Стравинского), на григорианский хорал, русский фольклор, на
воззрения индийского теоретика XIII в. Шарнгадевы. В книге _Техника моего
музыкального языка_ (1944) он изложил важную для современной музыки теорию
модальных ладов ограниченной транспозиции и утонченную систему ритмов.
Музыка Мессиана органично осуществляет и связь времен (вплоть до
средневековья) и синтез культур Запада и Востока. /Ю. Холопов/
МЕТНЕР Николай Карлович (5 I 1880, Москва - 13 XI 1951, Лондон)
Я наконец в искусстве безграничном
Достигнул степени высокой.
Слава мне улыбнулась; я в сердцах людей
Нашел созвучия своим созданьям.
А. Пушкин. Моцарт и Сальери
Н. Метнер занимает особое место в истории русской и мировой музыкальной
культуры. Художник самобытной индивидуальности, замечательный композитор,
пианист и педагог, Метнер не примыкал ни к одному из музыкальных стилей,
характерных для первой половины XX в. Приближаясь отчасти к эстетике
немецких романтиков (Ф. Мендельсон, Р. Шуман), а из русских композиторов - к
С. Танееву и А. Глазунову, Метнер был вместе с тем художником, устремленным
к новым творческим горизонтам, его многое роднит с гениальным новаторством
И. Стравинского и С. Прокофьева.
Метнер происходил из семьи, богатой художественными традициями: мать -
представительница знаменитого музыкального рода Гедике; брат Эмилий был
философом, литератором, музыкальным критиком (псевд. Вольфинг); другой брат,
Александр, - скрипачом и дирижером. В 1900 г. Н. Метнер блистательно окончил
Московскую консерваторию по классу фортепиано В. Сафонова. Одновременно он
изучал и композицию под руководством С. Танеева и А. Аренского. Его имя
записано на мраморную доску Московской консерватории. Творческий путь Метнер
начал успешным выступлением на III Международном конкурсе им. А. Рубинштейна
(Вена, 1900) и первыми же своими сочинениями завоевал признание как
композитор (фортепианный цикл _Картины настроений_ и др.). Голос Метнера -
пианиста и композитора - был сразу услышан наиболее чуткими музыкантами.
Наряду с концертами С. Рахманинова и А. Скрябина авторские концерты Метнера
являлись событиями музыкальной жизни как в России, так и за рубежом. М.
Шагинян вспоминала, что эти вечера _были для слушателей праздником_.
В 1909-10 и 1915-21 гг. Метнер был профессором Московской консерватории
по классу фортепиано. Среди его учеников - многие известные впоследствии
музыканты: A. Шацкес, Н. Штембер, Б. Хайкин. Советами Метнера пользовались
B. Софроницкий, Л. Оборин. В 20-х гг. Метнер состоял членом МУЗО Наркомпроса
и часто общался с А. Луначарским.
С 1921 г. Метнер живет за рубежом, концертирует в странах Европы и в
США. Последние годы жизни вплоть до своей кончины он прожил в Англии. Все
годы, проведенные за рубежом, Метнер оставался русским художником. _Мечтаю
попасть на родную почву и поиграть перед родной аудиторией_, - писал он в
одном из последних своих писем. Творческое наследие Метнера охватывает более
60 опусов, большинство из которых представлено фортепианными сочинениями и
романсами. Дань крупной форме Метнер отдал в своих трех фортепианных
концертах и в Концерте-балладе, камерно-инструментальный жанр представлен
фортепианным Квинтетом.
В своих произведениях Метнер является глубоко самобытным и истинно
национальным художником, чутко отразившим сложные художественные веяния
своей эпохи. Его музыке присуще ощущение духовного здоровья и верности
лучшим заветам классики, хотя композитору довелось преодолеть немало
сомнений и выражаться порой усложненным языком. Здесь напрашивается
параллель между Метнером и такими поэтами его эпохи, как А. Блок и Андрей
Белый.
Центральное место в творческом наследии Метнера занимают 14
фортепианных сонат. Поражающие вдохновенной изобретательностью, они
заключают в себе целый мир психологически углубленных музыкальных образов.
