Баженова Т.Ю. История и теория художественного образования
Подождите немного. Документ загружается.
11
Общеобразовательная система художественного образования
строилось на обучении рисунку, так как написание иероглифов требовало
определенных навыков. Обучение рисунку строилось по двум направлениям:
выработка техники свободного движения руки и твердость в выполнении
рельефов и написании папирусов. Основной метод – копирование и
заучивание. Система образования имела строгие требования к дисциплине.
Хотя получать образование могли лишь
привилегированные слои
египетского общества, практиковались телесные наказания (ходили 3 месяца
в колодках).
Профессиональное обучение носило с одной стороны родовой
характер, когда секреты мастерства передавались от отца к сыну, с другой
стороны организовывались профессиональные школы.
Ведущей профессиональной школой изобразительного искусства
являлась Мемфиская придворная школа архитекторов и скульпторов. Во
времена Рамсеса II и его
наследника в Египте существовал институт для
художников, где студенты могли выбирать себе преподавателей.
Методика преподавания в таком учебном заведении разрывалась в
таблицах, которые служили методическими указаниями с поэтапным
выполнением работ. В частности применялся такой прием как построение
фигуры человека по сетке. Это была не просто попытка увеличить
изображение, а прообраз модульной
сетки, позволявшим увеличить
изображение, построить фронтальное и боковое изображение, поскольку
пересечение линий сетки проходило в определенных узловых соединениях.
Рисунок строился с любого места по этой сетке. Изображение выявлялось не
с определения общей формы, а с механической подготовки расчетов
пропорций. В обучении скульптуре применялся метод эталона и метод
незавершенной работы как
наглядного пособия для понимания поэтапности
работы.
Таким образом, налицо системный подход к обучению
изобразительному искусству, положено теоретическое обоснование практики
12
изобразительного искусства, впервые установлены законы
изображения и обучения будущих художников. Существовала ли теория
процесса обучения (дидактика) не установлено. Однако существовали
педагогические сочинения (автор Тауф). Обучение строилось не на изучении
окружающей действительности, а на заучивании установленных канонов.
ИЗО а Египте было уже общеобразовательной дисциплиной.
Лекция №4
«Система художественного образования в
Древней Греции».
Искусство Древней Греции – величайший по значению пласт в истории
мирового изобразительного искусства. Произведения, созданные в этот
период, поражают современников своей соразмерностью, реалистичностью,
гармонией с окружающей средой. Поэтому закономерен интерес к системе
художественного образования, которая, в свою очередь, является
значительным этапом в истории развития всего художественного
образования в целом.
Коренные изменения в системе образования Древней Греции связаны, в
первую очередь, с изменением мировоззрения и, как следствие, изменение
религии и общественного сознания в рамках все той же рабовладельческой
экономической формации.
Пантеон греческих богов, в отличие от египетских зооморфных
(впоследствии с человеческими телами), был антропоморфен. Загробный мир
представлялся по аналогии с
реальностью. А подготовка к переходу в мир
иной была не столь всепоглощающей. Вообще мироощущение древних
греков носило гуманистический характер, обращенный на выявление
закономерностей реальной действительности, а красота человеческого тела
считалась эталоном гармонии, то есть соразмерности частей относительно
целого. Этот эстетический идеал выражен в словах Перикла
13
(древнегреческий стратег, возглавивший Афины в период его расцвета): «Мы
любим прекрасное, соединенное с простотою, и мудрость без изнеженности».
Однако, все новое, созданное греками имеет фундамент. И фундамент
этот – египетское искусство. Греческие художники систему канонов и
способы ваяния, выработанные в Египте. Например братья Телеклес и
Теодор из Самоса, живя в разных
городах, взялись за выполнение заказа
самосцев на статую Аполлона Пифийского. Независимо друг от друга они
изготовили каждый свою половину статуи так искусно, что при соединении
обе половины сошлись между собой. Такому успешному ходу работы
способствовала соблюдение египетская методика работы над скульптурным
произведением.
В дальнейшем греки по-новому подошли к проблеме обучения
и
воспитания. Реализм – основа греческого искусства. Художники утверждали,
что в мире царит строгая закономерность, и сущность прекрасного
заключается в гармонии частей и целого, в правильных математических
пропорциях.