Им свойственна широта контрастов, романтическая взволнованность, внутренне
сосредоточенное и вместе с тем душевно согретое раздумье. Некоторые из сонат
носят программный характер (_Соната-элегия, Соната-сказка,
Соната-воспоминание, Романтическая соната, Грозовая соната_ и др.), все они
очень разнообразны по форме и музыкальной образности. Так, например, если
одна из самых значительных эпических сонат (ор. 25 Э 2) является истинной
драмой в звуках, грандиозной музыкальной картиной претворения философского
стихотворения Ф. Тютчева _О чем ты воешь, ветр ночной_, то
_Соната-воспоминание_ (из цикла _Забытые мотивы_ ор. 38) проникнута поэзией
задушевной русской песенности, нежной лирикой души. Очень популярна группа
фортепианных сочинений, названная _сказками_ (жанр, созданный Метнером) и
представленная десятью циклами. Это собрание лирико-повествовательных и
лирико-драматических пьес с самой разнообразной тематикой (_Русская сказка,
Лир в степи, Рыцарское шествие_ и т. п.). Не менее известны 3 цикла
фортепианных пьес под общим названием _Забытые мотивы_.
Монументальны и приближаются к симфониям фортепианные концерты Метнера,
лучшим из них является Первый (1921), образы которого навеяны грозными
потрясениями первой мировой войны.
Романсы Метнера (более 100) разнообразны по настроению и очень
выразительны, чаще всего это сдержанная лирика углубленно философского
содержания. Написаны они обычно в форме лирического монолога, раскрывающего
душевный мир человека; многие посвящены картинам природы. Любимыми поэтами
Метнера были А. Пушкин (32 романса), Ф. Тютчев (15), И. В. Гете (30). В
романсах на слова этих поэтов особенно рельефно выступают оригинально
развиваемые композитором такие новые черты камерной вокальной музыки начала
XX в., как тонкая передача речевой декламации и огромное, подчас решающее
значение роли фортепианной партии. Метнер известен не только как музыкант,
но и как автор книг о музыкальном искусстве: _Муза и мода_ (1935) и
_Повседневная работа пианиста и композитора_ (1963).
Творческие и исполнительские принципы Метнера оказали значительное
влияние на музыкальное искусство XX в. Его традиции развивали я развивают
многие видные деятели музыкального искусства: А. Н. Александров, Ю. Шапорин,
В. Шебалин, Е. Голубев и др. Музыку Метнера исполняли и исполняют крупнейшие
музыканты: С. Рахманинов, С. Кусевицкий, М. Оленина-д'Альгейм, Г. Нейгауз,
С. Рихтер, И. Архипова, Е. Светланов и др.
Путь отечественной и современной мировой музыки так же невозможно
представить себе без Метнера, как невозможно представить его себе без его
великих современников С. Рахманинова, А. Скрябина, И. Стравинского и С.
Прокофьева, /О. Томпаков а/
МИЙО (Milhaud) Даркюс (4 IV 1892, Экс-ан-Прованс - 22 VI 1974, Женева)
Многие награждали его титулом гения, а многие считали шарлатаном, чья
главная цель была "эпатировать буржуа".
М. Бауер
Творчество Д. Мийо вписало яркую, красочную страницу во французскую
музыку XX в. Оно броско и отчетливо выразило мироощущение послевоенных 20-х
гг., а имя Мийо оказалось в центре музыкально-критической полемики того
времени.
Мийо родился на юге Франции; провансальский фольклор и природа родного
края навсегда запечатлелись в душе композитора и наполнили его искусство
неповторимым ароматом Средиземноморья. Первые шаги в музыке были связаны со
скрипкой, игре на которой Мийо обучался сначала в Эксе, а с 1909 г. в
Парижской консерватории у Бертелье. Но вскоре страсть к сочинению взяла
верх. Среди педагогов Мийо были П. Дюка, А. Жедальж, Ш. Видор, а также В.
д'Энди (в Schola cantorum). В первых произведениях (романсах, камерных
ансамблях) заметно влияние импрессионизма К. Дебюсси. Развивая французскую
традицию (Г. Берлиоз, Ж. Базе, Дебюсси), Мийо оказался очень восприимчив и к
русской музыке - М. Мусоргскому, И. Стравинскому. Балеты Стравинского
(особенно _Весна священная_, потрясшая весь музыкальный мир) помогли
молодому композитору увидеть новые горизонты. Еще в годы войны создаются 2
первые части оперно-ораториальной трилогии _Орестея: Агамемнон_ (1914) и
_Хоэфоры_ (1915); 3 часть _Эвмениды_ была написана позже (1922). В трилогии
композитор отказывается от импрессионистской утонченности, находит новый,
более простой язык. Самым действенным выразительным средством становится
ритм (так, декламация хора нередко сопровождается только ударными
инструментами). Одним из первых Мийо для усиления напряженности звучания
применил здесь одновременное сочетание разных тональностей
(политональность). Текст трагедии Эсхила перевел и обработал видный
французский драматург П. Клодель - друг и единомышленник Мийо в течение
многих лет. _Я оказался на пороге жизненного а здорового искусства... в
котором чувствуется высвобожденная от пут мощь, энергия, одухотворенность и
нежность. Это искусство Поля Клоделя!_ - вспоминал впоследствии композитор.
В 1916 г. Клоделя назначают послом в Бразилии, и Мийо в качестве
личного секретаря едет с ним. Свое восхищение яркостью красок тропической
природы, экзотикой и богатством латиноамериканского фольклора Мийо воплотил
в _Бразильских танцах_, где политональные сочетания мелодии и аккомпанемента
придают звучанию особую остроту и пряность. Балет _Человек и его желание_
(1918, сценарий Клоделя) написан под впечатлением от танца В. Нижинского,
гастролировавшего в Рио-де-Жанейро с труппой русского балета С. Дягилева.
Возвратившись в Париж (1919), Мийо примыкает к группе _Шести_, идейными
вдохновителями которой были композитор Э. Сати и поэт Ж. Кокто. Члены этой
группы выступали против преувеличенной экспрессии романтизма и
импрессионистской зыбкости, за _земное_ искусство, искусство
_повседневности_. В музыку молодых композиторов проникают звучания XX в.:
ритмы техники и мюзик-холла. Ряд балетов, созданных Мийо в 20-х гг.,
объединяет дух эксцентрики, спектакля-клоунады. В балете _Бык на крыше_
(1920, сценарий Кокто), где показан американский бар в годы сухого закона,
звучат мелодии современных танцев, например танго. В _Сотворении мира_
(1923) Мийо обращается к джазовому стилю, взяв за образец оркестр Гарлема
(негритянский квартал Нью-Йорка), с оркестрами такого рода композитор
познакомился во время гастролей в США. В балете _Салат_ (1924), возрождающем
традицию комедии масок, звучит старинная итальянская музыка. Разнообразны
поиски Мийо и в оперном жанре. На фоне камерных опер (_Страдания Орфея,
Бедный матрос_ и др.) возвышается монументальная драма _Христофор Колумб_
(по Клоделю) - вершина творчества композитора. Большинство произведении для
музыкального театра написано в 20-х гг. В это время создаются также 6
камерных симфоний, сонаты, квартеты и др. Композитор много гастролировал. В
1926 г. он посетил СССР. Его выступления в Москве и Ленинграде никого не
оставили равнодушными. По словам очевидцев, _одни возмущались, другие
недоумевали, третьи относились положительно, а молодежь - даже восторженно_.