В 432 году до н.э. Поликлет из Сикиона создал сочинение о
пропорциональных закономерностях построения человеческого тела и
впервые в истории решил проблему конрпоста.
Изображение тела человека
стало естественным и жизненным. Как образец исполнения скульптуры по
новым канонам выступает «Дорифор» (копьеносец). Рисунки с этой
скульптуры делали не только будущие профессионалы, но и дети в
общеобразовательной школе.
Еще один великий скульптор уже поздней классики Пракситель создал
свой канон, в котором пропорции тела были несколько удленены по
отношению к поликлетовскому канону.
О методах обучения данного периода мы знаем из позднейших
теоретических трудов римских историков Плиния, Павзания и Ветрувия, а
так же на основе сохранившихся артифактов. Причем артифактов греческого
станкового искусства осталось не так много: скульптура дошла до нас, в
14
основном, в римских копиях, которые не передают всей глубина
древнегреческого искусства, артифакты живописи также немногочисленны.
История первых методических разработок в изобразительном
искусстве Древней Греции связывают с именами Полигнота и Аполлодора
Афинского. Полигнот, образовав круг художников в Афинах, где ему были
даны права гражданства, развернул свою педагогическую деятельность. Он
призвал художников стремиться
к реальности. Однако овладел только
линейным рисунком, без передачи светотени. Но и здесь линия работала на
передачу пространства. Плиний пишет: «Полигнот…который нарисовал
женщин в просвечивающей одежде, прикрыл головы их пестрыми чепцами и
первый внес в живопись очень много нового, коль скоро начал открывать
рот, показывать зубы и вместо прежнего
ненодвижного лица давать
разнообразие». Аристотель отмечал, что Полигнот идеально передавал
форму человеческого тела, рисовал в натуральную величину модели. Однако
живописьего представлялась раскрашенным в монохроме рисунком.
Настоящая революция в области рисования и методов обучения
приписывается Аполлодору Афинскому, который Плиний относит к
«светочам искусства». Заслуга Аполлодора заключается в том, что он
впервые
ввел светотень и стал моделировать объем формы в рисунке. Это
почиталось за чудо. Появилась необходимость в иных методах обучения,
которые рассматривали закономерности распределения светотени
относительно источника света. Живопись стала основываться на игре
теплохолодности.
Аполлодор был не просто талантливым художником, но и прекрасным
педагогом. Одним из его учеников был Зевкис (420-380гг до
н.э.). В одной из
своих эпиграмм Аполлодор называл его «похитителем моего искусства».
Методика Зевкиса основывалась на пристальном изучении природы,
понимание законов красоты через наблюдение. Есть легенда о том, что
Зевкис нарисовал мальчика, несущего виноград. К винограду слетелись
15
птицы, так он был искусно нарисован. А мастер расстроился: «Если бы я так
же искусно изобразил мальчика, то птицы бы не прилетели, испугались».
Знаменито соперничество Зевкиса и еще одного значительного
художника Паррасия. Плиний пишет: «Про Паррасия передают будто он
вступил в состязание с Зевкисом. Зевкис принес картину, на которой
виноград был
изображен так удачно, что слетелись птицы. Паррасий принес
полотнище, нарисованное так правдоподобно, что Зевкис, гордясь
приговором птиц, стал требовать, чтобы полотнище было убрано и показана
сама картина. А затем понял свою ошибку и уступил пальму первенства под
влиянием благородного стыда».
Паррасий проявил себя еще и как художник-теоретик, написав трактат
по рисунку, в котором особое внимание уделил линии и ее работе по
посторению иллюзии пространства. «Ведь контур должен состоять из своей
линии и так обрываться, чтобы намекать на то, что скрыто. Характерные
особенности его преподавания:
-ясность в передаче очертаний предметов;
-линеарность в передаче формы предметов;
-активная работа с натуры;
-сочетание высокотехничного рисунка с знанием законов
реалистичного построения человеческого тела;
-владение средствами светотеневого рисунка;
-стремление к передаче реалистичности изображения, доходящей до
самоцели.
В IV веке до н. э. существовало несколько прославленных школ
рисунка: Сикионская, Эфесская, Фиванская.