В 30-е гг. искусство Мийо приближается к жгучим проблемам современного
мира. Вместе с Р. Ролланом. Л. Арагоном и своими друзьями - членами группы
_Шести_ Мийо участвует в работе Народной музыкальной федерации (с 1936),
пишет песни, хоры, кантаты для самодеятельных коллективов, широких народных
масс. В кантатах он обращается к гуманистическим темам (_Смерть тирана,
Кантата о мире, Кантата о войне_ и др.). Композитор также сочиняет
увлекательные игры-пьесы для детей, музыку к кинофильмам. Вторжение
гитлеровских войск во Францию заставило Мийо эмигрировать в США (1940), где
он обратился к преподавательской деятельности в Миллс-колледже (близ
Лос-Анджелеса). Став по возвращении на родину профессором Парижской
консерватории (1947), Мийо не оставлял работу в Америке и регулярно ездил
туда. Все больше его привлекает инструментальная музыка. После шести
симфоний для камерных составов (созданных в 1917-23 гг.) он пишет еще 12
симфоний. Мийо - автор 18 квартетов, оркестровых сюит, увертюр и
многочисленных концертов: для фортепиано (5), альта (2), виолончели (2),
скрипки, гобоя, арфы, клавесина, ударных, маримбы и вибрафона с оркестром.
Не ослабевает интерес Мийо к теме борьбы за свободу (опера _Боливар_ - 1943;
Четвертая симфония, написанная к столетию революции 1848 г.; кантата
_Огненный замок_ - 1954, посвященная памяти жертв фашизма, сожженных в
концлагерях).
Среди работ последнего тридцатилетия - сочинения в самых разных жанрах:
монументальная эпическая опера _Давид_ (1952), написанная к 3000-летнему
юбилею Иерусалима, опера-оратория _Святой Людовик - король Франции_ (1970,
на текст Клоделя), комедия _Преступная мать_ (1965, по П. Бомарше), ряд
балетов (в т. ч. _Колокола_ по Э. По), множество инструментальных
произведений. Последние несколько лет Мийо провел в Женеве, продолжая
сочинять и работать над завершением автобиографической книги _Моя счастливая
жизнь_. /К. Зенкин/
МОЛДОБАСАНОВ Калый (р. 28 IX 1929, с. Терек, ныне Нарынской обл.)
Молдобасанов - один из ведущих композиторов и музыкально-общественных
деятелей Киргизии. Его наивысшие достижения связаны с жанром балета.
Музыкальный язык композитора впитал в себя интонации и ритмы киргизского
фольклора, древнего национального эпоса. Театральность - характернейшая
черта композиторского мышления Молдобасанова - проявилась не только в его
балетах, но и в произведениях других жанров - в симфонических и
вокально-оркестровых сочинениях, в камерно-инструментальных пьесах и
вокальных миниатюрах, а также в самом типе музыкальной драматургии. _У меня,
я думаю, чувство театра наследственное... искусство отца - то главное
впечатление, которое определило мою жизнь, мое дело. Рассказывал и пел он
разное: и части "Манаса", особенно хорошо знал "Семетей", и "малый" эпос,
сказки, истории племен... Многие драгоценные строки наших национальных
сказаний были записаны от него. И от его друзей - манасчи. ...А ведь манасчи
- не просто сказитель, не просто импровизатор, он непременно актер.
...Театр, в буквальном смысле слова, был неведом киргизу в дореволюционные
времена, однако именно в таком опосредованном виде - через творчество
манасчи - вошел издавна в жизненный опыт народа_...
Любовь к народной музыке композитор бережно хранит всю жизнь. Уже в 12
лет он играл в оркестре народных инструментов Киргизской государственной
филармонии. В 1945 г. он поступил в Киргизское государственное
музыкально-хореографическое училище, где занимался в классах скрипки и
дирижирования. В 1950 г. Молдобасанов поступил на 2 курс Московской
консерватории в класс оперно-симфонического дирижирования профессора Л.
Гинзбурга. По окончании консерватории в 1954 г. он возвратился во Фрунзе и
начал свою дирижерскую деятельность в Киргизском театре оперы и балета. Уже
первое крупное произведение Молдобасанова - балет _Куйручук_, написанный в
соавторстве с Г. Окуневым (1960), - привлекло внимание яркостью, новизной и
оригинальностью музыкального языка, красочностью оркестровки. Много лет это
произведение украшает репертуар Киргизского академического театра оперы и
балета им. А. Малдыбаева. ..._Отец много рассказывал об этом удивительном
весельчаке, комике, которого боялись баи пуще целого войска_ (о Куйручуке. -
Н. А.). ..._Он мог "приклеить" баю такое прозвище, что весь народ
подхватывал его и смеялся над баем. А где смех, там нет страха. Из рассказов
наших аксакалов и составлено либретто балета о проделках Куйручука_.
Музыкальный материал балета отличается национальной характерностью, в нем
сохранены метроритмические особенности народной инструментальной музыки.
Балет-оратория _Материнское поле_ (1974) занимает особое место в творчестве
Молдобасанова и в киргизском искусстве в целом. Композитор создал
произведение, по своей значительности не уступающее его литературному
первоисточнику - одноименной повести Ч. Айтматова (либр. М. Ахунбаева и М.
Баялинова). Балет воспевает подвиг советского народа в Великой Отечественной
войне. Символом гуманистического пафоса этого сочинения стала простая
женщина-крестьянка Толгонай - образ огромной обобщающей силы. В балете живут
две Толгонай - молодая и старая (эта роль поручена драматической актрисе).
Необычность сочинения заключается в том, что композитор вводит в него
хоровую и сольную декламацию и пение. В драматургии важную роль играет еще
один символический образ - Мать-земля (Материнское поле), партию которой в
вокально-симфонических прологах к каждому из трех действий исполняет хор,
это и сообщает сочинению черты оратории. В этих прологах сконцентрированы
размышления Толгонай и ее диалоги с Матерью-землей. Замысел сочинения
своеобразен еще и тем, что воспоминания Толгонай, потерявшей на войне мужа и
троих сыновей, оживают непосредственно в балетном действии.
Важное место в творчестве Молдобасанова занимают программные
оркестровые сочинения (танец _Юность, Танец труда, Танец тюльпанов, Весенний
вальс_, хореографическая сюита _Люди наших дней_, симфонические картины _В
стане Манаса_ - 1978 и _Легенда_ - 1977). Композитор обращался также к жанру
инструментального концерта (Концерт для гобоя - 1976), к камерной
инструментальной и вокальной музыке, писал музыку для детей (10 детских пьес
для скрипки и фортепиано - 1963, цикл песен для сопрано с фортепиано
_Счастливые дети_ на ст. Т. Кожомбердиева - 1982). Своей республике
Молдобасанов посвятил отмеченные яркой театральностью кантаты _Цвети,
Киргизстан_ (1966), _Ликуй, Киргизстан_ (1972), _Цветущий город_ (1979, к
100-летию г. Фрунзе). Одно из последних сочинений Молдобасанова - балет
_Сказ о Манкурте_, поставленный в 1987 г. на сцене Театра оперы и балета им.
А. Малдыбаева (либр. М. Баялинова). В качестве сюжетной основы композитор
взял легенду из романа Айтматова _И дольше века длится день. Легенда
неизвестной далекой эпохи в спектакле созвучна нашему времени. Ее идея -
жизненная необходимость памяти в широком смысле этого слова. Она и сегодня
актуальна, как никогда_, - говорит композитор. Используя мотивы киргизского
фольклора и остросовременные музыкальные средства, Молдобасанов выходит за
пределы национальной культуры и обращается к вечным, общезначимым ценностям.
И в этом смысле его балет перекликается со многими произведениями
современного искусства, отразившими сегодняшний взгляд на историю. /Н.
Алексенко/
МОНТЕВЕРДИ (Monteverdi) Клаудио (Джованни Антонио) (15 V 1567, Кремона
- 29 XI 1643, Венеция)
Монтеверди отстаивает права чувств и свободы в музыке. Невзирая на
протесты защитников правил, он разрывает путы, которыми музыка сама себя
опутала, и хочет, чтобы впредь она следовала лишь велениям сердца.
Р. Роллан
Творчество итальянского оперного композитора К. Монтеверди - одно из
уникальных явлений в музыкальной культуре XVII в. В своем интересе к
человеку, к его страстям и страданиям, Монтеверди - истинный художник
Ренессанса. Никому из композиторов того времени не удалось так выразить в
музыке трагическое, ощущение жизни, приблизиться к постижению ее правды, так
раскрыть первозданную природу человеческих характеров.