Фиванская школа – основатель Аристид – придавали значение
светотеневым эффектам, передаче ощущений, иллюзий.
Эфесская школа – Эфранор
или Зевкис – основывалась на чувственном
восприятии природы, ее внешней красоте.
16
Сикионская школа – основатель Эвпомп – базировалась на научных
данных естествознания и строго придерживались законов изображения
реальной природы. В этой школе требовалась величайшая точность и
строгость рисунка. Она оказала влияние на дальнейшее развитие
изобразительного искусства. Эвпомп (400-375гг до н.э.) был выдающимся
педагогом и живописцем. Он призывал своих учеников изучать
закономерности природы на
основе научных данных, главным образом,
математики. Это принципиально новый метод – наблюдение+анализ.
Ученик Эвпомпа – Панфил придавал большое значение рисованию как
общеобразовательному предмету, поскольку при рисовании человек не
только передает форму предмета, но и познает его строение. Панфил много
работал много работал в области соприкосновения рисунка с геометрией,
поскльку считал, что
последняя развивает пространвтвенное мышление. На
двери его школы было написано: «Сюда не допускаются люди, не знающие
геометрии». Продолжительность обучения у Панфила была 12 лет и стоила
один талант (26,196 кг золота).
К IV веку до н. э. древнегреческие художники начали разрабатывать
теорию перспективы. Однако она имела мало сходства с той, что создал
Филлиппо Брунеллески
(с одной точкой схода). Это, скорее всего
перцептивное восприятие действительности.
Так в истории западноевропейского искусства появилось и существует
поныне два направления: рисование от цветового пятна и от конструктивного
анализа формы.
Мастера Древней Греции призывали своих учеников к изучению
натуры на научной основе, преимущество отдавалось знаниям, а не порывам
вдохновения. Поэтому
обучение рисунку имело первостепенное значение.
Ученики рисовали, в основном, на буковых дощечках, покрытых воском,
металлической или костяной палочкой. Художественные школы Древней
Греции – это частная мастерская-студия, напоминающие по своему принципу
частные мастерские эпохи Возрождения.
17
Итог:
- новые методы обучения, в основе – рисование с натуры;
- задача рисовальщика не только копирование предметов, но и
познание закономерностей их построения;
- рисование в общеобразовательной школе как инструмент познания
окружающей действительности;
- выработка канонов построения человеческого тела по законам
видимой действительности научных знаний;
- человек – венец красоты, в нем все соразмерно
о гармонично,
«Человек – мера всех вещей» (Гераклид).
Лекция №5
«Художественное образование в Древнем Риме»
Художественное наследие значительно по своей ценности для мировой
культуры. Но оно носит иной характер, нежели греческое. Все дело в
мировоззрении римлян. Они, как греки и этруски, были язычниками, но их
религия, а отсюда и
художественная фантазия были прозаичнее греческой, их
мировосприятие – более практичным и трезвым. Римляне создали свой
прекрасный театр, острую комедию, мемуарную литературу, выработали
кодекс законов (римское право явилось основой всей европейской
юриспруденции), новые формы в архитектуре (открытие бетона дало новые
конструктивные возможности строительства гигантских зданий и сводчатых
перекрытий) и изобразительном искусстве (исторический рельеф
,
реалистический скульптурный портрет, статуарную скульптуру,
интереснейшие примеры монументальной живописи).
После завоевания Греции Римом началось более тесное знакомство с
греческим искусством, которое римляне почитали за образец.
«Невежественный победитель был покорен искусством покоренного народа».
18
Во II в. до н. э. греческий язык был обычным в высшем обществе.
Произведения греческого искусства заполнили общественные здания Рима,
жилые дома, загородные виллы. Тогда и появилось помимо подлинников
много копий с прославленных греческих произведений Мирона, Фидия.
Скопаса, Праксителя, Лисиппа. Но поэтического вдохновения греческого
искусства, самого отношения к художнику как к избраннику
богов,
наделивших его талантом, в Риме не было никогда.
Отсюда и система художественного образования, дававшая лишь
навыки ремесленника высокого класса, копеиста. Действительно, среди
лощенных механических копий греческая подлинная скульптурная пластика
представляется настолько живой в своей игре плоскостей, что кажется
легким бризом в знойный день. Ничего принципиально нового в методику
преподавания
изобразительного искусства Рим не внес. Хотя заниматься
изобразительным искусством считалось хорошим тоном и в высшем римском
обществе. Но это было не более, чем дань моде.