Монтеверди родился в семье врача. Его музыкальными занятиями руководил
М. Индженьери - опытный музыкант, капельмейстер Кремонского собора. Он
развил полифоническую технику будущего композитора, познакомил с лучшими
хоровыми произведениями Дж. Палестрины и О. Лассо. Моитеверди сочинять начал
рано. Уже в начале 1580-х гг. вышли в свет первые сборники вокальных
многоголосных произведений (мадригалов, мотетов, кантат), а к концу этого
десятилетия он становится известным в Италии композитором, членом академии
Сайта Чечилия в Риме. С 1590 г. Монтеверди - на службе в придворной капелле
герцога Мантуанского (сначала в качестве оркестранта и певца, а затем и
капельмейстера). Пышный, богатый двор Винченцо Гонзага привлекал лучшие
художественные силы того времени. По всей вероятности, Монтеверди мог
встречаться с великим итальянским поэтом Т. Тассо, фламандским художником П.
Рубенсом, членами прославленной флорентийской камераты, авторами первых опер
- Я. Пери, О. Ринуччини. Сопровождая герцога в частых путешествиях, военных
походах, композитор побывал в Праге, Вене, Инсбруке, Антверпене. В феврале
1607 г. в Мантуе с огромным успехом была поставлена первая опера Монтеверди
- _Орфей_ (либр. А. Стриджо). Пасторальную пьесу, предназначенную для
дворцовых празднеств, Монтеверди превратил в настоящую драму о страданиях и
трагической судьбе Орфея, о бессмертной красоте его искусства. (Монтеверди и
Стриджо сохранили трагический вариант развязки мифа - Орфей, покидая царство
мертвых, нарушает запрет, оглядывается на Эвридику и теряет ее навсегда.)
_Орфей_ отличается удивительным для раннего произведения богатством средств.
Экспрессивная декламация и широкая кантилена, хоры и ансамбли, балет,
развитая оркестровая партия служат воплощению глубоко лирического замысла.
До нашего времени сохранилась всего одна сцена из второй оперы Монтеверди -
_Ариадна_ (1608). Это знаменитый _Плач Ариадны (Дайте мне умереть_...),
послуживший прообразом множества арий lamento (арий жалобы) в итальянской
опере. (Плач Ариадны известен в двух вариантах - для голоса solo и в виде
пятиголосного мадригала.)
В 1613 г. Монтеверди переехал в Венецию и до конца жизни оставался на
службе капельмейстером в соборе Св. Марка. Богатая музыкальная жизнь Венеции
открыла перед композитором новые возможности. Монтеверди пишет оперы,
балеты, интермедии, мадригалы, музыку к церковным и придворным празднествам.
Одно из оригинальнейших произведений этих лет - драматическая сцена
_Поединок Танкреда и Клоринды_ на текст из поэмы Т. Тассо _Освобожденный
Иерусалим_, соединившая чтение (партия Рассказчика), актерскую игру
(речитативные партии Танкреда и Клоринды) и оркестр, который живописует ход
поединка, раскрывает эмоциональный характер сцены. В связи с _Поединком_
Монтеверди писал о новом стиле concitato (возбужденном, взволнованном),
противопоставляя его господствовавшему в то время _мягкому, умеренному_
стилю.
Остроэкспрессивным, драматическим характером отличаются и многие
мадригалы Монтеверди (в Венеции был создан последний, восьмой сборник
мадригалов, 1638). В этом жанре многоголосной вокальной музыки сформировался
стиль композитора, произошел отбор выразительных средств. Особенно
оригинален гармонический язык мадригалов (смелые тональные сопоставления,
хроматические, диссонирующие аккорды и т. п.). В конце 1630-х - начале 40-х
гг. наивысшего расцвета достигает оперное творчество Монтеверди
(_Возвращение Улисса на родину_ - 1640, _Адонис_ - 1639, _Свадьба Энея и
Лавинии_ - 1641; 2 последние оперы не сохранились).
В 1642 г. в Венеции была поставлена _Коронация Поппеи_ Монтеверди
(либр. Ф. Бузинелло по _Анналам_ Тацита). Последняя опера 75-летнего