Таким образом, утилитарность мышления римлян сказалось на
развитии художественного образования в этой стране не лучшим образом.
Лекция №6
«Методы работы в средневековом искусстве»
Средневековое
искусство – особая ступень в мировом художественном
развитии. Одна из его главнейших особенностей – тесная связь с религией, ее
догмами, отсюда спиритуализм, аскетичность. Религия и ее общественный
институт – церковь – была могущественной идеологической силой,
важнейшим фактором формирования всей феодальной культуры. Кроме того,
церковь была главным заказчиком искусства. Наконец, не следует забывать,
что духовенство
было единственным тогда образованным классом. Поэтому
религиозное мышление сформировало все средневековое искусство. Однако,
19
это не значит, что в средневековом искусстве не нашли выражения реальные
противоречия жизни, что средневековые художники не стремились к
поискам гармонии.
Образный строй и язык средневекового искусства сложнее и
экспрессивнее искусства античности, с большей драматической глубиной
передает оно внутренний мир человека. В нем ярче выражены стремления
постичь общие закономерности мироздания. Средневековый
мастер
стремился создать грандиозную художественную картину мира в
архитектуре, монументальной живописи и скульптуре, украшавшей
средневековые храмы. Но в самой художественной системе, художественном
методе средневекового искусства была заложена ограниченность,
сказывающаяся, прежде всего в предельной условности, в символике и
аллегоризме образного языка, в жертву которым приносилась правдивая
передача красоты физического тела.
Достижения
реалистического искусства античности было предано
забвению. Гиберти писал: «Итак, во времена императора Константина и папы
Сильвестра взяла верх христианская вера. Идолопоклонство подверглось
величайшим гонениям, все статуи и картины самого совершенства были
разбиты и уничтожены. Так, вместе со статуями и картинами погибли свитки
и записи, чертежи и правила, которые давали наставления столь
возвышенному и тонкому искусству».
Изобразительное искусство строилось без опоры на науку – только
внимание и верный глаз художника. Телесность сохранялась лишь при
заимствовании образов античного искусства (Орфей – образ юного Христа-
пастыря). Однако эти заимствования длились недолго. На смену образу
юного Христа пришел культ старчества со своим образным строем.
Основа обучения в
этот период – механическое копирование. Однако в
средневековом искусстве была система, которая пыталась нащупать некие
закономерности построения изображения. Это система Виллара де Оннекура.
Ее сущность – в построении отвлеченных математических расчетов, поиске
20
геометрической закономерности, кабалистике чисел, а не в поиске
закономерностей строения форм природы.
Византийское искусство отличались большей каноничностью по
сравнению с искусством средневековой Европы. И здесь практиковалась
работа по образцам. До наших дней дошел интересный труд по методике
изобразительного искусства Византии. Это – «Ерминия, или Наставления в
живописном искусстве» 1701-1745 г.г., написанное афонским
монахом
Дионисием из Фурны (Фурнографиотом). В ней содержится много фактов,
касающихся ремесла живописца (как сделать копию, угли, кисти, клеи,
грунтовки, подробные инструкции о способе написания ликов, одежд) и
многое другое. Например, о том, как производить копирование: «…прилепи
пропитанную маслом бумагу твою к четырем краям подлинника; изготовь
черную краску с небольшим
количеством желтка и тщательно обведи ею
рисунок и наложи тени; потом приготовь белила и наведи пробелы и самыми
жидкими белилами обозначь светлые места. Тогда выйдет очерк
изображения, потому что бумага прозрачна, и сквозь нее видны все черты
подлинника». Другой пример копирования: «Если же на задней стороне
подлинника нет ни рисунка, ни
пятна, то наложи на него непромасленную
бумагу, приставь его против света к окну…и, видя все черты, тщательно
вырисуй их на бумаге твоей, а света обозначь красною краскою».
Итак, в эпоху средневековья:
- основной метод обучения – копирование по образцам,
способствовавшее развитию ремесленного труда;
- процесс обучения – самостоятельная работа в составе артели
мастеров.